Mis 10 mejores canciones de la historia de la música (Segunda parte)

En ese lugar fantástico de mi secreta dimensión, está la caja mágica
en la que, además de mis 10 mejores canciones, está el recuerdo de
algunos de mis viejos amigos, aquellos con los que descubrimos y
entonamos nuestra "Casa del sol naciente", la"Blanca palidez"
y nuestras "Noches de blanco satén". (Son, de izquierda a derecha,
Ramón, Jesus Chamorreta, Carlos y yo mismo, Rusty)

Cuando encontré y pensé en "mis diez mejores canciones de la historia de la música", no solo lo hice para evocar el mensaje que me inspiran o porque representan una parte de esa vieja etapa de mi vida, que, con todo ello, también contribuyen a reencontrar ese mensaje para mis lectores y lo mejor del escenario que vivieron. Además, ya había escrito y publicado un gran homenaje a todo un universo de canciones y de estrellas de su interpretación, un homenaje que llamé “La música de mis tiempos”. Creo que fue una reflexión más, entre las muchas que escribí para este blog, la que me llevó hasta “refugiarme” entre esas canciones. Había encontrado “una vieja amiga” en mis recuerdos, pero solo fue el efecto de algunos de mis desencantos vividos en este viejo mundo, solo fue la fantasía de un encuentro virtual en mi imaginación, que casi se materializó cuando apareció ante mí un personaje inerte y estático, esculpido en bronce, en medio de una plaza de Oviedo: “Anita, la Regenta”. Ella y yo “hablamos” de la intolerancia de la sociedad para reencontrarnos con nuestros sueños y nos confesamos ser víctimas de la hipocresía. (Os invito a leer esta reflexión en el siguiente espacio de portada)

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El hecho es que la hipocresía, el engaño y la bajeza de otras miserias me llevaron a buscar el cobijo en  “las canciones de mi época”  y  en  “su azul filosofía”.  Pensé que

Quizá, este viejo tejado, con vistas al río de mi pueblo, fue el primer
lugar, en mi secreta dimensión, en donde comencé a reflexionar. También,
allí solía leer y guardar el recuerdo de mis escenarios y mis viejas canciones.
A veces,llovía, pero aquel tejado era mágico, y yo siempre disponía de un
paraguas para no mojarme del desengaño de la gente que ya empezaba
a conocer, y para que no me salpicara de su hipocresía o de su engaño.

nada más fácil recordar aquellas “canciones que guardamos en nuestro álbum de ilusiones” y que solo hacía falta “escoger las que identificaban nuestros sentimientos y nuestros recuerdos”. Después, “escucharlas con el corazón y soñar con ellas”. Supongo que por eso creé esta “lista de honor” y su celebración. 

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Hay... como un lugar mágico, en alguna secreta dimensión, y que yo creé en "mi universo de ilusión". Lo llamé "Café de París", y es el lugar en donde se guardan los aromas de las sonrisas y los instantes de los recuerdos que jamás olvidamos. No deberíamos resistirnos a entrar en él, a través de las puerta de los sueños. Sólo tendríamos que destapar y abrir la caja de música que se halla en "el café", porque así "escucharíamos la armonía fantástica de sus melodías, el ritmo de aquel viejo rock y las nostálgicas voces de las estrellas de nuestras canciones".

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Os quedo aquí una canción francesa, "Avec le temps", que yo recordaba en la voz de Patricia Kaas, y que, cambiando algunos versos, decía así:

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Es Patricia Kaas, recordándonos que "todo se va y desfallece
y que hasta el más grande amor se desvanece".

Con el tiempo todo se va y desfallece

y hasta el más grande amor,

"pintado" en aquella canción

se desvanece.

Se olvidan las voces

se van las pasiones,

se aleja el calor

de aquellas canciones.

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Luego, en mis recuerdos, identifiqué algunos de aquellos poemas musicales con mis más lejanos instantes de embeleso, y escribí estos versos:
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Fueron canciones que guardé, quizá, en el pato de mis sueños,
entre la luz de aquella farola y el sonido del agua de aquella
fuente; fueron viejas melodías que aún tengo presente.

Pero aquellas baladas

que velaron tus besos,

aquellos viejos sonidos

junto a mi embeleso;

quedaron guardadas

muy cerca del alma,

las tengo presente

ahora que regreso.

De aquellas canciones que guardé en "mi caja de música" extraje diez, porque pensé que era el momento de evocar las escenas que acompañó su música; pero, sobre todo, porque era una buena terapia para olvidarme de la hipocresía de la gente en que debía creer y del engaño del mundo en que debía vivir. Las primera canciones: "Cant´help falling in love", de Elvis Presley, y "Yesterday" de Paul McCartney, abren el homenaje en la primera parte. En esta presente edición aparecen las cuatro siguientes. Y la última parte estará reservada para tres grandes "damas del soul" con tres clásicos que las identificaron y para una canción, mucho más reciente, que siempre me emociona cuando la escucho.

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The house of the rising sun. Una canción que identificó nuestra primera etapa

"Tha Animals", como si del "blanco y negro" del celuloide
de la música surgiesen, nos ofrecen una de las primeras
innovaciones en el panorama de la música ligera, y nos
dedican ya un mensaje que es una respuesta a "la casa del
sol naciente" que todos, en aquella década, necesitábamos.

de jóvenes inquietos y entusiasmados por la incipiente música pop de entonces, para los que en aquel 1965 solo teníamos 18 años. Necesitábamos escuchar algo más reciente e innovador, saturados ya de la rutina del rock que entonces nos ofrecía Elvis, junto con sus baladas; porque hubo un momento en que éstas empezaron a parecernos rancias y “empalagosas”. Los Beatles estaban ya en la cumbre, sin embargo tanta discografía que publicaban en tan poco tiempo, con la abundancia desbordada de sus temas, nos aturdía.

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Fue The Animals, una banda británica de rock liderada por Eric Burdon, quien consiguió el popular lanzamiento de “La casa del sol naciente”. La canción fue como un respiro para el cambio que necesitábamos, un descanso para la opresión del “viejo estilo” del rock. Aquellas inconfundibles notas del punteo de la guitarra eléctrica, el famoso arpegio en la menor, la destacada y particular ejecución vocal de Burdon, envueltas después por un sonido de órgano electrónico, apenas conocido entonces, con un solo intenso y espectacular, casi al final de la canción, hacían del tema el acontecimiento musical de todas las fiestas y bailes a los que asistíamos.

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La anécdota: recuerdo que conocimos la canción aquel año en la “verbena del 14” (de agosto) en el Casino de Hervás, a través de un grupo (entonces de moda), “Los abejas”. Éramos, por aquellos años, como se dice, “los reyes del mambo”. Ahora, casi 50 años después, recordando el pasado reciente 14 de agosto, también en Hervás, en aquella “verbena”, a donde acudimos como casi todos, seguimos viviendo aquel momento de nuestra “casa del sol naciente”. (A propósito, gracias a mi amigo, el bueno de José Manuel, que nos invita todos los años). En fin, somos los mismos de entonces, y curiosamente, aún mantenemos la misma ilusión. El tema, por cierto, quedaría incluido, luego, en el repertorio que ofrecía la ilusión de nuestro fantástico grupo.

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Es "La casa del sol naciente", dibujada por Diane
Millsap, como un capricho onírico que hoy
encuentro cuando escucho la canción.

La casa del sol naciente está basada en una vieja canción del año 1934, inspirada en un lugar de Lousiana (Nueva Orleans). Dicen que se trataba de un pequeño hotel que hacía las veces de prostíbulo, o de un lugar llamado “Rising Sung Hall”, alquilado para fiestas y bailes. Un lugar de perdición, en ambos casos, en el que, al parecer, la mujer que lo regentaba se llamaba Marianne Le Soleil Levant. De ahí, del significado del apellido francés, “Le Soleil Levant”, podría proceder “El sol naciente”.

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El caso es que la letra decía: “Hay una casa en New Orleans que llaman el Sol Naciente y ha sido la ruina de muchos chicos pobres y dios sabes que yo soy uno de ellos”.  Bueno; añadía que era un lugar en donde los hombres “gastaban su vida en pecado y miserias”, pero también al que todos queríamos escaparnos alguna vez para encontrar la paz.

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Aquella canción, con su “musiquilla”, nos envolvía cuando la escuchábamos, y nos hacía pensar en la tentación de un refugio, tal vez prohibido, pero soñado ya entonces; en algo así como… el “Café de París” de ahora. Realmente, es un mensaje inmortal: “Todos necesitamos alguna vez la casa del sol naciente”. Y para los que no pertenecieron a esa década... ya sé, ¡qué pinta teníamos entonces! ...y al fin y al cabo, más o menos, esa era nuestra apariencia. Pero... a través de esa forma de vestir, de esa fachada, estábamos gritando algo muy fuerte: queríamos vivir en "La casa del sol naciente"
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La canción pudo ser interpretada, inicialmente, desde la perspectiva de una mujer o de un hombre, según las miserias y desventuras con las que el autor quería dar su mensaje. La versión más conocida y de la que celebramos este homenaje es la del grupo británico The Animals,  del 1964. Una banda que, aunque obtuvo un éxito tal que convirtió a la canción en un icono de la música, no se caracterizó por publicar más de un parte de temas que fueran conocidos. Una de las últimas versiones de "The house of the rising sun", interpretada por Eric Burdon y supervivientes de The Animas, en Lugano, en el 2006. (Clic en este título y en los anteriores resaltados)

“A Whiter Shade of Pale”. Si “La casa del sol naciente”  fue  una  canción  que 

Procol Harum surge con una canción que responde al
deseo que reclamábamos los jóvenes de aquella década
de encontrar mensajes subliminales y audaces para aquel
momento. Había una complicidad para comunicarnos,
incluso en la forma de vestir; como las camisas de flores,
espirales, arabescos y sus atuendos que viste el grupo. 

“identificó nuestra primera etapa de jóvenes inquietos y entusiasmados por la incipiente música pop de entonces”, el tema melódico “Con su blanca palidez” representó, en aquella década de los 60, todo un fenómeno cultural para una generación ansiosa de mensajes subliminales, de interpretaciones “atrevidas”, desde una letra aparentemente confusa o incongruente y desde una música comprometida, porque rompía los moldes musicales del momento, pues ésta era canción que generaba tales inquietudes
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Los autores: Procol Harum. Una banda británica que tuvo una gran influencia en lo que se llevó a llamar el rock progresivo, aunque su éxito se redujera exclusivamente al legendario "A Whiter Shade of Pale", que en aquel 1967 lideró los rankings de canciones más escuchadas de esa época durante casi seis meses. El tema se convirtió en un clásico de la música ligera. En cuanto a la banda, se disolvió en varias ocasiones, aunque consiguió relanzarse, sin mucho éxito, a principios de los 90 y del 2000.
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Entre las anécdotas que se cuentan de la canción, además de debutar Jimi Hendrix como telonero de la banda, en una de sus giras en 1967, se dice que a una orquídea, un asteroide y has a una constelación se le dio el nombre de Procol Harum. Además, John Lennon solía tener una manía cuando se sentaba en su salón; escuchar en su tocadiscos el tema del grupo, una y otra vez. (Yo y mis amigos, también hacíamos lo mismo en nuestro pick-up). -

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Extravagancia artística en el diseño de una de las portadas
de un disco de Procol Harum, que sugiere el blanco satén
de la chica de 18 años que aparecía en nuestros sueños.

Hay que decir que la letra de la canción "A whiter shade of pale"  (extraída de un poema de Keith Reid) es una colección de frases abstractas sobre las relaciones entre los jóvenes de aquellos años de 1967 y 1968, en los que se hizo famoso el tema. Lo cierto es que yo solía hacer lo mismo con mi chica de entonces. Nos gustaba sentir cómo "retumbaba la estancia con el sonido de aquella música", la de "Lovely Rita", "Lucy in the sky why diamonds" o "A day in the life", del álbum "Sgt. Pepper´s" de los Beatles. Bebíamos algo..., una copa que nos preparaba nuestro cómplice (siempre había un cómplice)... ya no recuerdo qué bebíamos..., hasta que nos mareábamos. Al final, cuando “flotábamos”, oíamos esta canción, era lo más fascinante del mundo, y su música, la más romántica. Sentíamos que las frases de la letra... como que "aparecían" en aquella "realidad surrealista". En mi caso, ella tenía 18 años, tal vez 19; yo 22. Yo la veía deliciosa, bailando aquel ”suave fandando”, aquella noche, con su vestido blanco satén.

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"Con su blanca palidez"; una melodía de culto que ha perdurado hasta el momento actual (es la interpretación de Annie Lennox). Aquella fue nuestra canción de siempre, nuestro estandarte. Aquello fue... ¡lo máximo! de cuanto pudimos escuchar en muchos años. Hoy.... todavía hoy, me siento feliz, aunque nostálgico cuando la escucho. Pero "el paso del tiempo" no la ha cambiado; ni la va a cambiar. Yo la sigo encontrando pura y representativa de la mejor década de la historia de la música: la de los 60, indudablemente; porque también fue la de los Beatles. Bueno.... una década representativa también de una generación auténticamente sincera y comprometida. Nadie nos entendía entonces; ni siquiera nosotros sabíamos qué ocurría en aquellos años; porque los jóvenes de hoy sí saben lo que hay y lo que ocurre. Después lo supimos, muchos años después. El paso del tiempo nos dio la explicación. Y hoy, cuando nos encontramos, entre nosotros, los supervivientes de aquel movimiento, de aquella bendita generación…, no somos capaces de respondernos. Pero todos, en el fondo de nosotros, conocemos la respuesta; quizá estaba allí, en la letra y en la música de aquel... "suave fandango" que llamábamos "Con su blanca palidez". Gary Brooker, el que fue el alma de Procol Harum, tal vez, nos lo recordaba y nos sugería la respuesta en un concierto celebrado en Dinamarca en el 2006, acompañado de una orquesta sinfónica y coros.

"Nights in White Satin”. Otro icono representativo de la cultura musical para una década ávida de innovaciones culturales y artísticas: “Noches de blanco satén”, de

The Moody Blues en el 67. Su pose y vestimenta, casi adefésica, para los
cánones de ahora, denota el perfil que representaba el aspecto de aquellos
artistas, que respondían a la inquietud de la extravagancia del
pensamiento de nuestra generación de entonces.

la voz y autoría de The Moody Blues. Un tema que nos sorprende, en principio, a los más reflexivos de aquella época, porque entendimos que la música necesitaba un esquema más profundo y más elaborado, tanto en la melodía como en la estructura instrumental, y aquella canción lo tenía todo.

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"Nights in White Satin”, al contrario que La casa del sol naciente y Con su blanca palidez, cuyo éxito se produjo tan pronto se publicaron sus singles, no fue una canción muy popular el día de su primer lanzamiento en 1967, debido, primero, a que su duración de 7 minutos se excedía del modelo más convencional para una pista musical de aquel entonces, segundo, porque el apoyo orquestal con que contaba la composición y la inclusión de unos versos al final del tema tampoco era del gusto del público. En consecuencia, hubo que eliminar la parte orquestal y los versos, reduciendo la duración a poco más de cuatro minutos. Pero, Moody Blues no editó esta versión hasta 1972, curiosamente cuando ya la pista que reclamaba el público era la original, la que aparecía en el LP del 67, porque los temas de larga duración y con arreglos más sofisticados ya se habían impuesto en el mercado desde 1968, con la aparición del “Hey Jude” de Beatles, o mucho antes, con el Good Vibrationss” de Beach Boys.

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The Moody Blues, los autores e intérpretes del tema, son un grupo británico que nace en 1964, tras un breve y tímido comienzo en el típico R&B de la época. Sin embargo, su éxito aparece después bajo una experiencia que buscaba su discográfica con el fin de potenciar y rentabilizar la nueva tecnología del estéreo en sus estudios. Para ello, se estudió hacer una versión Rock de la sinfonía de Dvorak "El nuevo mundo". Y el hecho es que, sin pretensiones por parte de Moody Blues, ni las de la casa de discos, que no fueran sus intereses en la modernización de los estudios, casi como fruto de toda una casualidad, en aquel 1967 se conseguiría grabar y editar un trabajo tan impecable que hoy está considerado por la crítica como uno de los mejores álbumes de la historia. Aquel disco fue una obra maestra, con un ensamblaje perfecto con la orquesta. El álbum se titularía "Days of future passed" y en él estaría incluido el inmortal “Noches de blanco satén”.

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Los Moody Blues se convirtieron desde ese momento en un auténtico grupo de culto. Y aunque "Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band" de Beatles, fue la primera experiencia psicodélica de la historia de la música grabada en un vinilo y ha llegado a estar considerada como el mejor álbum de la música contemporánea (tema que parece que no tiene discusión), Moody Blues fue el primer grupo de rock que introdujo la aventura sinfónica de una orquesta en una grabación, algo que nos sorprendió y nos fascinó a los que éramos fieles del rock, a otras bandas que ya ensayaban la experiencia y a la misma crítica. Nadie hubiera podido entender nuestra atracción por aquel "Nights in White Satin”, como para escucharlo una y otra vez; pero así era.

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Presentación psicodélica del título de la canción en
un libreto que contenía la carpeta del disco.

Aquella nueva concepción de grabar un álbum con el apoyo de toda una orquesta se definiría como Rock Psicodélico, o lo que luego llamaríamos Rock Sinfónico. Y hay que decir que, en esta aventura sinfónica de rock progresivo le seguirían muy de cerca Deep Purple y Pink Floyd, ésta última, una de las bandas de culto más importantes y respetadas de la música contemporánea.

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Como anécdota humana conservo en mi recuerdo de aquel 1968, cuando el tema originario se escuchaba en todas las máquinas de discos de los bares (aquellas de moneda), la de mis frecuentes visitas al Bar Parritas, de Cáceres, porque allí nos encontrábamos los entusiastas de aquel "Noches de blanco satén". Por entonces, aún no habíamos descubierto que el mensaje de la canción era: "Noches de blanco satén que nunca terminan, carta escritas que nunca llegan,  ojos bellísimos que se van muy lejos, sentimientos que se olvidan, traiciones que se perdonan...". Justin Hayward, otro de los miembros de la banda, escribió el tema mucho antes de la creació del grupo, inspirado, al parecer, en un amor no correspondido. Y como anécdota técnica, el mítico tema fue el precursor del sonido del teclado mellotrón, el efecto musical que complementaba la grandilocuencia de los apoyos orquestales y que definió definitivamente el “sonido Moody Blues”.

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Esta mítica banda, en cambio, sí fue prolífica en la grabación de discos que se dieron a conocer en todo el mercado internacional. La prueba es que The Moody Blues editaron dos años después del famoso LP, en 1969, otro disco de éxito que fue "On the Threshold of a Dream", destacándose el tema "Have You Heard". Otra obra maestra fue "Seventh Sojourn", de 1972, que incluía aquella hermosa "For My Lady". Otra de mis canciones preferidas de fue "Tuesday Afternoon" (de 1970). Curiosa la versión más antigua de la misma "Tuesday Afternoon". Su producción discográfica continuó hasta el 2001, siendo sus últimos álbumes, el del año 2000, que incluía un concierto en el Royal Albert Hall, de Londres y otro más reciente con el que se pretendía dar aquel poder mágico de The Moody Blues de entonces, era el "Journey to Amazing Caves". Lo cierto es que esa grandilocuencia músico-vocal con la que nos asombró hasta mediada la década de los 70 no volvió a tener la aceptación de su momento. Pero lo que no es menos cierto es que su música y sus canciones estarán ahí, en el álbum de nuestros mejores recuerdos.
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"California Dreaming´" fue la canción que mejor identificó al grupo de origen californiano

The Mamas and the Papas, uno de los "singles" que lanzaron al
mercado. En esta edición, la cara A era "California Dreamin".
Y es la foto de la portada del single que aún conservo.

The Mamas and the Papas y el tema que más perduró en el tiempo. Formó parte del single más conocido del mismo, como cara B y cuyo lanzamiento se produjo en 1966, precisamente para promocionar el auténtico éxito de ese momento, que era la canción "Monday, monday" y que aparecía aparecía como cara A de dicho "sencillo". (Clic en los dos títulos, para ver los vídeos).

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Mamas and the Papas. Fue el primer grupo vocal con un estilo "Folk-Pop" que lideró la corriente músico-ligera de la década de los 60, junto con The Beach Boys, frente a la invasión británica que entonces encabezaban The Beatles y The Rolling Stones, entre otros.

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El grupo contaba con una imagen muy definida y apreciada por aquel ya nostálgico mundo "hippie" de entonces. La guapa y delgada rubia Michelle, con su sutil, frágil y delicada voz, en contraste con la potente y penetrante de "Mama Cass". La parte masculina estaba representada por John Phillips, casado con Michelle, y Denny Doherty. 

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John Phillip, soñó con la canción y despertó a Michelle para que le ayudase a escribirla, allá en el 1963. Lo cierto es que la versión del grupo, mucho después, añadió, en la pista de acompañamiento instrumental, nuevas voces y un solo de flauta contralto. Es la versión más extendida, la que conocemos. No llegó a número 1, pero se mantuvo 17 semanas en las "listas de éxitos". Y está considerada como una de las 10 mejores canciones de la historia de la música. Sus amigos The Beach Boys, rindieron tributo después con su propia versión. (Clic en el titulo).

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La guapa Michelle, con su mirada sugerente y
dulce sonrisa, entonces, capaz de "encandilar"
el más inconquistable ¡Qué peligro tuviste!

A nivel personal, estaban muy unidos y la amistad entre ellos era envidiable. Sin embargo, las relaciones del grupo comenzaron a deteriorarse gravemente tras descubrirse que Michelle  y Denny eran amantes. John los descubrió un día en la cama, lo que dio lugar al comienzo de la ruptura entre ellos, ya que para mayor complicación Cass Elliot se enemistó con Michelle, pues Cass también estaba enamorada de Denny. Y es que se ha sabido, mucho después, que Michelle, con su dulzura y su belleza, "encandilaba" a los hombres que la rodeaban y les hacía perder la cabeza. Es sabido también que la canción "Michelle" de Paul McCartney fue compuesta como declaración de amor a Michelle Phillips. (Linda, la que fue su esposa llegó a declararlo). Paul la conoció en un 1963 en Nueva York, en el aeropuerto, cuando ella, volvía de firmar un contrato por los derechos de la canción "California Dreamin" con la Dunhill Records. Michelle tenía que coger un avión para reunirse con el resto del grupo. Pero durante aquel encuentro, entre Paul y Michelle, al parecer, se produjo un flechazo, y desaparecieron durante uno o dos días. Paul, después de regresar a Inglaterra buscó la excusa para componer una canción con una estrofa en francés, pero la única razón era la declaración de amor hacia Michelle a través de aquella hermosa balada. (Clic en su título).

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Y dicen... (quizá esto ya es una leyenda, pero Michelle lo soltó, bajo los efectos de una noche de alcohol, después de un concierto) que cuando el grupo cantaba "Dedicated to the one I love", una canción de Shirelles dedicada a un bebé, ella comenzaba, susurrando en la primera estrofa:  "Aunque estoy lejos de ti, mi

Cass Elliot y Michelle Phillips, las voces femeninas del grupo y
rivales entre ellas. en disputa por los favores sentimentales de
Denny Doherty, miembro del cuarteto

amor, cada noche antes de dormir, pienso en ti, es un instante que dedico solo a ti", cambiando la letra de los versos, porque se estaba declarando a Paul. Sería o no verdad lo que dijo aquella noche, pero  mirando sus ojos y su semblante en el vídeo, al principio, a alguien le estaba declarando su amor. (Clic en el título).

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El grupo se reconcilió al poco tiempo, presionado por los intereses comerciales, y en 1968 editaron su último LP, antes de separarse. Fue un fracaso comercial; sin embargo incluía una canción soberbia, muy antigua, "Dream a litlle dream of me", (Clic en el título) y que muchos años después fue versionada por innumerables intérpretes, además de la que ellos mismos hicieron "in live" o la misma Cass en solitario, tales como Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Michael Bublé y Diana Krall, o una muy especial realizada expresamente como spot de primavera para El Corte Inglés y que llevó a cabo la cantante española Raquel Molina Miranda, apenas conocida. 

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Michelle, Denny y John, en el 1998, en su última gala
y celebrando su último trofeo. Después,
a los pocos fallecerían John y Denny

Cass, tras la separación tuvo mucho éxito como solista, pero falleció al poco tiempo de un infarto, en 1974, cuando acababa de dar un concierto en el London Palladium y regresaba al apartamento de su amigo, el músico Harry Nilsson. Michelle participó en una gira con Leonard Cohen.

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John y Dennis se reunieron muchos años después, en 1998, para hacer un gira de conciertos, aprovechando la fama anterior del grupo. Para ello, llevaron el repertorio de sus éxitos, pues apenas aportaron nada nuevo, actuando en aquel año en el  Rock and Roll Hall of Fame junto a Michelle, que, por cierto, estaba radiante (como siempre), en contraste con el aspecto ya decadente de John y Dennis. Veamos esta versión "in live" de "California Dreamin´" en aquella gala de 1998, haciendo clic en el título del inolvidable tema.

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Tres años más tarde, en el 2001, John murió también de un infarto. Y en el 2007 le tocó a Denny, a causa de una enfermedad renal. La única superviviente fue Michelle ("Michelle, ma belle"), quien se casó seis veces, después de divorciarse de John. Después, nunca más volvió al mundo de la música; solo se sabe de su actividad en el cine como actriz secundaria, pero también de algunas apariciones junto a Paul McCartney, como en la que le acompañaba en un homenaje al ex-beatle, celebrado en el Kennedy Center Honors en 2011.

Dicen que éramos unos inconformistas, que perseguíamos
una revolución social y cultural. Y era cierto; pero no que
nuestra condición de hippie fuera un disfraz. Nosotros no
teníamos que escondernos de nadie ni de nada; éramos
sinceros y aquello no era un disfraz, sino la manifestación
externa de todo lo que queríamos decir. Quizá, hoy nadie
nos entendería con aquel atuendo. Quizá, hoy sí tendríamos
que ponernos un disfraz de arlequín, de payaso o de bufón,
para pasar desapercibidos, escondiendo nuestros mensaje,
reivindicando el amor y condenando la guerra.

Son cuatro iconos musicales, dentro de "mis diez mejores canciones de la historia", que nos representan a los jóvenes que entonces formamos parte de aquella década mágica. Estos cuatro temas y los dos anteriores de la primera parte, son como un brindis simbólico para todos aquellos amigos que conocieron muy "de cerca" esa década de los 60, pero también la de los 70, porque no solo disfrutaron de aquella música, de su cultura y de su mensaje, sino porque entendieron la filosofía de una época difícil,  y  no obstante, porque fueron cómplices, como yo, de toda la magia que rodeaba aquel maravilloso mundo.

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Dedicado a todos, absolutamente a todos ellos.

Ángel González "Rusty Andecor"

1 de Septiembre, 2013

Próximamente, a primeros de octubre, la tercera y última parte de "Mis 10 mejores canciones de la historia".