MIS 3 DAMAS DE LA CHANSON. 2ª parte de "Mis conmemorativos musicales"

He soñado en seda y encaje,
y he soñado con mi noche mágica.
Si él deseara tener mi amor,
en su corazón,
y obtener la primavera de mi vida

para disfrutarla
y encontrar su felicidad…
desde el primer beso...
encontraría el umbral del amor eterno
y pensaría que soy...

la más bella para bailar

(De la canción "La plus belle pour aller danser")

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Cuando aquella elegante y digna dama de la Chanson apareció en el escenario del Olympia de París, en uno de sus más recientes conciertos, después de que oyéramos una emocionada obertura para Cello, con la que nos recordaría el inolvidable “La Maritza”, fue entonces cuando nos dimos cuenta que seguíamos teniendo allí delante a “la más bella del baile”, como así la llamara Charles Aznavour en aquella canción escrita y dedicada para ella hacía 47 años. Pronto pudimos verla más de cerca y descubrir que la fascinación de su personalidad deslumbraría el escenario. Y todo un público que la esperábamos, entusiasmado y eufórico, nos levantamos para aplaudirla. Era Sylvie Vartan; bellísima e intemporal, orgullosa de seguir siendo “la reina de París” y un símbolo nacional. Después, respondería con su delicioso “mercy” a los aplausos que la recibían y su rostro se llenaría de orgullo cuando empezaron a sonar los primeros compases de “La vie d´artiste”. Pero entonces observamos que también nos mostraría su calor, su ternura y su cariño hacia nosotros. Luego iría desgranando todas y cada una de las 25 maravillosas canciones de su repertorio, mientras todos nosotros contemplábamos como se movía elegantemente, al suave ritmo de un baile clásico, dulce y refinado. Y fue... cómo nos dimos cuenta que el público… ¡su público! le mostraría adoración. Finalmente, no pudimos evitar la emoción cuando llegó su última canción de programa, su “Non, je ne suis plus la meme” (no, ya no soy la misma), cuando vimos cómo nos transmitía su cariño en un intento de inundarnos con su sentimiento hecho música y poesía y de hacernos entender su deseo de que no la olvidáramos. Luego, una vez terminado el concierto, todo aquel público que la habíamos disfrutado, enfervorizados mientras la ovacionábamos y jaleábamos, quedaríamos aún más seducidos, cuando, respondiéndonos una y otra vez con su “mercy”, nos enviaba un último beso.

Acabábamos de presenciar el milagro de poder volver a ver aquella Sylvie Vartan, “reina del pop” de los años 60, casi 50 años después. Y acabábamos de presenciar que aquella belleza de "la más bella del baile" era ahora más serena, digna y envidiable que en la que aparecía en ese video-clip que se abre pulsando el título de este espacio conmemorativo, allá en su década de los 60, cuando cantaba:
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"No, ya no soy la misma, pero para ti sigo aquí
Ya no puedo decir que te amo, no se puede cambiar,
me olvidé de las lágrimas, me hice mayor
En mi corazón siempre hubo una canción de amor verdadero.
Pero hoy ya no soy la misma y no puedo cambiar"

Pero si Sylvie Vartan, con su aspecto descarado y sexy, fue un icono estético para la juventud de aquella década a la que yo pertenía, por el que las chicas imitaban sus vestidos rojos o negros y su llamativo peinado, y los chicos la soñaban... y la deseaban, Francoise Hardy, con su apariencia medrosa y retraída, a la que se reconocía mucho más talento, lo fue en la cultura francesa y como símbolo de toda una época e ideología.

Francoise Hardy, indudablemente fue mi otra musa de la canción, en los 60. Aquella joven, esbelta y bellísima modelo de Dior, precursora del look cabellera larga y con flequillo, musa del prestigiosos diseñador de su época Paco Rabanne, nos impactó con su típica imagen, enarbolando su guitarra acústica y cantando su canción estandarte “Tous les Garcons et les filles", que grabada en 1962 marcaría aquella década para hacernos recordar nuestra inequívoca identidad de iniciadores del pop, mientras a lo largo de aquellos 60 nos deleitaría con su “Mon amie la rose”, “L´Amitié”, "L´anamour" o su ”Comment te dire adieu”. Canciones melancólicas algunas, que también incluyo en mi disco "Homenaje a mis tres damas", llenas de poesía, tales como "La mer, les étoiles et le vent", "Il n´y a pas d´amour heurex" o "Autumn Rendez-Vous"; canciones que, como ninguna de ellas, sirvieron para acompañarnos en nuestros felices momentos amorosos de entonces. Luego en los setenta vimos su intento de cambiar de estilo. Sus apariciones a partir de entonces y hasta los 90 se hacen raras y contadas, tal vez por su mayor dedicación al cine y a la producción; y es a partir del 2006 cuando resurge su clásico registro de voz y estilo en varios álbumes, entre los que destaca su soberbio "La pluie sans parapluie", grabado en el actual 2010.

Muchos de mis amigos han venido de las nubes;
en sus corazones está grabada una infinita ternura,
pero a veces, en sus ojos se refleja la tristeza
y el desencanto… y el desamor

(Es parte de la poesía que contiene la letra
de la canción “L´amitié” y que en mi blog dediqué
a aquellos mis amigos que volvieron… a sus nubes)

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Pero, perteneciendo a esa misma generación de Francoise y Sylvie, aún tuve la suerte de sentir muy de cerca aquel mito llamado "Je t´aime… moi non plus", la célebre canción sensual y provocadora de Jane Birkin y Serge Gainsbourg, que aunque atrevida y desvergonzada, nos ayudaría a hacernos cómplices en nuestras incipientes relaciones amorosas, tan cohibidas y poco prolíficas en una década aún ensombrecida de represión sexual. Es como si aquella poesía musical llena de susurros y jadeos, adornada por los suspiros de Jane, nos sugiriera cómo debíamos hacer el amor.

Una voz tan frágil como su cuerpo menudo, tenue y siempre a punto de romperse, que ha permanecido con su marca distintiva hasta esas últimas canciones, tal vez más solemnes, complejas y sutiles, algunas con tintes claramente orientales. Por eso y para contrastar con las canciones más recordadas de la época floreciente de Francoise, he querido incluir en mi homenaje una versión acústica de "L´anamour", que interpretaría en un reciente concierto en el Olympia, además del conmovedor "Je suis venu te dire que je men vais" o su propio homenaje a los 60 y que hace en su canción "Ex-fan des sixties", ambas también acústicas; para terminar con la legendaria "Ballade Johnny Jane", que interpretaría a duo con la deliciosa y sugerente Vanessa Paradis.

Y este es mi homenaje a tres auténticas damas de la canción francesa, que marcaron una dorada época para nuestra generación en los 60. Fueron tres damas de voces netamente sugerentes y sensuales, de música melancólica, unas veces, y desenfada, otras. Tres damas de la Chanson que nos fascinaron durante casi dos décadas, y hoy, después de más de 40 años, nos vuelven a sorprender y nos siguen cautivando; y a mi, me siguen haciendo soñar con ese París de mi cuento, y con el que tanto envuelvo -con su mágico acordeón- mi "música más hermosa del mundo". Algunos de "mis amigos con alma sensible" lo saben muy bien.

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"Mis tres damas de la Chanson"

Con este espacio publicado, como tributo musical a esas dignísimas damas de la canción francesa, hago un descanso en mi blog durante este verano. Que sepáis que en septiembre, allá por las cercanías del próximo otoño, volveré a estar con vosotros, mis queridos visitantes y "amigos con alma sensible".

Ángel González "Rusty Andecor"

El Jazz de Vitoria cierra su Festival con dos conciertos memorables: Chick Corea y Paco de Lucía

Versos a nuestro amigo Celedón, de Vitoria:

A las puertas de una hermosa Virgen Blanca

hemos vuelto, mi querido Celedón,

aquí, a verte, con mucha más alegría,

pues ya viste... ahora ¡somos campeón!

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Como siempre damos gracias, tu acogida

es la muestra de tu grata invitación.

Tu elegancia de aldeano te distingue

y nosotros te rendimos ¡toda nuestra admiración!

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Que una cita de conciertos nos espera;

Chick Corea, De Lucía, en Jazz Vitoria.

Somos fieles a este encuentro, cada año,

pues venimos, no lo olvides, ¡desde Coria!

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Y es momento... pues ya es hora de pensar en San Vicente,

nuestra Cuesta y nuestra "ruta de humedades";

que un buen vino y una tapa se agradece,

visitando, pues también, muchas otras más bondades.

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Y esto es todo, mi estimado Celedón;

que nos vamos, que ya sabes, volveremos;

que un abrazo, y ahí, mi mano, te estrechamos.

¡Te tendremos un recuerdo, de verdad, de corazón!

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(Ángel González "Rusty Andecor")

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Cuando la tradición de nuestra afición festiva, esa que nos lleva a ir a ver al Celedón de Vitoria cada año, para recitarle mis versos de saludo, poco antes de asistir a los conciertos del Jazz Vitoria... cuando esa mañana del viernes 16 de julio yo declamaba mi poema, el que había compuesto para este año... no imaginábamos que íbamos a ser testigos de dos de las jornadas más memorables de nuestras visitas a un evento de la mejor música de jazz, que ya veníamos disfrutando durante los últimos diez años.

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Nuestra primera cita fue esa misma noche, en el Mendizorroza. Entonces pudimos saber que si el trío de Joe Sample, junto a la preciosa voz de Randy Crawford, nos daba una lección de jazz impecable y rítmico, y que completaba la simpática cantante, con un buen repertorio de rhythm and blues, para el que no dejaba atrás temas conocidos como "Everybody´s Talking", el clásico "Me, Myself and I", de Billie Hollyday, o el "Every Day I Have The Blues", con el que cerraría el concierto, no fue menos excitante la actuación del genial Chick Corea. La Freedom Band, integrada por representantes de generaciones muy distintas, interactuaba entre sí, "de tú a tú", regalándonos una fascinante sesión, en la que, quizá, echamos de menos el esperado protagonismo de actuación más exclusiva, por parte de Corea, pues parecía conceder más lucimiento a los solos interpretativos de Haynes, Garrett y McBride que a su propio virtuosismo, sobradamente reconocido. Incluso, a veces, sentíamos la impresión de que Chick era el maestro de ceremonias de su propia banda.

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La esperada aparición del legendario Roy Haynes no decepcionó. El superviviente batería de 85 años, al que le avala una trayectoria impresionante, al haber tocado con Armstrong o Parker, entre otros, nos demostraría estar tan en forma que, como se dijo en una reciente crónica de su actuación, "nos llevó a pensar en pactos con el diablo", pues "su batería fue toda una locomotora rítmica, que impulsó al cuarteto con fluidez y maestría". Kenny Garrett, por su parte, nos hipnotizaría con su asombrosa cascada de notas y Christian McBride nos haría quedar con la boca abierta cuando nos interpretó su particular lucimiento en uno de los temas.

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Pero el delirio, en la semana de conciertos, llegaría en el día de la clausura. Sabíamos que no había un menú con una "entrada" y, luego, un "plato fuerte". Se suponía que la expectación de Paco de Lucía ya lo era, pero teníamos un trío absolutamente genial y que aparecería en el escenario poco después de las 9 de la tarde de ese sábado 17 de julio: el Marcus Roberts, "la memoria más viva del jazz", en el que el pianista invidente nos recrearía el milagro de poder escuchar temas que casi todos conocíamos, algunos de Ellington y Charlie Parker, pero con una magistral característica de interpretación, en un formato tan clásico como el del piano, bajo y batería, y en el que Roberts, Guerin y Marsalis, en un equilibrio que, aunque parecía difícil, no dejaría de ser, por otra parte, rigurosamente perfecto. El color del registro melódico-orquestal en una inconfundible clave de jazz clásico nos llegaría a parecer... ¡sencillamente genial!

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Después, llegaría la segunda parte, y el genio de la guitarra flamenca, "el maestro" absoluto y rotundo del mejor flamenco de todos los tiempos, nos hechizaría con una soberbia actuación de su arte y su duende.

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¡Paco de Lucía...! imposible describir su forma de ejecutar la guitarra ni su capacidad para transmitir una pasión que nos contagiaba a todos los que le contemplábamos. La perfección de todo su trabajo en los temas que interpretaba, a los que respondíamos aquellos que tuvimos la suerte de verle y oírle, más allá, en muchos de nosotros, de la falta de pasión por la pureza de su flamenco, aclamándole con aplausos y ovaciones, no parecía distraer la concentración en las cuerdas de su guitarra cabalgando arriba y abajo con arpegios absolutamente imposibles de ejecutar.

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Luego, la armónica de Serrano, fue un instrumento que parecía empezar a fusionar el flamenco con el jazz. La explosión se produjo y los elogios y vítores no cesaban. El poema milagroso flamenco-jazz acababa de crearse. Sin embargo, sería más tarde, al final del recital, cuando tras dedicar un elogio a su amigo Marcus Roberts y al saxofonista Sherman Irby, se referiría a ellos, invitando su presencia como a "dos bicharracos". La fusión se había completado. En un bis inolvidable, el regalo de aquel clásico pero renovado "Entre dos aguas", la intervención de Marcus, al piano, y del gigante Sherman al saxo, nos haría estremecer de felicidad, cuando con la intensidad del crescendo -y en el que se alternaría, además del apoyo de la banda de Paco, la improvisación del saxo y la fuerza rítmica del piano de Roberts- terminaba acercando aquel final del recital... a ¡la apoteosis!

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Y esta fue la noche de un sábado que difícilmente podremos olvidar, en una edición 34 de aquel Festival del Jazz de Vitoria, que traspasaría fronteras musicales y que pondría un broche de oro al certamen.

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Ángel González "Rusty Andecor"

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Versos al Celedón, recitados por Ángel González, ante sus amigos del Jazz Vitoria, en la Plaza de la Virgen Blanca, de Vitoria.