EL SENTIDO DEL HUMOR Y LA SUTIL IRONÍA. (Una imagen, una reflexión)

William Thackeray dijo: “El humor es una de las mejores prendas que se pueden vestir en sociedad”. Y bueno... yo añadí “Pero la sutileza y el ingenio de una frase, de un gesto, proceder o talante, lo que entendemos por “sentido de humor”, es una excelente marca de presentación de cualquier persona en un escenario social”. Y lo cierto es que la ironía, el sentido del humor y el ingenio en un pensamiento escrito fueron tres características que yo siempre elegí para expresarme en mis columnas en las redes sociales o en las páginas de alguno de mis blogs. En realidad, tres cosas que a veces van unidas en un mismo mensaje.

Se dice que tener sentido del humor indica tener sensibilidad y capacidad de crítica, y que con ello -y esto es muy importante- podemos superar muchas dificultades; vencer la timidez y el desánimo, nuestra falta de confianza y autoestima, nuestras frustraciones y fracasos personales, pero también combatir el resentimiento y los roces ajenos. Pero… ¡cuidado! Cuando este mecanismo expresivo se abusa de él, o se emplea de forma irreverente, quizá de modo grotesco o demasiado excéntrico, podemos caer en el ridículo y provocar la burla ajena. Y desde luego, quienes más se exponen a este desliz, tal vez sean los que no tienen sentido de la oportunidad o se extralimitan en la confianza de sus dotes de humor, unos porque se hace el “gracioso”, otros tentados por su vanidad y petulancia.

Arriba, con un personaje callejero en Portugal y con el "Celedón"
de Vitoria. Debajo, con Woody Allen, en el púlpito de una iglesia
de Elciego y bromeando con José "Chochero" hace 50 años.

Lo cierto es que yo sufrí ese desliz hace unos días, digamos que expresivo y en el momento en que, después de una comida de antiguos compañeros y amigos, compartimos un tiempo en que nos distendimos y bromeamos refiriéndonos a nuestras andanzas del pasado. Yo mismo me convertí en artífice del comentario festivo y del humor quizá algo más estrambótico, puede que inoportuno, vencido por ese clima de confianza y de amistad que a cualquiera nos invita a pasarnos de la raya, precisamente en el humor y la ironía. Tal vez, los que somos ya mayores caemos en esa trampa y nos convertimos en unos malos protagonistas del humor en el transcurso de las tertulias y reuniones.

De todas formas... ¡que no falte el buen sentido del humor, ni la fina ironía! Y como prueba, nada mejor que esta ilustración fotográfica, al margen. En una, yo mismo conversando con un ilustre callejero en Portugal,; en otra, con Woody Allen, un genio del sentido del humor; otra también, dirigiéndome con un discurso al "Celedón" de Vitoria, pero con sentido del humor; otra más, sermoneando en el púlpito de una Iglesia; y finalmente, otra bromeando con José Delgado Corrales en "La Isla" hace 50 años.

Ángel González "Rusty Andecor"

El ritual del beso y su inspiración en la música

Escenarios pictóricos de la celebración del beso

Alguna vez dije: “No sólo los músicos ensalzan las virtudes de la música, también la pluma de quienes escriben, aunque sea en el mágico lienzo de la imaginación, se dejan seducir por su inspiración y por la pasión de sus sueños”. Pero… ¿saben ustedes, amigos míos? A veces es la magia del beso, lo que inspira la escena que recrea la música. Quizá la música también inspira el beso y todo “aquello” que nos hizo soñar con su fascinación.

El vídeo que reproduce el enlace del título del tema, el que yo mismo edité ya hace años, me llegó de la inspiración de una composición de John Foster y desde una versión que interpretaba la “101 Strings Orchestra”. Fue uno de los temas de la última parte de la galería literario-musical del álbum “La música más hermosa del mundo”. El tema se titula “Comenzamos a amarnos con un beso”. Y el vídeo extrae de una parte de los libretos con los que yo intentaba describir, aunque muy tímidamente, una historia encubierta en torno a ese mágico inicio del romance y que celebraba el ritual romántico de un beso.

En fin…Ya saben. Las historias de amor casi siempre comienzan con un beso. Comienzan con un beso que los enamorados festejan desde lo más profundo del corazón. Pero a veces, el milagro de ese momento consiste en solo un emocionado suspiro, y que no deja de ser un beso que exhala el alma del enamorado. Alguna vez, sólo es una turbación, un sobresalto. Y puede que esa inquietud, ese trastorno del espíritu, quizá no sea más que un invisible e intangible beso que se desprende, sin que nos demos cuenta, desde nuestro corazón aturdido, pero emocionado por el sentimiento que nos conmueve.

Lo cierto es que unas veces, ese beso se celebra en el marco de algún lugar romántico, o se goza en el recogimiento de un rincón perdido, en nuestra intimidad. A veces, bajo la farola de aquel puente de los sueños, o entre las sombras de una oscura calle, o en atardecer en un parque. O puede que en la terraza de ese bar nostálgico. O quizá en la despedida que compartimos... con ella… o con él. Pero hay veces que no existe un beso real, y sólo se vislumbra sumergido en el escenario de nuestra imaginación, que luego se desvanece. Aún así, tras ese beso ensoñado puede aparecer la magia de todo un romance.

El vídeo es un homenaje al beso, ilustrado en imágenes, como una sublimación del sentimiento del amor, y tal vez basado en los escenarios que yo dibujé en algunos de los libretos que escribí en el pasado en ese blog al que hago referencia, escenarios que dejaron entrever y sugerir algo más que una ficción.

Lo cierto es que este artículo que publiqué hace poco en la red Facebook, dedicaba el vídeo a quienes guardan, muy oculto, en lo más profundo de su corazón, aquel ya lejano beso, con el que celebraron su romance, o simplemente lo soñaron.

Ángel González "Rusty Andecor"

GRANDES ESCENAS DEL CINE

Fotogramas de la escena de despedida de "Havana"

Siempre me cautivó la escena de una película: el final de  “Habana”. Un filme que dirigió Sydney Pollack en 1990 y que protagonizaron Robert Redford y Lena Olin.  impresionante escena, emotiva y conmovedora, ya casi al final de la película. Quizá es una de mis películas favoritas. Su mensaje: la generosidad sin pedir nada a cambio, el sacrificio y la renuncia a la persona amada, por razones desprendidas y honestas. Por eso, he querido hacer una reflexión.

Esta es la escena: Se ha producido el triunfo de la revolución castrista. En la secuencia, ella, Bobby, encuentra a él, Jack, en la terraza de un restaurante y a punto de embarcar para salir del país.

-¿Me estabas esperando? –pregunta ella.

-¡Toda mi vida! –responde él.

En el transcurso de la breve despedida, ella descubre un vendaje en el brazo de él, al parecer para cubrir una cicatriz. Se da cuenta que ha vendido el diamante que escondía en su brazo para salvar la vida de Arthur, el marido de Bobby. Era un diamante que Jack guardaba bajo su piel, pero para salvar su propia vida si llegaba el momento. Pues él solía decir: "La idea es que no importa lo mal que te vayan las cosas, ni lo que te hagan y... no importa, porque siempre te queda algo; es decir diamante".

El resto de ese final, muy emotivo. Hay un momento en que ella se abraza a él, amorosa, confiada y aún ilusionada. Entonces él la acoge resignado, sabiendo que tiene que perderla, y esta vez para siempre.

-¡Adiós, Bobby! –le dice él, mientras, en seguida, se aleja, sin volver la cabeza atrás.

Lo cierto es que la vida es así. A veces guardamos un talismán, un último recurso para una oportunidad excepcional; tal vez para un momento desesperado. Y lo utilizamos como un pequeño tesoro para salvar un desastre o aliviar la adversidad; pero somos humanos y a veces nos entregamos a la persona que queremos, le ofrecemos ese tesoro, renunciamos a nuestro "diamante" y renunciamos también a aquella persona... que jamás olvidaremos.

Lástima que el vídeo sólo reproduzca fotos fijas y no la escena completa de vídeo del final de la película, y debido a los derechos del autor que no me permiten publicar el fragmento.

"LAS SIRENAS Y LA IMAGINACIÓN". (Una imagen, un mensaje).

 

Einstein dijo “Solo dos cosas son infinitas; el universo y la estupidez humana, y del universo no estoy seguro”. Claro que también habría que haber añadido la locura de la ambición y del odio, algo que tenemos muy cerca en esta terrible guerra, que desgraciadamente ya parece mundial, y que vemos que está provocado por un perturbado más loco aún que el propio Hitler.

Sin embargo, y para reconfortarnos un poco en la esperanza, yo pienso en una frase que dije alguna vez y que sugiere algo más ilimitado, más inagotable, y confieso que “Solo dos cosas son infinitas y se expanden más allá del universo; la imaginación y los sueños”.

La clave está en esa sirena que representa la imaginación.

Recuerdo que entonces fue cuando escribí que “El teatro de la vida no sería mágico si no nos convenciéramos de que siempre ha de tener una dosis equilibrada de sueños y de la locura que nos embarga la ilusión, pero también de que precisamente uno mismo forma parte de la magia de ese teatro”. Ciertamente, a veces el teatro baja el telón, porque la sesión se ha terminado, y en ese momento sabemos que la magia ha desaparecido. Es entonces cuando podemos buscar la clave de que sigue habiendo algo más allá de la escena final de esa representación que vivimos. Y esa clave es la imaginación y, si lo pensamos bien, es infinita”.

Eso sí, a la imaginación, como al universo, habría que ponerle un límite, para estar seguros de nuestra cordura. Y desde luego, eliminar de ella cualquier rastro de ambición malsana y de odio. Pues si no lo hacemos, seguro que su infinitud perturbará nuestra razón, el equilibrio de nuestra mente y desquiciará los impulsos de nuestro comportamiento.

Bueno... lo cierto es que no viene mal un poco de poesía, sobre todo para endulzar el mal sabor que nos trae el horror del recuerdo de esta maldita guerra. Aunque sea con la modesta y burda poesía que contienen estos versos que un día escribí,     quizá sugeridos por la imagen de unas de estas sirenas y que representaba a la imaginación:

"Con sus formas sensuales... nos seducen con su canto"

“Hay sirenas que nos llaman

con su música y su canto.

Con el son de las gaviotas
que manejan con su hechizo
nos conducen a su abrazo.
Con sus formas sensuales
y costumbres más remotas
nos perdemos, seducidos
para siempre en su regazo.
Nos dominan, nos cautivan los sentidos,
mas… dejamos que acaricien,
zalameras, nuestro llanto."

Ángel González "Rusty Andecor"

"DISCO STUDIO 80". Los 80,s musicales

"Los 80 musicales". Una década mágica e irrecuperable. Fue la década de la innovación del estilo de la música, de la evolución de su cultura y de su forma de vivir toda su manifestación. ¿Porqué los 80 y no los 70, o los 90? La respuesta estaba en la misma evolución del pensamiento y de las expectativas de la gente más joven, que era quienes más consumían la música. Tal vez, el desencanto y la frustración que supuso la confianza que la juventud le dio a una era ilusoria, como fue la de los 60 y la secuela de los 70, sería la responsable de la búsqueda de los horizontes musicales que ofrecía la "música disco". Por otra parte, las tecnologías del sonido, de su grabación y reproducción, habían avanzado; como había avanzado la propia forma de hacer música, sus esquemas rítmicos y la fascinación de sus nuevos elementos de sonido.

Pero, además había un nuevo descubrimiento que atraía la público más joven del consumo musical. La gente aficionada a la música ya no tenía que reunirse necesariamente en lugares privados o en recintos familiares, ni eran sólo las playas, terrazas o plazas donde se escuchaban los discos. Los guateques habían desaparecido. Aparecieron "las discotecas". De hecho, ya en los 70 y en las ciudades más populosas se habían abierto grandes instalaciones en recintos cerrados y con cierta decoración psicodélica para ambientar un público ansioso de descubrir la magia de la música "dance". Y así, las discotecas se convirtieron en "santuarios del discodance". Sus protagonistas: el "disc jokey", el vinilo y la mesa de mezclas, por un lado; las inmensas pantallas acústicas y las bolas giratorias de luces de colores, por otro. Pero, sobre todo, quizá lo más seductor, la pista de baile y el público joven atraído y cautivado por aquella nueva cultura: "La música disco".

En este reportaje vamos a hacer un repaso a los temas más significativos del repertorio musical que se escuchaba en aquellas nostálgicas discotecas y a las estrellas más conocidas que los interpretaban. Haremos una selección de aproximadamente 25 hits de la época, añadiendo algunos que fueron ya de los 90. Y como complemento, tengo creada en la plataforma de Spotify una playlist titulado "Disco Studio 80" con más de 30 canciones y que se complementa con otra, denominada "Disco Dance 90".

Patty Ryan, uno de los símbolos musicales de
la década disco-musical de los 80

Patty Ryan, fue una cantante de pop alemana que en 1987 grabó su primer álbum y terminó arrasando con sus giras por las discotecas y estadios de toda Europa. Su trayectoria en el "dance" comenzó en 1981 y sus actuaciones se prolongaron hasta 2005. Su tema estrella "Love is the name of game", el que escuchamos en el audio del vídeo, da fe de su garra musical. Eran los tiempos de "la música disco". Curiosamente, esta grabación no es de los 80, sino del 2004 y en la que Patty tenía ya 41 años.

"El amor del nombre del juego", el título traducido de la canción, fue uno de los temas con lo que Patty Ryan abanderaba sus conciertos. Cuando comenzó su fama en el 87, tenia 26 años. Cierto que su rubio atractivo y su espectacular fisonomía hacía de "magnetismo". Y es que en aquellos 80 su espectacular aparición y sus actuaciones eran una "bomba" musical.

El tema "You´re my love, you´re my live" fue otro de sus hits y en el vídeo vídeo de este enlace la vemos en plena actuación ya muy poco antes de su retirada, en una discoteca de Moscú.

Patsy Kensit en 1983, interpretando "I´m not scared"

Patsy Kensit, imagen emblemática de una de las estrellas de la música "disco" de los 80, fue la cantante de una banda de pop británica que se creó en 1983 en Londres y se disolvió en 1988. Una actividad de sólo 5 años, pero que cundió y arrasó en el ámbito de las discotecas y pubs. Luego Patsy se dedicó como actriz en el cine y la televisión. Tenía sólo 19 años cuando grabó aquel álbum. La canción del vídeo es "I´m not scared" y fue uno de los temas que más se escuchó durante finales de la década de los 80. La canción la compuso "Pet Shop Boys" para "Eighth Wonder" y se publicó en 1987. La televisión, que entonces transmitía vídeo-clips en sus intermedios, lo ponía todos los días. Patsy terminó llamándose "la rubia del vídeo-clip".

Lo cierto es que la música tenía su punto "disco-dance", con un ritmo poderoso pero discreto y contaba con el esquema melódico de los 80.  "I´m not scared" era un tema simple, puede que incluso machacón, pero un "temazo" para identificarnos como "héroes de los 80". El vídeo también tenía su punto, porque Patsy era una chica guapa y muy sensual, pero on la sensualidad elegante y refinada que se tenía entonces, en los 80. La anécdota es que el abuelo de Patsy fue uno de los falsificadores y ladrone más  célebres de Ingleterra, además de que su hermano era un peligroso gánster.

Kim Wilde en 1981. Cantaba "Cambodia"

Kim Wilde. Cantante británica que alcanzó el éxito en 1981 cuando sólo tenía 21 años. Había comenzado con un estilo punk y new wave, pero pronto se decantó por un pop clásico que evolucionó al "dance". Y así, el tema que la hizo famosa fue "Cambodia", una de las piezas más escuchadas en las discotecas en aquellos años 81 y 82. El d-jokey más inexperto, hace 40 años, sabía de sobra que este tema estaría incluido en su repertorio "disco".

Como la mayor pare de las estrellas de la canción "disco-dance", su fama se fue apagando, indudablemente porque aquel estilo de música terminó pasando de moda. Sin embargo, Kim superó la crisis musical de los 90 y se adaptó a una música más coherente con los tiempos. Ciertamente, ella es productora, conoce el negocio y apuesta por lo que se vende. Wilde fue artista invitada de Michael Jackon en su gira de 1988. También ha colaborado con Mike Oldfiel, Rick Astley y, curiosamente, ha tenido experiencias con ovnis, de cuyo tema es una apasionada. Su último álbum del 2018 gira en torno a esa experiencia.

C.C. Catch en "I cam lose my heart tonight" (1985)

C. C. Catch. Es una cantante germano-holandesa que se hizo famosa en 1985 a los 21 años con su canción "I can lose my heart tonight". Aunque su nombre artístico es C.C.Catch, el original es Caroline Catharina Müller, para lo que se cambió el nombre por C.C. Su estilo fue siempre el "disco-dance". Este tema y otros se escuchaban continuamente durante la segunda mitad de la década más "disquera" de la historia. Luego, en los 90, su éxito fue decayendo, como toda la cultura "disco", tanto como la escenografía que "decoraba" sus "santuarios del disco". Y hay que decir que las letras de las canciones "dance" de los 80 no solían tener mucha riqueza poética. Cierto que algunas podían ser la excepción, como ésta de Catch, que tenía su punto romántico. Decía: "Llévame a la noche, no me importa perder el sentido, porque tendrás mi corazón contigo".

C.C.Catch ha seguido grabando sencillos y álbumes hasta 2018, manteniéndose en el mismo estilo "Eurodance" con el que comenzó cuando sólo tenía 21 años. El tema "Heartbreak Hotel" fue otro de sus éxitos de la nostálgica década de los 80.

F.R. David en 1982, con su su blanca guitarra y gafas
Polaroid, interpretando su mítica canción "Words"

F. R. David. Francés de origen tunecino, su nombre original Eli Robert, inició su carrera en la música vocal en 1967 y aún hoy a sus 74 años sigue activo. Su tema "Words" se convirtió en un hito musical en los 80. Lo cierto es que hace 40 años, los dj,s de las míticas discotecas de aquella década solían dividir las sesiones musicales con un tema que daba solemnidad al ritual de la "dance". Los compases de inicio de la canción, con su ritmo y sus acordes electrónicos de la época, encendían el entusiasmo del público que llenaban los aforos, especialmente cuando oíamos al cantante con aquella voz aparentemente afeminada y que solía confundirnos pensando que se trataba de una mujer.

El tema "Words" de F.R.David se convirtió en el fenómeno "David/Words" por el significado que aportaba en las salas "disco" con todo el ceremonial que aportaban los disc-jokeys cuando pinchaban el disco. La versión de inicio, de las primeras que grabó en directo, corresponde a una actuación en una discoteca de la época, siempre con su guitarra Fender blanca y sus gafas completamente oscuras. En este último vídeo le vemos muy reciente en una sala en Moscú, ya sin guitarra pero siempre con sus gafas Polaroid.

Ryan Paris. La canción "Dolce Vita" se compuso en 1983 como referencia y guiño a la película "La dolce vita". En principio no había ritmo; era un tema demasiado melódico y no tenía ganho para el estilo "disco-dance". Así que se decidió hacer un lanzamiento de promoción que se organizó con una puesta en escena del cantante romano Fabio "Ryan Paris". Lo cierto es que el 1983 marcó una música "disco" cuyo carácter "dance" y adicción rítmica influyó en el repertorio de las discotecas de la época. "Dolce Vita" arrasó en las ventas de maxi-singles en vinilo y en las escuchas de todo el mundo.

El disco fue uno de los más vendidos en el formato "maxi" del single, entonces de moda desde primeros de los 80. Y aunque poco aficionado a la música "techno" en aquellos años, me hice con un "maxi" de aquel título que aún conservo en perfecto estado. No cabe duda que cuando uno se hallaba en aquellos "templos" de la música disco de entonces y sonaba la "Dolce Vita", se producía un auténtico espectáculo. El contagio a la invitación a bailar era inmediato. La versión del titular tiene la esencia y el ambiente de lo que eran las discotecas de la época. La versión de "Dolce Vita" de este enlace contiene el ambiente visual parisino, como el propio nombre del cantante.

Rafa "Melón", pintoresco y chocante,
cercano y entrañable, delante de su
querido "Pub Arlequín".

Por cierto… hagamos una pausa en toda esta fabulosa “movida disco” de los 80, porque quienes conocimos la cultura de ocio de disco-pub y discotecas, recordaremos que en aquellos templos del “Music-Dance” no sólo se escuchaba la "música disco" anglo sajona, sino que también nos inundaba la moda del ritmo latino. De pronto, el viejo rock y nuestro pop nacional dejaron paso a infinidad de temas caribeños que combinaron muy bien con el repertorio inglés o franco-germano. Y fueron las discotecas las que impusieron el estandarte musical, pero también lo hicieron los “disco-pub” y los “bares de copa”. Nuestro antecedente aquí en Coria, tal vez el más legendario fue el “Pub Arlequín”, que precisamente debutando en 1981, cuando todo aquello comenzaba, se convirtió en el "santuario" de la movida "copera" y musical de nuestra ciudad.

           
El “Arlequín” no era sólo un bar de copas con la mejor música que se escuchaba en los 80. El “Arlequín” tenía alma, tenía vida, aparte de los discos que allí se escuchaban. Y ese alma se llamaba RAFA “MELÓN”. Un ser humano entrañable, aunque controvertido. Una persona generosa en su entrega humana hacia el cliente y a sus amigos, aunque luego le faltara voluntad para algún otro compromiso comercial. Sin embargo, también esto último le caracterizaba en favor de su carisma y simpatía. Mi tía Carichi, otro popular personaje y que entones era su casera, lo sabía muy bien; ella lo adoraba por encima de todo, lo trataba como de familia y siempre lo llamaba "Mi Rafita". Rafa era “genio y figura”, por sus virtudes y sus defectos. Pero sobre todo, era un artista que sabía “pinchar” un vinilo creando una fusión entre una música y otra, al mismo tiempo que combinaba la sonrisa con el cliente y la palabra de alago con alguna de sus amigas. Y eso sí; él y Arlequín era la misma esencia. Lo cierto es que "Arlequín" cerró hace ya casi diez años y Rafa falleció hace un par de años.

Yuri y "La Banda Santanera", pura salsa caribeña.

De aquella época, recuerdo dos temas que caracterizaban muy bien aquel histórico y mítico santuario “copero-musical” llamado “Arlequín”. Uno era “La pollera colorá”, de Yuri, Charlie Zaa y "La Banda Santanera”, un clásico caribeño. El otro era el “Gitanitos y morenos”, de Gato Pérez. Luego, había un sinfín de música en el repertorio interminable que ofrecía Rafa y el “Arlequín”. Pero, además allí se podía escuchar toda clase de música de pop, desde la más romántica y melódica, hasta el más rabioso clásico rock y música “disco-dance”, pero el “disco-latino” allí era fundamental. Y era raro que un sábado noche no sonara alguno de esos dos temas como inicio de la velada.

Mike Oldfield y Maggie Reilly en "Moonlight Shadow"

Mike Oldfield - Maggie Reilly. "Moonlight Shadow". Un tema de culto que compuso el multiinstrumentista británico Oldfield, grabado inicialmente en single y que incluyó en su álbum "Crises". Lo vocalizaba la escocesa Maggie Reilly. Era una pieza que carecía del ritmo "disco" para la "dance", pero... "¡A Dios pongo por testigo que aquella canción sonaba en todas las discotecas del mundo a mediados de los 80!". El disc-jokey de turno, cuando debía hacer un corte en los pases mas rabiosamente de "disco" para poner un toque romántico, para encandilar a las "parejitas", ahí estaba el "Moonlight Shadow".

Hay que decir que "Moonlight Shadow" fue tema más exitoso de Mike Oldfiel, incluso más que el célebre Tubulars Bells. Se han hecho, por cierto, muchas versiones de la canción y hay una en español que la cantó la argentina Marcela Morelo. Al parecer, Oldfield tuvo una inspiración muy especial al componer la letra de este tema, al sentirse influenciado por la muerte de John Lennon, y en la que hace referencia a "una visión a las cuatro de la mañana, bajo la sombra de la luz de la luna". Una maravilla de tema digna de figurar entre las 100 mejores canciones de la historia.

LP en vinilo de Tina Charles, que incluye el tema "I love
to love" y que conservo aún en mis estantes de vinilos.

Tina Charles. Cantante británica que comenzó su carrera cuando aún no tenía 20 año y grabando antes en 1969 su primer single en solitario con un entonces desconocido Elton John en el que realizaba los coros. Tina tenía entonces 15 años. El éxito le llegó en 1976 con el tema "I love, to love", uno de los puntales musicales que sonaron en las discotecas en los últimos años de la década de los 70. La canción fue uno de los precedentes más emblemáticos del comienzo de la era "disco". Tina Charles tenía 24 años en la actuación de este vídeo.

La remasterización de "I love to love" en versión de sonido "disco-mix" hizo que los dj,s pincharan el vinilo una y otra vez en sus sesiones. Entre los años 76 y 79 Charles se convirtió en la primera "reina de las discotecas". Pero su carrera se suspendió en 1979 cuando se casó y perdió popularidad. Un productor la intentó recuperar a mediados de los 80 y, curiosamente, aunque su música sonaba aún en las discotecas, sus actuaciones "en vivo" no tuvieron éxito alguno. La cantante volvió a hacer giras en 2003, cuando la música "disco" se intentó recuperar, especialmente en Rusia y en los países del Este. Hasta hace pocos años, Charles la vimos actuar en algunos escenarios de Europa. El tema fue uno de los más legendarios del "dance" de los 70 e inicios del 80, la pieza más natural y genuina que conozco de aquella lejana cultura musical. Estas grabación de "I love to love", en versión "disco-mix" del 86 es una muestra de la utilización ya del sintetizador, la caja de ritmos y el mezclador.

Gloria Gaynor. "La reina de las pistas de baile de
de los 80" y la estrella del "Studio 54" del 94. 

Gloria Gaynor. Un mito de los 80 que representó el “disco-dance” y por el que fue bautizada en su época como “La reina de las pistas de baile”. Fue la estrella con la que se reaperturó en 1994 la célebre discoteca “Studio 54” de Manhattan, en Nueva York, que se abrió en 1977 y que luego fue cerrada en el 80. 

“I Will Survive” ("Sobreviviré"). Un tema que, originariamente encuadrado en género soul, había sido ya interpretado y publicado en 1978 por Gloria Gaynor, que se convirtió en número 1 en las listas “Billboard 100” durante mucho tiempo, por el que recibió un Grammy por la mejor canción de 1980 y otro Grammy en el mismo año por el mejor tema de “música disco”. 

La canción fue un símbolo de la música disco, no sólo en aquel comienzo de la década de los 80, sino en esos momentos nostálgicos en que los "supervivientes" de los desamores y desengaños celebraban, por ejemplo en una discoteca, su deseo de "sobrevivir", pues ese era el mensaje de Gloria en su canción: "... Tengo toda mi vida por vivir / Tengo todo mi amor por dar / Sobreviviré". Además, se convirtió en un himno de la liberación femenina. Sin duda, fue la canción más cantada en los "karaokes" de la época.

Modern Talking, en 1986

“Modern Talking”. Un dúo alemán que arrasó las discotecas entre los años 83 y 87. Hicieron célebre el tema “BrotherLouis” en 1986. La pareja musical resurgió hace 20 años con un nuevo álbum que promocionó el viejo éxito de entonces.

"Brothert Louie" ("Hermano Luis") fue una canción compuesta para dedicarla a Luis Rodríguez, coproductor de los álbumes del dúo vocal. Un tema imprescindible en los templos de la música disco de aquella década dorada.

La anécdota es que Thomas Anders, el cantante del dúo, tenía una voz con apariencia tan femenina que cuando escuchábamos sus temas nos parecía que cantaba una mujer. En cuanto a las ventas de "Modern Talking", fueron el segundo grupo que más vendió en Alemania después de Scorpions. Los datos que conocemos son de 120 millones de discos vendidos.

Pet Shop Boys, durante una actuación en 1987

"Pet Shop Boys". Dúo británico de “dance-pop” que inició su actividad en 1981 y aún en día sigue actuando y grabando discos. Su consagración en el “techno-pop” le llegó con “Always on my mind”, una de las canciones más famosas de Elvis Presley que se publicó en 1972 y de la que luego Willie Nelson hizo un arreglo en 1983 para versionarla el estilo country.

“Siempre en mi mente”, que es la traducción del titulo del tema, ha sido versionado por intérpretes conocidos, tales como Michael Bublé, Julio Iglesias o Shakira, entre otros. Pero fue "Pet Shop Boys" quienes en 1987 la convirtieron en una versión "sinth-pop" de la época y que junto con el tema "It´s a Sin", consiguieron superar las ventas del álbum en más de cien millones de discos.

El dúo "Pet Shop Boys" de origen londinense, compuesto por un teclista y un guitarrista, que ha dedicado su actividad musical al género "electro-pop" y "dance-pop", ha producido dos bandas sonoras, 13 álbumes de estudio, numerosas colaboraciones con otros artistas y otro tanto de premios y reconocimientos.

Donna Summer "The Queen of Disco"

Donna Summer. Una de las primeras "reinas de las discotecas", y de las últimas. Fue musa de inspiración musical para "disc-jokeys" y adictos a los "templos de la disco-dance" entre los 70 y los 80. Quizá fue la heredera de aquella lejana Tina Charles, la que cerró el legendario estilo "disco" y que más tarde perderíamos en 2012. Una de sus piezas imprescindibles fue el tema "I Feel Love", incluida en un single grabado en julio de 1977, precedente del género musical "Hi-NRG", basado en la música electrónia que comenzó a imperar a finales de los 70 y que tuvo su más conocido representante en Donna Summer.

Donna Summer había nacido en Boston, de ahí que le llamaran "la pantera de Boston", y tenía 63 años cuando falleció, quedando un legado de 5 Grammys, cerca de 200 millones de discos vendidos y el número 1 en las listas de Billboard.

"I Feel Love" formaba parte del LP "I Remember Yesterday", un álbum conceptual que representaba el avance de los estilos a través del tiempo. Mientras que se incluían temas que describían melódicamente las décadas anteriores desde los 40, "I Feel Love" representaba el futuro, un acierto con el estilo novedoso de ritmos rápidos y secuenciados por teclados y sintetizadores que ya se utilizaban en los 70. Además, el tema tuvo el aliciente de ser interpretado por la que llamaban "The Queen of Disco", Donna Summer. En el vídeo la vemos, impresionante, interpretando aquel emblema musical que en 1977 imperó en todas las discotecas del mundo. Y desde luego, si tuviéramos que poner la guinda musical de su carrera, nada mejor que escuchar este "I Will Go With You". ¡Qué maravilla!

Garvin Gayé, en "Sexual healing" (1981)

Marvin Gayé, cantante de soul y R&B, ya fallecido hace 36 años, admirador y seguidor del estilo del inolvidable Sam Cook, cubrió una etapa intensa con la grabación de unos 30 álbumes. "Sexual healing", es su canción más emblemática y que compuso y grabó en 1981, incluyéndose en su álbum "Midnight Love" de 1982. No es una canción precisamente "disco", pero era un tema que se escuchaba muy a menudo en las discotecas en los 80 y que, por cierto, a mi me recordaba el estilo de Stevie Wonder. El vídeo corresponde a la versión oficial de promoción de la canción.

Terence Trent D´Arbi, "Sign Your Name" (1987)

Terence Trent D´Arby, nacido en Manhatan, Nueva York, fue considerado en 1988, después de editar su primer álbum, el mejor cantante masculino del género "Rhythm Blues". Por entonces llamaban "el Prínipe del Pop". Su tema "Sign Your Name" fue su sello de identidad más conocido y en 1987 llegó a ser un mega-éxito, que aparecía incluido en su primer LP. Él heredó el estilo único de Marvin Gayé, a quien solía escuchar sin parar una y otra vez.

Terence Trent D´Arbi ha sido un cantante muy versátil que se movía entre estilos como el funk o el soul, el hard-rock o el pop más psicodélico que entones podía permitirse. Un personaje inquieto que cambiaba de nombre artístico, como de vestuario e imagen, o de estilo de interpretación, y en una misma canción. Quizá, algo debió heredar de su padre, un sacerdote que tocaba la guitarra en los oficios y en la calle, y de su madre una cantante de "gospel". Él mismo había tenido varios oficios, antes de ser famoso. De sus intentos en el boxeo hasta su aventura en el ejército del que fue expulsado pues al parecer era un rebelde compulsivo.

"Sign Your Name" alcanzó la cifra de ventas de un millón y medio de copias en los 3 primeros meses de su publicación y fue una pieza imprescindible en las discotecas de la década. Hoy en día se sigue escuchando en las radio-fórmulas de todo el mundo. El vídeo es la versión oficial de promoción cuando el tema se publicó, ya que los director que se ven en la red rozan desde sus más extravagantes hasta el sofisticado que pierde la excelencia de su interpretación.

El trío "Bananarama" en 1986, con "Venus"

Bananarama, un dúo londinense de dos chicas que comenzaron amenizando las fiestas de sus amigos en 1979, que luego serían tres y que en los 80 eran ya sonido "disco-dance" con su propia identidad y en todo el mundo. Su tema "estandarte", la canción "Venus" que compuso e interpretó en 1969 la banda de rock holandesa "Shocking Blue" y que ya el trío británico femenino relanzaría en 1987, difundiéndose en todas las discotecas de Europa.

"Venus" se convirtió en una de aquella nostálgicas sintonías que sonaban, no sé porqué para animarnos, a todas horas cuando íbamos de copas y a "mover el esqueleto" (como solíamos decir). Bananarama hasta hace pocos años han seguido actuando y grabando discos. Aún conservo entre mis vinilos el doble LP con todo su repertorio.

Dave Stewart, guitarra, y Candy Dulfer, al saxo

Candy Dulfer, saxofonista holandesa que se introdujo en el "disco-dance", después de sus guiños con el jazz en subgénero que comenzó a llamarse "smooth jazz". En 1989 se estrena en las discotecas con un tema que arrasó las pistas del "dance". Se llamaba "Lily Was Here", una impresionante pieza instrumental grabada a dueto entre Dave Stewart, como guitarrista, y Candy Dulfer en el saxo. Un tema que tuvo tanto éxito que siguió escuchándose incluso en la década de los 90.

Hay que tener en cuenta que el "music-disc" se iba haciendo cada vez más sofisticada. Por un lado, se había impuesto el "techno", pero también se había introducido una corriente incluso más ambiciosa que convertía la música electrónica es una especie de "fusió-jazz", lo que terminó llamándose "smooth-jazz", al introducir el saxo como elemento casi preferente y que venía predominando en el rock. Dulfer comenzó actuando con la pareja Dave Stewart y Annie Lennox, entonces "Eurythmics". De ahí la colaboración musical de Stewart con Candy Dulfer. En el vídeo aparece, además de Candy al saxo, Jiffs Mixes como guitarrista.

Rick Astley en una de sus actuaciones 

Rick Astley, el cantante británico que se hizo con el público adolescentes de todas las discotecas del mundo con el tema "Never Gonna Give You Up" en 1987, cuando solo tenía 21 años. Llegó a convertirse en el chico "guaperas", simpático y jovial que encandiló a niños, jóvenes y hasta adultos. La canción se convirtió en un "hit" mundial y número 1 durante más de 3 meses en todas las listas del mundo.

A los 18 años, Astley formaba parte de un grupo desconocido, siendo descubierto por un productor musical que lo lanzó mediante un marketing dirigido directamente a los fans de la "música disco". Sus vídeo-clips estaban especialmente estudiados para atraer al público joven. Por cierto, que empezó a propagarse el bulo de que en las apariciones de Astley había un doblaje que hacía su hermano, cosa que después se desmentiría.

Rick Astley ha seguido grabando álbumes, singles y recopilatorios desde 1987 hasta hace un par de años, y hoy a sus 54 años sigue haciendo giras de conciertos por todo el mundo. Sus canciones, en concreto ésta del vídeo, han sido de las más celebradas en los populares karaokes. Precisamente, la grabación del vídeo, que no es de las apariciones de su época de finales de los 80, es de uno de los macro-conciertos que ha seguido dando años después y en el que le vemos con todo el "poderío estelar" con el que comenzó en su debut del 87.

Bonnie Tyler, "La tigresa de Gales". Imprescindible en la
década de los 80. Un mito del auténtico rock y del pop

BONNIE TYLER. La cantante galesa de rock, la de la voz ronca que tanto nos ha recordado a Rod Stewart, todo un símbolo desde finales de los 70 hasta principios de los 92, aún activa al menos hasta hace un par de años. Sus exitosas inclusiones en el género pop, con temas legendarios de su propia factura, nos lleva a su personal “pop agresivo”, marcado fundamentalmente por la “fuerza” de su voz, una característica y estilo que se convirtió en un reclamo con luz propia en las discotecas y lugares públicos de su época.

Canciones como “It´s a Heartache”, “Lost in France” o “Total Eclipse of the Heart”, que formaban parte del repertorio de la “música disco” más auténtica de la cultura “dance” de aquellos años. Actuaciones inolvidables, siempre con su imagen tan carismática, como la que veremos en el vídeo del enlace y en la que nos interpreta esa canción de 1981 titulada: “Goodbye to the Island”, precisamente ambientada en el ambiente de una sala “disco”. Un tema melódico de lo mejor de su discografía, aunque no fue de lo más vendido, y que siempre resultaba muy apropiado en los pases de música de las discotecas, cuando había que hacer una pausa entre la “marcha” y lo “slow". Bonnie Tyler, la que llamaron "La primera dama del rock", "The blonde rocker", imprescindible en los 80, nos cautivaba con sus apariciones en el "directo".

Portada del maxi-single de la "Lambada" en 1989.

Kaoma. En 1989 la influencia del pop latino y los ritmos caribeños, derivados todos ellos de la cumbia y el merengue, dieron paso a una moda "dance" en las discotecas; la del "carimbó", originario del Brasil. Y así nació la "Lambada", la que conocimos a finales de los 80,s.

Curiosamente, la lambada proviene de un término portugués que describe el movimiento ondulatorio del látigo, que es lo que imita el bailarín y la bailarina que baila la lambada. Y es lo que veremos en el vídeo que promocionó el grupo "Kaoma" en 1989 cuando se lanzó el maxi-single. Recuerden la escena de ese"látigo" en la chica que baila.

En realidad hubo otras versiones anteriores del ritmo en 1976 procedentes de otros ritmos, tales como el sirimbó o el lamgode. Y en cuanto al esquema melódico fue un grupo boliviano, Los Karkas, los que en 1981 compusieron la canción que luego Kaoma, con su toque brasileño, parece que llegaría a plagiar. Lo cierto es que la "Lambada" fue una novedad en las salas "disco", un cambio radical para algunas sesiones de "dance" en las que el público que llenaba las pistas arrasara con un nuevo ritmo.

El trío "Real McCoy" en 1989

"Real McCoy". Un grupo alemán originariamente llamado “M.C.Star & The Real McCoy" que se había formado en Berlín en 1989, influido por la música eurodance de aquella época que, aún ya en plena decadencia y que había sostenido la atmósfera musical de toda una cultura generacional. Precisamente, del estilo de música "disco" de los 80, con la evolución que tuvo en los 90 y la superación nostálgica con algunos de sus temas más exitosos, recordaremos aquel que la banda grabó en el 1993: "Another night".

La canción "Another Night", incluida en el tercer álbum de la banda, consiguió su éxito mundial en el 95, ya remasterizada y se convirtió en una especie de homenaje a la mítica música disco-dance de los 80. Toda una revolución de temas se relanzaron entonces, llevados de la autoría de otros grupos de más o menos éxito, y rindieron así tributo al clásico género de las "discos" de aquellos históricos 80. Y hay que decir que aquel álbum está seleccionado por "Billboard", "Rolling Stone" y otras revistas, como uno de los 10 álbumes más vendidos de la historia.

Curiosamente, el cantante de “Real McCoy” no siempre aparecía visible en los conciertos ni en los vídeos, ni que su directo no dejara de ser un playback. Mucho después supimos que era parte de su misterio para atraer el público interesado en saber qué había detrás de la voz. También se conoció que la verdadera voz era la de Patricia Peterson y de cuya imagen la dirección del grupo no quería que se viese. Fue cuando se contrató a Karin Kasar para descubrir parte del misterio. Si mal no recuerdo, al final salían las dos vocalistas y hacían dúo. Los alemanes, que parece que siempre fueron los mejores en el género, eran así.

Daze, el trío danés de la "music-disc" de los 90

Daze. Un grupo danés musical de "disco-dance" de éxito ya en los 90, aún en plena influencia de la música disco de los 80. Sus temas no dejaron de escucharse en las pistas a lo largo de finales de los 90. El tema que dejamos aquí es de los primeros que grabaron y de los que más se oyeron en aquellos años: "Call Girl". A muchos les sonará la sintonía "machacona" de entonces. Nos recuerda a los 80.

Ciertamente, "Daze" es uno de esos grupos cuyas composiciones, según dice mi sobrino Carlos "el músico", se hacen perfectamente y sin ningún talento creativo, con un buen programa informático y un sintetizador. Digamos que lo hace sólo. Naturalmente, sin quitarle mérito alguno a la puesta en escena de los músicos del grupo. Pero... no mucho más. En cuanto a los vídeos en directo de la banda... mejor olvidarse. Dos temas de éxito del grupo fueron "In the middle of the night" y "Together Forever". 

En fin fin, había que referirse a "Daze", como a otros muchos que vinieron después, para comparar "clase", talento musical e inspiración artística, con respecto a la música "disco" de los 80. Aún así, la semana que viene trataremos a un grupo de la misma década, que no tiene nada que ver y que tiene un repertorio impresionante

UB40, en su homenaje a Jamaica con "Kingston Town"

UB40, un grupo británico de Birminghan que se formó en 1978. Ocho amigos de la infancia que comenzaron tocando en pubs y clubs nocturnos y que con mucho mérito y sacrificio se compraron todo un equipo de instrumentos, sin ayuda de nadie. Se especializaron en un pop-reggae y consiguieron colocar en el mundo “disco-dance” un tema muy apropiado en los finales de los 80: “Kingston Town”. Un canto al encanto y a la magia de la capital jamaicana. Así lo recogía la letra: "las estrellas brillan intensamente" o "la luna no desaparece del cielo".

La banda inglesa hicieron un merecido homenaje musical a “Kingston”, capital de Jamaica, titulando precisamente “Kingston Town” la canción y que recogieron en su álbum “Labour of Love” publicado en 1989. Indudablemente fue el disco más ambicioso y más vendió. Todas los "discotequeros" de la época recordaremos la canción reggae que tanto se pinchaba en lo platos ya a finales de los 80.

Gwen Stefani, con su canción "Don´t Speak"

GWEN STEFANI, de "NO DOUBT". Es una banda estadounidense de los 90 que alcanzó éxito con un tema llamado "Don´t Speak". Su estilo, como es de esta canción, se encuadraba dentro de lo que se ha llamado "new wave". Y lo cierto es que el tema corresponde a la década del 90 y no a los 80. Sin embargo, fue la repercusión que tuvo la música en las "discos" de los años posteriores, la que nos lleva a trasladar el género de tiempo.

"Don´t Speak" es una canción compuesta por Gwen Stefani, una chica de 19 años que formó el grupo "No Doubt" con su hermano Eric, uno de los creadores de la serie "Simpson" y su amigo John con quien luego se uniría sentimentalmente hasta la muerte por suicidio de éste . El tema se convirtió en una leyenda musical en su género, aunque sirvió para darle algo de innovación en las "salas disco". Luego en 1996, sin perder su estructura de influencia de los 80, cuando Gwen había terminado otra relación con otro de los músicos de la banda, se la dedicó a él, impresionada por su ruptura. El tema consagró aún más a Stefani.

Gwen Stefani ha sido una de las cantantes con más personalidad de imagen y de iniciativa musical en la evolución del rock alternativo y que se consolidaría como new wave. De hecho, la artista había comenzado con el género musical "Rhythm and Blues". Hija de padre de origen italiano, un alto ejecutivo de la Yamaha, y de madre irlandesa, se dedicó simultáneamente, como diseñadora de modas. Actualmente sigue dedicada a su carrera, aunque también ha trabajado en el cine. Como anécdota, recordemos que en 2004 hizo el personaje de "Jean Harlow" en la película "El aviador".

Baccara, el dúo de origen español en 1980

BACCARA, fue un dúo de chicas españolas, Mayte y María, de Logroño y Madrid, respectivamente, que trabajaban como bailarinas de televisión española en 1977. Ese mismo año fueron descubiertas por un ejecutivo de la RCA que las llevó a Alemania para grabar un disco. Aquel single incluía el tema "Yes Sir, I can boogie".

El dúo se disolvió en el año 1981 y cada una de ellas, a su vez, formaron su grupo respectivo. Mayte ha tenido su propio recorrido discográfico des el 83 hasta la actualidad. Si embargo, no parece que después sus giras y grabaciones hayan tenido más repercusión que el éxito quer las dos consiguieron en aquellos finales de los 70 e inicios de los 80. De ellas nos ha quedado el recuerdo de aquel tema tan "discotequero·, aunque he preferido escoger el vídeo de una grabación posterior al 77, ya que la original raya la cursilería de la época.

Boney M, a finales de la década de los 70

BONEY M. Lo que no cabe duda es que esta crónica musical sobre la cultura del “disco-dance”, la que tuvo su auge en la década de los 80, no estaría completa si no incluyéramos a una formación musical y coreográfica absolutamente indispensable en este reportaje. Y es que tal vez Boney M es la mejor ilustración de esa muestra, sobre todo si escuchamos y vemos los temas “Rivers ofBabylon”, para mí el mejor, y el “Rasputin”, el más aclamado.

Boney M fue un grupo de “música disco” que, aunque nacido a mediados de los 70 y de máximo éxito en esa segunda mitad de la década, tuvo una fama más difundida en los 80, teniendo en cuenta que su primera etapa terminó en el 86. La formación fue creada como un experimento musical para el que se cuidó mucho su escenografía. Y fue una productora alemana, la misma que lanzó a “Modern Talking”, la que se encargó de “vender el producto”.

Boney M estaba formado por cuatro artistas procedentes de las Antillas y que ya trabajaban en Londres. El vocalista principal era Bobby Farrell, fallecido ya en 2010, y que era el que le daba colorido y el tono extravagante a las actuaciones. Marcia, Maizie y Liz eran las 3 chicas que hacían los coros. La banda vendió alrededor de 200 millones de discos en todo el mundo. Y sus temas también conocidos, aparte de los que citamos aquí, son “Daddy Cool”, “Ma Baker” y “Sunny”.

La "música disco", todo un fenómeno generacional

Y bueno... pues, ahora que acabamos esta crónica musical y que hemos titulado “Disco Studio 80”, nada es ahora lo que era. La música que nos impulsaba a “la marcha”, “la movida” que nos mantenía “vivos”, aquel pop de los 80 y de los 90, todo aquello ha desaparecido. Ahora es una música insólita, si queremos encuadrarla en los esquemas convencionales, la canción es… ¿vulgar…? Tampoco me atrevería a ser despectivo con ella. En fin, dejemoslo en que nuestra generación y la de la “música disco” de los 70, 80 y 90 ha quedado “fuera de onda” de la cultura musical actual.

Aún así, la prueba de que aquella “Music-Dance” supervive, es este reportaje. Nosotros los que la mantenemos en nuestra memoria, no nos rendimos y seguiremos recuperando la "música disco" de los 80. Lástima que el intento de rescatar aquel fenómeno cultural de la música de toda una generación no haya impactado lo suficiente a causa de las nuevas corrientes pseudo-musicales que imperan los foros de consumo de hoy y hayan desplazado nuestros estilos.

Roxette, el dúo sueco que introdujo el pop-rock en los
santuarios de la "música-disco" 

Y para terminar, les dejo con el testimonio del último intento por reflotar aquella impresionante cultura musical que hemos homenajeado en este artículo. Remontándonos, allá hasta los 90, había dos grupos suecos, quizá herederos de la genialidad de sus compatriotas "ABBA", y que ambos mantenían el “disco-dance” desde su origen, con un contenido de clara influencia del “Techno” de los 70. Sus trabajos contaban ahora con una renovación rítmica más acorde con los tiempos, además de la riqueza instrumental de las nuevas tecnologías. Uno era Rosette, que venía de finales de los 80 y que ya ha desaparecido con la muerte de Marie Frediksson. Demasiada nostalgia para incluirlo aquí, pues quizá se merecería un reportaje sólo para la carismática Marie. Aún así, qué mejor homenaje para este final que recordar aquel maravilloso "It must have been love", una balada "soft-rock", de las pocas piezas que, para arrullar a las parejas, se pasaban en las "discos". El otro, “Ace of Base”, que aunque en declive, es al que nos vamos a referir. De éste, cualquiera de sus títulos podría ser válido para demostrar la calidad de la música de hace 25 ó 30 años.

"Ace of Base", el último intento de recuperar la "Música
Disco" de los 80.

De “Ace of Base”, el tema “Beautiful Life” (“Vida hermosa”), que no era de los más exitosos, es uno de mis preferidos y es el que podemos ver mediante este enlace. Sólo escucharlo, comprobamos cómo conservaba todo el aditamento musical y rítmico de la fabulosa década de los 80. Estaba incluido en un álbum que grabaron ya en el 95. La canción es un canto a “la vida hermosa, al mañana, a un parque lleno de flores viviendo el amor...". Buen mensaje.

El grupo publicó cuatro álbumes de estudio entre 1992 y 2002, vendiendo unas 40 millones de copias de sus discos en todo el mundo. Su álbum de más éxito fue el "The Sign", que incluye "Happy Nation" (1993), uno de los discos más vendidos de todos los tiempos, siendo certificado nueve veces disco de platino en los EEUU. Impresionante el tema del enlace del título.

Inicialmente, "Ace of Base" estaba integrada por "Linn" Berggren, la rubia, y su hermana Jenny, la morena, además de otros dos músicos. En 2007 "Linn" abandonó y el grupo se convirtió en trío. Luego, sus trabajos se diluyeron en una música nada que ver con su primera etapa. Al parecer, el grupo ya disuelto hace unos años, hicieron su gira de despedida y las voces de las chicas sonaban ya desafinadas, teniendo en cuenta que ya no estaba Linn Berggren.

La cara más visible y musical de ABBA en plena escena.
Siempre el mejor espectáculo, siempre la mejor música.

En fin, qué mejor manera de terminar con honores a la música disco de los 80, que haciendo gala de este homenaje con la despedida de ABBA y su "Dancing Queen", del álbum "Arrrival" de 1976 o el "Gimme! Gimme! Gimme!", del "Voulez-Vous" de 1979. El cuarteto sueco formado por Agnetha, Björn, Benny y Anni-Frid dio con sus iniciales el nombre de la formación. Su relativa corta carrera en la canción de poco más de diez años, desde el 72 hasta el 82, no por ello dejó de destacar con su influencia musical en su época y en décadas posteriores, creando con su estilo un género que se llamaría "europop". Se dice que "Abba" tuvo más repercusión en la evolución de ese nuevo estilo musical que ellos crearon que los propios "Beatles" en su género. El "pop" de su propia marca, el "glam-rock", fue un sub-géneros que ellos cultivaron y que supieron muy bien definir como una nueva forma de hacer música y que influyó en muchos de los grupos que luego les siguieron. Incluso el "dance" con el que tanto se identificaban, aún con su componente de grandilocuencia coral y solemnidad musical, pudo también influir de manera notable en la "música-disco" de los 80. Ninguna pieza mejor de su repertorio, para expresar esa majestuosidad de una canción y su solemnidad musical, que el "The Winner Tekes It All", del "Super Trouper" de 1980 y con el que un día, hace casi 40 años, se despidieron.

ABBA, además de una buena coreografía y su excelente
puesta en escena, su impresionante repertorio musical.

Como quiera que fuera, la leyenda de "ABBA" no fue un mito pasajero en la cultura musical de la época. A la banda vocal le debemos la transformación de la cultura musical en una nueva forma de hacer canciones con más personalidad en cuanto a su línea armónica y su carácter más melódico, incluso a la innovación de sus escenografías, pero sin perder la fuerza del sonido rítmico del pop-rock. Los 80 se llenaron musicalmente, por un lado de la cultura "disco"; por otro, de un pop melódico que procedía de "euro-pop" de "ABBA", que no dejaba de ser el "glam-rock" originario del rock sinfónico que cultivaron con acierto "The Moody Blues" en los 70. Las canciones de ABBA se convirtieron en una cultura generacional en los años de su imperio musical, como lo fue la "música-disco" en los 80 y hasta los 90, La aparición de sus vídeos en televisión, sus discos de vinilo, la asistencia a sus eventos y actuaciones formaban parte de nuestra vida. Supongo que, en cambio, la música de hoy es sólo un telón de fondo para el ocio de nuestras nuevas generaciones, una excusa sonora (más que musical) para no aburrirse en los "escenarios" de diversión de hoy en día, un pretexto para amenizar la rutina que invade la actualidad, desde el hartazgo de la indecencia de quienes nos rigen y gobiernan, hasta el hastío y el desencanto que se adolece, especialmente en los jóvenes, y ello por la falta de motivación del trabajo y de una cultura que nos estimule. Y en fin, amigos; no importa dónde y cómo escuchemos la música. Importa sentir el mensaje de la letra de la canción con la que terminamos este reportaje: "Quiero dar las gracias a las canciones que transmiten emociones, quiero dar las gracias a la m´`usica por lo que me hace sentir y quiero dar las gracias porque la música me hace vivir..."Es el tema "Gracias por la música" ("Than You For The Music").  "Thank you for the music",

Ángel González "Rusty Andecor"