Las estrellas de la canción de la semana. Sexta parte. La nostalgia de unas y el olvido de otras. Tributo a las leyendas y las anónimas.

The Beatles (by Leland Castro), de quien podríamos recuperar
decenas de canciones que evocarían escenas memorables.

Cada vez que recuerdo aquella frase de E.Elgar, que dice "Mi idea es que hay música en el aire. La música nos rodea, el mundo está lleno de ella y cada cual simplemente toma la que necesita", pienso que los momentos de la vida también tienen sus canciones; porque hay canciones con las que recuperamos viejos recuerdos, y hay escenas que evocamos con las que recuperamos... aquellas canciones. Y las canciones, como la misma esencia de la música, siempre estarán ahí, alrededor de nuestra imaginación, cerca de nuestros recuerdos, pero también junto a nuestros sentimientos. La música, las canciones y sus cantores, nadie nos las puede arrebatar, porque su recuerdo y el aroma de su música estará siempre en nuestros corazones, y el corazón nadie nos lo puede arrancar.

  

Evocamos la música y las canciones, las recupemos
de nuestra mágica caja de música, buscando la
esperanza de recibir la ilusión de la chistera del
hada de nuestros sueños. (By Michael Cheval)

Hace más de 15 años comencé a escribir sobre "la música de mis tiempos". Solía reunir recopilatorios en CD,s con "las canciones de momentos ya pasados". Unos los titulé "El poderío de mi generación" y "La fuerza de mi generación", según eran ellos o ellas quienes ponían su voz y talento, respectivamente. Otros fueron "La sensibilidad del corazón", "Canciones para combatir el aburrimiento", e incluso dediqué otros de mis temas bajo el sugerente título "Canciones para reconfortar el sinvivir del corazón". Cuando diseñé mi blog "Rusty Andecor" y comencé a trabajar con él, incorporé la idea de todos esos trabajos relacionados con la música. Y el hecho es que desde el año 2010 fueron apareciendo algunos de mis post con títulos como "Mis conmemorativos musicales", "Mis 20 mejores canciones de la historia de la música" o "Las estrellas de la canción de la semana". Este último, con ocasión de las crónicas que incluía en los espacios semanales dedicados a los diferentes intérpretes de la canción, y que publicaba cada una o dos semanas.

  

Eric Clapton (de David Lloyd Glover) símbolo de "jazz-blues"

Han sido cinco las entregas publicadas en este blog, con sus correspondientes crónicas musicales, y bajo diferentes géneros de la música y la canción. La llamada "música ligera" en todos sus géneros y estilos, tales como "rock", "country", "pop-rock", por un lado, o los que le precedieron, como "rhythm and blues", "soul", "jazz-blues", por otro. Me he dejado llevar por el entusiasmo de alguna de las estrellas del Jazz. Pero, además, he revisado el pop-dance, originario del techno-pop y de la música-disco. Sin olvidar mis entregados homenajeado a la "Chanson" francesa y a la complicidad hacia sus "Dames de la chanson", o sin dejar de lado a algún que otro guiño por el género "latino" y sus influencias 

  

Elvis Presley (de David Lloyd Glover), "el Rey del
Rock", todo un símbolo generacional del rock. 

Lo cierto es que hay autores, apenas conocidos, pero que han interpretado temas que en algún momento fueron de mi gusto y elección para evocarlos en esos espacios semanales a que me refería o en otras redes sociales, como en Facebook. Y lo cierto es que hay estrellas que, aunque no olvidadas, no estuvieron en su día ocupando mis crónicas musicales. Para unos y para otras, tal vez, he encontrado el momento en esta "sexta parte" de mi homenaje a la canción, y no es mi intención sistematizar el orden de los géneros o de las épocas a que puedan corresponder los cantantes que van a aparecer. Puede que incluso no sea exhaustiva ni detallada la referencia del intérprete, entre otras razones porque cualquiera de nosotros nos podemos documentar sobradamente en muchos de los artículos en las páginas que Internet dispone para su consulta. Para mi, lo que me va a interesar es exclusivamente la anécdota que pudiera tener el artista, mi gusto personal y alguna muestra musical a través del enlace que en su día ya publiqué en esas "canciones de la semana" o en la red Facebook.

  

El artista y su guitarra, la efigie representativa del rock
y del pop en un escenario (pintado por Lloyd Glover)

Es posible que entre algunas de las grandes estrellas o de otros autores de mi gusto aparezcan nuevas referencias en esta última parte. Es posible que vuelva a tratarlos, aunque el contenido de mi artículo no sea el mismo. Lo cierto es que, en parte han sido mis publicaciones en Facebook, en un espacio dedicado a la música que virtualmente se escenificaba en un imaginario club llamado "Blues Carichi". Lo cierto es que habrá referencias que quizá se repitan en parte o que, no habiéndose mencionado antes, no se traten más que de pasada. Me interesa hacer un repaso a todos esos referentes musicales de los géneros de la canción más conocidos en la "música moderna". La cuestión es que no he querido desaprovechar incluir esos contenidos en este último capítulo de mis homenaje musical.

  

Ark Garfunkel and James Taylos, interpretando a dúo
"Crying in the rain", con el único acompañamiento musical
de sus guitarras.

Comenzamos por evocar la excelencia de esas estrellas de la canción que no aparecieron en mis anteriores capítulos, como a Ark Garfunkel, que en el tema "Crying in the rain", a dúo con James Taylor, sirve aquí de muestra para destacar cuánto representó para la música ligeras. En esta ocasión, dos monstruos de la canción "de siempre", dos leyendas de la música vocal en perfectas armonías y para cantar una hermosa canción, sin más acompañamiento ni ostentación musical que sus dos guitarras, y que dice: "Sé cómo esconder mi tristeza y mi dolor y lloraré bajo la lluvia. Son gotas de lluvia que caen del cielo, que nunca podrán llevarse mis miserias... Algún día, cuando ya no pueda llorar, luciré una sonrisa y caminaré bajo un nuevo sol... Pero mientras lloraré bajo la lluvia... lloraré bajo la lluvia". A Gafunkel, 75 años, de Nueva York, lo conocimos por formar parte de "Simon y Garfunkel", dos vocalistas compositores que en 1964 hicieron una de las canciones más emblemáticas de la historia de la música: "The Sounds of Silence". En los 70 continuó su carrera como solista, ganador de 4 premios Grammy; aunque han sido innumerables sus colaboraciones con Paul Simon. James Taylor, 69 años, de Boston, 5 premios Grammy, fue pareja sentimental de Carole King, con quien formó uno de esos tándem musicales irrepetibles en la historia del pop. Se casó con Carly Simon. Inolvidable su tema "You´ve Got a Friend", compuesta por King en 1971 y dedicado precisaemnte a él, un clásico que podemos encontrar en la segunda parte de este homenaje y que publiqué en mayo de 2012 en este blog. (Hacer clic en el título)

  

Don Henley y Glenn Frey, fundadores, guitarristas y vocalistas
de la mítica banda "Eagles"

En abril de 2013 publiqué un especial dedicado al "Hotel California", de Eagles (clic). Hace algo más de un año fue un pequeño homenaje a Glenn Frey, uno de los fundadores de la mítica banda, con motivo de su fallecimiento en enero del pasado 2016. Hay que decir que fue más conocido "Hotel California", como si fuera el nombre del grupo, que "Eagles", como así se hizo llamar la banda estadounidense de rock que en la década de los 70 inmortalizó la canción y la colocó como una de las 20 mejores canciones de la historia. Curiosamente, un tema que, sobre todos los demás de la música de aquellas ya lejanas décadas, se sigue escuchando en todas partes. Glenn Frey y su amigo.

  

Hay que decir que "Hotel California" contaba con un ritual
espectacular en la entrada musical del tema: el solo de la
"double guitar"  Gibson Customer de Don Felder.

Don Henley buscaban la ocasión de crear su propia formación y fue Linda Ronstadt y su manager quienes, después de contratarlos como guitarristas de estudio para uno de sus discos, les apadrinaron en el proyecto. Era el año 1971 y en el 77 lanzarían el famoso "Hotel California". Don Henley, su compañero de viaje, diría: "Hotel California es una canción del lado oscuro del sueño americano, y sobre el exceso de los Estados Unidos, algo que conocíamos muy bien". Y lo cierto es que un tema absolutamente emblemático para los que vivimos la música durante las décadas de los 70 y los 80. Se dice de "Hotel California" que "es el lejano paraíso de aquella extraña y onírica dimensión que muchos de nosotros buscamos no se sabe dónde". Quizá, como ya dije una vez, "un refugio, un lugar alejado de incomprensión al que tiene que acudir ese ser humano perdido en su destino y, tal vez, vencido por el desengaño".
  

Actuación de "Mavericks" junto a Alyssa Bonagura, en el
divertido final de un concierto con "Something Stupid".

"Something Stupid", aquel viejo tema de Nancy y Frank Sinatra que muchos atesorábamos en nuestros vinilos (clic), es otra de las canciones que recuperamos de entonces. Sin embargo, en esta ocasión lo hacemos de una versión grabada en un concierto de hace unos 3 años y que hizo Mavericks con la colaboración de la coquetona y tontuela Alyssa Bonagura. Quizá, como el título de la canción "Something Stupid" (clic en título), quise hacer un tributo a "la tontería", pero en su sentido más poético, recordando esas "tonterías" que protagonizamos en el transcurso de momentos importantes o triviales de la vida, pero con los que quedamos huella. Aquello que decimos "¡Válgame Dios, a quien se le ocurre!". En el vídeo de la canción también podemos ver reflejada esa tontería que nos recrea la anécdota de la actuación de Mavericks. Aquí, al final de su concierto, podemos comprobar el desenfado y las tonterías que llevan a cabo los actuantes del evento, y del que no podemos negar lo maravilloso de ese ambiente que vemos y con el que escuchamos la versión del tema. Por cierto, no se pierdan el contrapunto del buen humor del cantante, la seriedad casi de enfado del gigante y viejo guitarrista, la tontería del otro y el desenfado... tirando a "tonteo" de ella.

Abba en su último concierto del 81, ofrecido para la televisión
sueca, precisamente interpretando el tema de referencia aquí.

Al grupo ABBA le hicimos su tributo en nuestra tercera parte de "Las estrellas de la canción de la semana" y que se publicó en junio de 2012. Sin embargo, hace unos años, coincidiendo con el 45 aniversario de la formación de la banda, hice un pequeño homenaje en un invisible y virtual club llamado "Blues Carichi". Ahora, solo nos queda sentir la nostalgia de su fama, influencia y la significación que ha tenido para la música. Recordar que desde 1977 hasta el 80 representaron un acontecimiento casi más relevante que lo que significaron los propios Beatles en su época, pues el triunfo en parte del cuarteto inglés fue debido al vacío en su momento de nuevas culturas musicales, mientras que el éxito de ABBA en unos años de gran riqueza musical se debió a la nueva inspiración de sus grandes temas.

  

Una de las últimas apariciones de ABBA, hace unos años, en una
celebración única tras su disolución, hace ya más de 30 años.

Su declive comenzó en el 81 y ya en el 83 abandonaron sus giras y grabaciones. Las razones nadie las sabe a ciencia cierta. Quizá habían llegado demasiado alto y aquello que habían conseguido ya no les satisfacía. Por otra parte, las desavenencias en las relaciones entre ellos habían llegado a tal punto que no podían compenetrarse en sus trabajos. Lo cierto es que ningún grupo musical ha tenido después, incluso transcurridos más de 40 años, la influencia de su estilo musical para dar fondo a la música del cine, a bandas sonoras de otros eventos o incluso para inspirar a otros grandes artistas que tomaron después el carácter y estilo de su trabajo. Innecesario repasar su carrera profesional o su prolífica discografía. He elegido una canción de ABBA que siempre me gustó: "Slipping Thorough my Fingers" (clic). No era un tema de los más escuchados ni de los que llevaban ese sello de grandilocuencia que caracterizaban algunas de sus canciones. No era una de sus canciones pletóricas de entusiasmo y optimismo, más bien había cierta nostalgia en su melodía. Para comprobarlo, no hay más que escuchar esa cadencia final o los últimos versos: "Ella deja su casa de madrugada, diciendo adiós con su mente ausente, con toda su vida en la mano y sus sueños entre mis dedos..."

  

Thomas Lauderdate y China Forbes en una actuación de
Pink Martini.

"Pink Martini" es una banda con un estilo muy "vintage" que se caracteriza por recuperar viejas canciones e incluso evocar al mito de las más clásicas estrellas. Tal vez, lo que más conocemos de Pink Martini es el particular toque de jazz en muchos de sus temas, y con inclinaciones al "latin-jazz". El grupo de Portland lo fundó Thomas Lauderdate en 1994, su pianista y director, un "geniecillos" menudo y travieso que cuando interpreta parece a veces un divertido enano saltarín. Lo más llamativo, aparte de Lauderdate, la encantadora y sugerente China Forbes, la diva de la pequeña orquesta, que en 2011 sufrió una terrible enfermedad y se quedó sin voz. La banda estuvo a punto de disolverse, pero por fortuna China se recuperó hace un par de años y volvimos a disfrutar del espectáculo de sus originales interpretaciones. Quienes no conocen a Pink Martini, de pueden sorprender con actuaciones tan intensas como la de uno de sus conciertos, que se inicia con la el tema "Let´s never stop falling in love" o la exquisitez de "Sympathique". De los dos años que la orquesta perdió temporalmente a China, es justo recuperar actuaciones como la de la colaboración que hicieron "The von Trapps" con Pink Martini para grabar el último disco. La mejor prueba de ese álbum es la versión impecable del tema "Dream a little dream". (Clic en los títulos).
  

"Mano lenta" con una Stratocaster, casi igual que la mía.

Eric Clapton estuvo en la crónica de mayo del 2012 y no hace mucho volvió a las páginas del club virtual "Blues Carichi" exclusivamente para hacer homenaje a una canción que nadie mejor que él para interpretarla. "Autumn Leaves" (clic título), un eterno poema musical dedicado a las "Hojas de otoño". El guitarrista británico, "Mano lenta", como siempre se le llamaba cariñosamente o "el virtuoso de la Stratocaster", inventor de ese estilo de música tan personal e insuperable, mezcla de rock y blues. Un momento también para recordar aquella parte de la canción que decía "¿Alguna vez te has preguntado si las estrellas brillan por ti? Déjate llevar por el viento, como las hojas de otoño. Y ahora cierra los ojos, antes de dormir y sueña. Estás muy lejos y ayer estuviste conmigo". Volveremos a referirnos a él al final del artículo cuando tratemos de los bises entre el duelo de dos grandes del rock.
 

Dolores O´Riordan, de Crenberries, guitarra en mano, en plena
actuación en uno de sus conciertos.

"The Cranberries" ha sido una de las omisiones en mis anteriores entregas. Un grupo irlandés que supo experimentar una buena fusión entre el rock celta y el rock alternativo. Una banda que entendió el rock como un último intento para innovar unas música pop que calara en una generación "aburrida" de escuchar el mismo estilo de siempre. Pero sobre todo, una voz, la de Dolores O´Riordan, compositora y vocalista del grupo, una adaptación de su forma de interpretar en pop-rock muy personal e incluso original. La mejor muestra, "Ode to the family", una canción hermosa y muy sugerente, no solo en cuanto a su estructura musical, sino por el texto de su letra. Un tema que nos habla de la infelicidad cuando descubrimos que a nadie le importamos y una referencia nostálgica a la familia. Veamos aquí un vídeo de esa "Ode to the family" que yo extraje de uno de sus conciertos. Lástima que Cranberries desde el 2007, cambiara su fórmula como grupo, y después de una retirada de O´Riordan, no consiguiera el calado que tuvo en su primera época. (Clic títulos)

  

"The Ronettes" en una de las presentaciones de sus habituales
conciertos en los 60.

Si conocimos o vivimos la década de los 60, ¿quién no se acuerda de The Ronettes? Al menos nadie desconoce aquella famosa canción titulada "Tú serás mi baby" y que popularizó aquel africano llamado "The Surfs". Su título original es "Be My Baby" y el tema está considerado, según la crítica especializada, como la canción más famosa y vendida de su época. Los estudiosos del pop dicen de ella que es "la mejor canción pop de la historia". Por supuesto, yo no lo creo, pero es evidente que su esquema de interpretación y su ritmo rompió moldes y cambió la estructura musical de entonces. El vídeo de The Ronettes, el que reproduce el título, responde a una grabación original de una de sus primeras actuaciones. Hace unos años, cuando comencé a escribir mis crónicas, el periodismo musical decía que estaba volviendo aquel viejo estilo, originario del pop de los 60. La prueba de esa vuelta fue la versión de "Be My Baby" que interpretaba la dominicana Leslie Grace, entre otras. Lo cierto es que ahora ya no lo creo, pues las nuevas tendencias, que juegan con ritmos estrepitosos y discordantes o estilos machacones y horteras, han dejado atrás el gusto musical de las pasadas décadas.

  

Es otra imagen de The Ronettes en plena
escena de actuación.

"Be My Baby" fue compuesta por Phil Spector para "The Ronettes", un grupo integrado por las 3 jovencísimas Verónica, Estelle y Nedra, una formación musical con una carrera fulminante que comenzó en 1963 con esa canción, aunque luego se disolviera de forma repentina en 1966. Curiosamente, The Ronettes fueron teloneras de The Beatles entre el 65 y el 66, cuando el cuarteto inglés hacía su gira por EE.UU. Como anécdota se dice que en los últimos conciertos en los que aparecían ambos grupos, la actuación previa de las Ronettes era presentada por el mismísimo John Lennon, quien llegó a decir de ellas que no tendría inconveniente que, en lo sucesivo, los Beatles fueran sus teloneros y ellas las estrellas del concierto. Lo cierto es que, al poco tiempo Spector, no sabemos si receloso del éxito del grupo que él mismo había producido, disolvió a las chicas. Verónica, la vocalista del trío, que se había casado con Phil Spector, tomó entonces el nombre artístico de Ronnie Spector, aunque se divorció de él poco después. Sabemos que continuó su carrera como solista y que nunca más llegó a tener el éxito que le precedió en las Ronettes. "Be my baby" es la versión que interpreta Ronnie en una de las giras que llamó "The Ronettes" y en la que la vemos, en la reproducción del vídeo, acompañada de su hermana Estelle, también componente del que fue su grupo. La grabación puede ser del 2007. Y de ella, por lo que conozco, actualmente está retirada debido a que perdió definitivamente su voz. (Clic en títulos).

  

Las 4 primeras ediciones que tuvimos la ocasión de conocer
de The Beatles, las de referencia en este artículo.

Y a propósito de referencia que hacíamos antes de los Beatles, de cuyo significado para la música, así como de su más relevante trayectoria ya hemos hablado, en mis espacios de la música tuvimos un homenaje con motivo del 50 aniversario de la publicación de algunos de los mejores vinilos de la historia de la música, y en el que tuve ocasión de elegir 4 de los primeros LPs de los que editaron en su día The Beatles: "The Beatles", "With the Beatles", "A hard day´s nights" y "Beatles for sale" (clic en cada uno de los títulos de su álbum para enlazar con una de las canciones "in live" que contiene cada disco). Entre mis colecciones de vinilos, son estos LPs una pequeña parte de lo que forma ese tesoro musical del que me enorgullezco de poseer. Cuatro joyas, juntos con otras muchas que vinieron después, de ese genial cuarteto de Liverpool. Sería difícil escoger una canción que representara esa primera etapa del legendario grupo; en realidad valdría cualquier tema.
  

"The Beatles" actuando en "The Cavern Club" en 1961.

Quizá, aparte del botón de muestra de las que dejé antes en los títulos de estos discos, nada mejor que uno de sus rock and roll, que tanto escuchábamos en aquella época, uno por cada álbum, como: “Please please me”, “Roll Over Beethoven”,  “No Reply”,  “Rock and Roll Music”. (clic en cada uno de los títulos). Curiosas las grabaciones, por la naturalidad e improvisación de sus interpretaciones, aunque de mediocre calidad algunas, pero que no obstante conservan toda su frescura. Finalmente, me quedo con un título absolutamente nostálgico: "Anna", una canción que solíamos escuchar compartiendo con la chica de entonces, junto a ella, acaramelados (por cierto, allá en el lejano "Villa Rosa", en Hervás), con aquellos besuqueos y arrumacos de los 60 (que nunca volvieron a ser los de mucho después. La otra anécdota es que todos teníamos entonces una chica que se llamaba Ana. (Clic para reproducir el título en ese minuto del Full Álbum).

  

Portada y vinilo que conservo de este álbum, y que reúne sus
más grandes éxitos, Bye, bye baby, entre ellos.

Janis Joplin, otra histórica representación que, al igual que los Beatles, hizo hito en los anales del rock. De ella dijo la revista "Rolling Stones", salvando las distancias metafóricas, que "si hubiera existido un dios en el rock, Janis Joplin habría sido su esposa". Se dijo que fue "el más poderoso referente femenino de la historia del rock; una voz única, una rebeldía inclasificable". Y desde luego, fue el símbolo femenino de la contracultura de los 60. Janis Joplin, fallecida a los 27 años, en los 70, consiguió invadir un espacio de expresión para la mujer, no ya sólo para liberarse, enarbolando su simbólico himno de libertad, el que le había proporcionado su rock, sino que logró una dimensión exclusiva, cada vez mayor, para un género reservado entonces solo para los hombres. Su "blues-rock" dio paso a una queja permanente de opresión que sufría entonces la mujer y se convirtió en un estilo que continuarían muchas rockeras que fueron de alguna forma sus discípulas. Janis Joplin fue la primera mujer considerada una "gran estrella del Rock and Roll". En 1995 ingresó en el Salón de la Fama del Rock. Se ha ganado el título de la mejor artista femenina del rock, tras su cortísima carrera de la que disfrutó, por delante de Tina Turner o Shery Crow. "Bye, bye baby" fue una de mis canciones preferidas, entre las que conservo de su LP en vinilo. "Bye, bye baby" (clic títulos) fue una de las canciones más representativas, como "un grito de guerra", en defensa de la libre expresión de la mujer en aquella época.
  

Patrizia Laquidara nos canta desde los sentidos más ocultos,
quizá desde los abismos del alma.

Quizá es el momento de intercalar referentes vocales de la música apenas conocidos o de relevancia relativa en el tipo de géneros y estilos que describo en mi homenaje musical.  Por ello, voy a referirme a algunos de esos artículos que publiqué en este blog o en el espacio virtual "Blues Carichi", de Facebook.
  
Patrizia Laquidara, la sugerente y dulce siciliana, nos canta casi como en un susurro "Noite e Luar" (clic). Un tema, por cierto, original del compositor gallego Carlos Núñez, que sirvió para la banda sonora del film "Manuale de´amore". Sin embargo, esta versión vocal corresponde a la impecable y romántica interpretación de Patrizia Laquidara, que -como podemos comprobar- canta desde los sentidos más ocultos, quizá des los abismos del alma. Patrizia nos acaricias con su voz diciéndonos: "Noche de luna, yo quería cantar... deja el dolor que llevas dentro, que que te hace sufrir. Acuérdate de nosotros, mi bien, vamos juntos a cantar. Noche de luna, yo quería saber... donde estaba la vida sin ti a mi lado, todo era tan frío... Y entonces apareciste tú carca de mi, mi bien, vamos juntos a cantar. Deja el dolor, todo va a suceder... necesito el perdón, deja las dudas y ven. déjalo ya, amor, tengo besos y en la mano. Yo te quiero para mí". Hermosa canción, para disfrutarla mientras vemos en el vídeo la sugerencia del mensaje que aparece extraído de la película.
  

Gordon Haskell, interpretando "How Wonderful You Are"

Gordon Haskell, un compositor británico que cultivó el género musical "Blues-Rock" y también el Folk desde allá en los 70. Formó parte de grandes bandas de rock, tales como King Crimson, entre otros proyectos musicales en los que participó. Hoy es uno de los autores baladistas más apreciados y románticos de habla inglesa. muy elogiado por la crítica, con trabajos impecables y álbumes muy elaborados, como es el caso del "Bar de Harry" y al que pertenece el tema "How Wonderful You Are" ("Qué maravillosa eres"), (clic en el título). Haskell comienza así su canción: "Salgo casi todas las noches atraído por la magia de las luces, bajo la lluvia, bajo las sombras, a escuchar el jazz del bar de Harry. Y antes de que pase mucho tiempo, antes de que suene la canción, siento emocionado el sonido de... lo maravillosa que eres. Me perderé en el tiempo... y seguiré el rastro de una estrella, tu estrella". La anécdota es que Gordon nació el mismo mes y año que yo. La misma edad, aunque yo le llevo 8 días.
  

El actor y cantante folk norteamericano Loudou Waingwright

Más que el intérprete de la canción es el propio tema el que nos ocupa esta referencia. Una canción nostálgica, para esos días muy nostálgicos del largo invierno, o tal vez para evocar los recuerdos de un pasado cercano. La letra de "Carrickfergus", que es su título, aunque un poco adaptada a mi  intención, pues figuradamente me refiero a la luz de la esperanza, dice así: "Me gustaría nadar por el océano más profundo, el océano más profundo de mi amor por ti. Pero el mar es tan ancho que no puedo nadar más. No tengo alas para volar, ni un barquero que me ayude a cruzarlo hasta llegar a ti". "Carrickfergus" (clic) es una canción irlandesa muy popular cuyo título da nombre a una ciudad de un condado de Irlanda, famosa por su castillo. Un tema que fue grabado por infinidad dás reciente se debe a Loudon Waingwright III, un actor y músico norteamericanoe artistas, como Joan Baez, Van Morrison, Ronan Keating o The Dubliners. La grabación m cuya voz ha quedado con esa canción en los créditos finales de una de las series más exitosas de los Estados Unidos: Brordwaltk Empire; de ahí que el vídeo del enlace sea una secuela de la serie. Y una versión más popularmente conocida  de "Carrickfergus" (clic), porque era Joan Baez quien la cantaba en sus conciertos, como es ésta de una actuación en Bratislava en 1989.
  

Un primer plano de Debbie Harry, en una de sus actuaciones de
la primera etapa de su carrera con Blondie

Con Debbie Harry, de "Blondie" volvemos a algunos de los artistas más conocidos en décadas pasadas. Blondie fue una conocida banda de rock de Nueva York de los años 70 y que se convirtió en un referente de la música pop a principios de los 80, alcanzando la cumbre de la fama dentro de su género. El grupo llamada la atención, además, por su "bellezón" que además era la vocalista. "Heart of Glass" (clic) fue la canción estandarte de Blondie que llevaba en sus comienzos, aunque luego popularizara y convirtiera en un éxito fulgurante a finales de la década de los 70 y que consagrara a Debbie como la diva de la canción disco-pop de los 70, además, como ya decía, de la guapa vocalista de la banda. Sin embargo, el declive del primer auge de la música disco en los 80 llevó a la caída y disolución de la formación antes de mediados de la década. Muchos más años después, en el 98, los cuatro miembros fundadores de Blondie decidieron reunirse para grabar su álbum "No exit", previo lanzamiento de su single "Maria" (clic), y cuyo título les llevó de nuevo a las listas de éxitos. Del grupo "Blondie" puede decirse que ha sido el único grupo musical que ha conseguido números uno en tres décadas consecutivas. Y de la canción "Heart of Glass" tengo una de las referencias más significativas y nostálgicas para trasladarme al recuerdo de aquellos años 79-80, en que la música disco eran una novedad cuyo mensaje musical llegó a convivir con nuestra forma de vida de entonces.
  

"Bette Davis Eyes" fue una canción que caló con la personalidad
de estilo de Kim Carnes.

Kim Carnes y "Bette Davis Eyes" (clic), Una cantante con carisma musical y una canción que definió todo un género en la música disco para toda un década. Incluso se dice que fue una canción emblemática para la generación de aquella década. Lo cierto es que "Bette Davis Eyes" fue una canción que identificó a Kim Carnes, pues a través de ella se proyectó un perfil musical que influiría en los 80, que aún seguía impregnada por el estilo de la década anterior. Kim Carnes, cantante y compositora californiana, bien conocida por su distintiva voz ronca que ella misma atribuía a las muchas horas dedicadas a cantar en bares y clubs llenos de humo, rasgo con el que más tarde sería conocidos Rod Stewart y Bonnie Tyler. Carnes procedía de un grupo de los 60 que lideraba el cantante country Kenny Rogers y con el que volvió a formar un dúo en 1980. El exitoso tema fue número 1 en las listas de canciones más importantes del mundo durante 9 meses en 1981. Fue uno de los mayores hits mundiales de la década de los 80 y su single el más vendido del 81. La canción fue compuesta mucho antes, pero fue el arreglo musical con el sonido "disco" característico el que definiría esa década de los 80. Su estilo, como decíamos, marcó un género musical para aquellos años, ya con la expansión de los sintetizadores, teclados e instrumentos electrónicos que entonces se desarrollaban. Para mí, la canción representa una época de indelebles recuerdos y en la que yo entonces solo tenía 35 años. Aquella canción y su ritmo, sin saber lo que la letra decía "pegaba" en nuestra forma de evadirnos, en nuestras ilusiones e inquietudes y de tal manera que nos transportaba a un éxtasis musical absolutamente natural y sin "añadidos", ni de sustancias ni de otros excitantes. Era solo una combinación de música y "dance" en su estado puro.

  

Es la portada del single de Tina Charles y que aún
conservo entre mis vinilos. Un clásico del "Disco-70"

Y... ¿quién no ha escuchado alguna vez “I Love to Love”? ...aquella canción que no dejó de sonar durante casi un año, entre el 75 y 76. Su intérprete fue Tina Charles, la cantante inglesa que en el 1975 llegó a ser la primera “reina de las discotecas”, mucho antes del éxito del “Bette Davis Eyes”, de Kim Carnes, cuyo referencia aparece anteriormente en este mismo articulo. La cantante británica sorprendió a la crítica musical de entonces. Su primer trabajo se sitúa en 1969, como vocalista de coros en el primer disco de Elton John, cuando éste era absolutamente desconocido, y fue entonces la ocasión en que se descubrirían las dotes de la voz de Tina. Después, abandonaría este grupo al comprobarse que tenía mucho más talento que la propia cantante solista de esos coros, siendo rescatada por un famoso productor de cine que la promocionó con solo la edición de un single. (clic en el título).

  

Suzi Quatro, la primera mujer bajista de la historia del pop.
Dicen que fue la Janis Joplin de la música disco, entonces.

De Tina Charles puede decirse que comenzó a cosechar algunos éxitos durante los primeros años de la década de los 70, temas apenas conocidos. Sin embargo, ya entonces fue catalogada como una cantante de música disco que desataba el furor de sus fans en las discotecas. Lo cierto es que fue en el 1975 cuando llegó aquel legendario “I Love to Love” (clic), ésta, una versión live de una actuación en 1976. Como versión, también directo, ésta de “I Love to Love” (clic). Un hit definitivo que se incluiría en un single que permaneció en las listas como número 1 en el Reino Unido hasta el 76, aunque después vendrían otros que reunieron un magnífico álbum LP con temas que abundaban el estilo de esa “primera reina de las discotecas”. No olvidamos, por tanto, aquel otro "exitazo" que aparecía en la cara B del single, el "You sef my heart on fire" (Clic).

  

Así salían al escenario a cantar "Stumblin´In", acaramelados y
embelesados, todo un espectáculo para los asistíamos a verlos

Sin embargo, el esplendor de su carrera fue efímero, pues en el 78 su éxito comenzó a desvanecerse y su discográfica solo pudo reunir un “Greatest Hits”. Llegaría entonces el declive de la artista, ya que otras “reinas del disco-dance” comenzarían a apostar con más fuerza que la Charles, tales como Suzi Quatro, que ya había obtenido su mayor éxito en el 73 con “Can the Can” (clic) y que de vuelta al estrellato en la música disco consiguiría auténtica fiebre con aquel "Stumblin´In" (clic), de cuya actuación live en el vídeo vemos la complicidad sentimental que entonces existía entre ella y Chris Norman, que colaboraba en la canción. La traducción del título era "Tropezando", y eso es lo que hacían ellos con la mirada mientras se cantaban el uno al otro.

  

C.C.Catch y Chris Normal, en una gira de conciertos, durante
los años en que Suzi Quatro quedó eclipsada, se aprovecharon
de 

Más tarde sería la vuelta de las incombustibles Diana Ross, Gloria Gaynor, Tina Turner o Donna Summer. Incluso la innovación de estilos en música disco, como los de estrellas del pop más resurgente: Cyndi Lauper, Bonnie Tyler o la propia Kim Carnes, quienes destronarían definitivamente, tanto a Tina Charles como a Suzi Quatro, y de quienes ya hemos hablado en artículos anteriores. Mucho más tarde fue la holandesa C.C.Catch, mucho más conocida por su ostentosa anatomía que por su talento músico-vocal y que solía distraer por el 85 en las discos de lujo a su público entusiasmado con su belleza, quien llego hacer esta versión de "Stumbin´In", precisamente junto a Chris Norman, el que fue novio de Suzi Quatro. Sin embargo, a C.C.Catch no hay que quitarle el mérito como musicdisc-singer, como muestra el formato musical de aquel género que podría representar cualquiera de los temas hits de la década de los 80; "I can lose my heart tonight"  es uno de ellos, con su coreografía habitual, los teclados y sintetizadores de entonces y su sonido electrónico. Recordemos que más tarde le siguieron otras más discretas divas de los templos musicales, tales como Samantha Fox, Bananarama, etc. (Clic en los títulos).

  

Portada del single de "I Sing You a Love Song"

A Bonnie Tyler le tuvimos en una crónica de este blog en junio de 2012. Ahora la traemos aquí como una de las innovadoras de la música disco en los finales de los 70 e inicios de los 80. Esta imagen de portada de aquel nostálgica "single" del 78 (el que aún conservo en mi discoteca particular) está asociada a una vieja canción que incluí como "bis" final dentro de mi homenaje a "las 20 mejores canciones de la historia de la música": “If I Sing you a Love Song”. (clic en el título; impresionante la Tyler en el vídeo). Un tema que interpretaba Bonnie con la fuerza dramática de su voz, pero también con el sentimiento de su corazón.

  

Bonnie Tyler, la cantante galesa que en 1977 se convertiría en una estrella internacional del rock -curiosamente- a causa del problema de unos nódulos en sus cuerdas vocales y cuya operación no daría los resultados deseados. Aunque eso sí, su voz rasgada y ronca sería la característica más exclusiva y atrayente para su público, al que seducía con aquellos pasajes tan "desgarradores" de sus canciones. Lo cierto es que su voz cambió hace algunos años, después de someterse a otra cirugía, y la "limpieza" de su sonido vocal ya no sería capaz de fascinarnos como antes.

  

Son imágenes de Bonnie Tyler durante la actuación en que
interpretaba "If I sing you a love song"  en la UK TV en el
78, cuando por cierto tenía solo 27 años (y nosotros
teníamos algunos más; yo contaba con 32 años)

En cuando al tema “If I Sing you a Love Song” (clic) no era precisamente uno de sus poderosos rocks, ni siquiera una de las canciones más conocidas, pero era una excelente balada a la que Bonnie solía darle sentimiento y ella confesaba que le tenía mucho cariño. (A mí también, era mi canción favorita). Y quizá era el enternecedor mensaje de su canción lo que más le atraía a ella misma. Emocionante, cuando cantaba: "Si yo te cantara una canción de amor... ¿la recordarías siempre? ¿la escucharías en la soledad de tus noches cuando yo ya no estuviese? Y si yo te cantara una canción de amor, desde muy lejos, y tú no pudieras verme... ¿estarías conmigo, muy cerca y desde allí?". Pues esa era Bonnie Tyler; potente, impetuosa e irresistible en su rock, pero tierna, romántica y nostálgica en sus baladas.

  

Los Brincos formaron buena parte de nuestro
patrimonio musical en los 60, cuando la
competencia de la música anglo-sajona
aún no había llegado (inicios de los Brincos)

Y... por cierto ¿qué pasa con nuestro patrimonio nacional, no ya de la música disco, sino de la música ligera en general? Pues que realmente no fue todo lo brillante que hubiéramos deseado. La música anglo-sajona "se llevó el gato al agua" también en el panorama del dance en la discos, muy especialmente en la época de la moda del pop-dance de las discotecas. Sin embargo, últimamente hemos tenido artistas que, lejos de asumir su legítima interpretación de nuestro idioma, se ampararon en lo más fácil para hacer carrera: el inglés. Aquí, como es costumbre, no hay trabajo para la iniciativa musical y menos para los talentos. Y claro, para estos artistas, el éxito les llegó fuera de nuestras fronteras. Muchos de ellos, apenas les conocemos. Por poner un ejemplo y demostrarnos a nosotros mismos que también hemos tenido nuestra contribución a esa música, y lejos también de citar nombres sobradamente conocidos, prefiero referirme a nuevos artistas, nuevos creadores con repercusión más internacional. Así que, voy a referirme en este caso solo a tres nombres, tres mujeres desconocidas en nuestra música, pero que pueden ser todo un descubrimiento. Ellas son Célia Pallí, Anni, B. Sweet y Alba Llibre.

  

Célia Pallí, la joven del ukelele, interpretando "Voy a estar bien"
(en su salón, con su perro, su copa de vino y su ukelele)

Célia Pallí, la jovencísima cantante nacida en un pequeño pueblo de Girona, pero afincada en Canadá desde hace 6 años, se decantó por un estilo muy personal, con un toque étnico, porque no quería encasillarse en su papel de interprete de música comercial. Y es que a Celia le desencantó la fría comercialización de esa canción moderna que "no dice nada". Nieta de un músico de orquesta de pueblo catalán, tuvo que emigrar, como muchos de los talentos musicales de este país, a lejanas tierras. En su caso fue Toronto la ciudad canadiense que la acogió y la encumbró, convirtiéndola en una auténtica estrella de la música en América, por cierto desconocida aquí en España.

  

"I´ll Be Fine" es un tema que destila frescura y toda una innovación musical que aporta esta talentosa artista. La canción fue compuesta en uno de sus cotidianos viajes en el metro. Grabada en el salón de su casa, junto a su perro, con el solo acompañamiento de su ukelele con un resultado muy acústico. De su letra hay referencias a: "... llegar a casa para tomarse una copa de vino y olvidarse un poco de quien le ha hecho llorar". Porque... como dice el título: "Voy a estar bien... estaré bien". Esto es lo que ella confesaba a quien la entrevistó: "voy a estar bien y voy a ser feliz con una copa de vino, mi perro y mi ukelele". Otro de sus éxitos, una canción muy animada: "With Love in Our Eyes” (Con amor en nuestros ojos). (Clic en ambos títulos)

  

Anni B. Sweet, a la guitarra cantando a sus amigos y en ese
momento en que suele tomarse una infusión de tomillo
para cuidar su voz.

Anni B. Sweet, una malagueña de 28 años, aunque de nombre original Ana López, cantautora de indie pop, cuyas dotes artísticas para la canción salieron del Festival Internacional de Benicassim ha unos 6 años. Antes, había dado pequeños conciertos en salas de Madrid, allá por el 2008 y fue por entonces telonera del infortunado Antonio Vega. A finales del 2010 se lanza al mercado internacional y comienza sus giras en Francia, a las que le siguen Holanda, Suiza, Alemania y Japón. De su tercer disco, grabado hace un par de años extraemos este vídeo filmado en cámara de 360 grados que contiene "Chasing Illusions", un tema melódico pero con un estilo rítmico sorprendente y que nos dice: "No vayas detrás de algo que no puedes atrapar, no vayas mostrando algo que nunca tuviste. En días como éste, es difícil encontrar una salida". Mejor aún el tema “Take on me” (clic), su primer éxito, una versión más que melódico del hit de "A-ha"; vemos el vídeo en una interpretación muy acústica y en vivo, en la Plaza de La Alameda en Santa Cruz de la Palma, cuando solo tenía 22 años y antes de salir fuera de España. El tema de promoción que se hizo entonces de "Take on me" (clic) fue esta versión oficial, con el fondo de ukelele y una coreografía muy montada.

  

Alba Llibre, en una actuación en 2013 en Antena-3

De la morenita Anni, como anécdota, sabemos que para cuidar su voz suele tomarse infusiones de tomillo con jengibre, agua con limón, aunque (nos confiesa) que el limón suele comérselo a bocados. Y una frase que suele utilizar: "lo más importante para tener buen aspecto por fuera es, antes de nada, tenerlo por dentro; lo más importante para sentirse cómoda y bien, nada de modas para "disfrazarse" ni tonterías glamorosas".

  

De Alba Llibre sabemos muy poco. Que es catalana y que empezó a cantar a los 6 años, que tiene una preciosa voz, poca pero muy dulce. Y que a mi me llamó la atención por su increíble versión, susurrante y acariciadora de "Love me Tender". La anécdota, un tema muy al estilo de música de principios de los 60 que sirvió de cabecera para una serie de televisión titulada "Velvet" (clic en ambos títulos).

  

Christina Rosenvinge en la actuación de uno de sus conciertos.

Finalmente y por dejar una referencia de contraste con artistas que tuvieron que salir  fuera para darse a conocer, aunque pasándose al inglés, en la mayor parte de los casos, he querido poner el caso de quien, de ascendencia británico-danesa, se hizo famosa cantando en castellano. Me refiero a Christina Rosenvinge, una madrileña de 52 años, aunque de padres daneses, inició su carrera musical en los 90 con Los Subterráneos. Hace un año presentó su noveno álbum de estudio; un trabajo muy elaborado, muy sorprendente y divertido, tal vez muy diverso y ecléctico, pero sobre todo muy "rosenvinge". Sin embargo, me quedo  con un tema que siempre me fascinó: "Alguien que cuide de mí". Dice Christina que "la mayoría de los hombres no entienden a la mayoría de las mujeres, mientras que la mayoría de las mujeres sí entendemos a la mayoría de los hombres". Pues una de esas divertidas canciones es "La distancia adecuada". Y una versión tierna y dulce de "Alguien que cuide de mí" (clic títulos) es la que reproduce este último enlace.

  

En los últimos años, Rosenvinge ha depurado su estilo y se ha convertido en una exquisita cantautora que ha navegado entre el indie, el pop y el rock. Dice cosas muy interesantes cuando la entrevistan, como cuando por alusiones, respondió "la arrogancia de creer que sabes es una forma de estupidez, pues es fundamental darse cuenta de que nunca sabes lo suficiente y menos cuando te dedicas a este difícil oficio de la canción y la composición". Una anécdota, que no le gusta que la llamen "la musa indie", ni mucho menos "la rubia danesa".

  

Natalie Imbruglia, en un concierto hace unos 20 años

Y después de un inciso en el que nos hemos detenido en algunas de las intérpretes de nuestro panorama de la música vocal, buscando solo lo que podrían ser nuevos descubrimientos y lo que ya fueron en su día, volvemos a las estrellas internacionales de la canción; unas que estuvieron en el homenaje de "la canción de la semana", otras que lo fueron en el club virtual "Blues Carichi", el que suelo publicar en Facebook.

Natalie Imbruglia , la actriz y cantante australiana, aunque de padre siciliano, nacido en 1975, inició su carrera con el tema “Torn”, en un primer sencillo que publicó en 1997 y cuya versión oficial, la que sirvió para promocionar a Natalie, con un montaje excepcional, ha tenido más de cien millones de visitas. Ha publicando desde entonce 5 álbumes hasta el 2015, año en que editó su último trabajo. La muestra de su trayectoria la he querido resumir con estas dos canciones: "Torn", en este caso vemos una versión de una actuación en directo hace ya 20 años, y "Identify", un tema que formó parte de la soundtrack de "Stigmata" y que a mí siempre me cautivó, muy especialmente con las imágenes de erótica belleza del vídeo. (Clic en los títulos).

  

Lene Marlin en una imagen de sus comienzos en el 99.

Lene Marlin, cantante noruega nacida en 1980, se da a conocer con su sencillo "Unforgivable sinner", un éxito de 1999 que consiguió mantenerse en 8 semanas en las listas de éxito europeas, aunque su auténtico hits fue "Sitting down here" (clic). Ha publicado 4 álbumes, aunque sólo el primero llegó a ser un superventas, el que incluye los dos temas anteriores. La anécdota de Natalie y de Lene, que ambas fueron musas musicales de mi hijo Ángel, y que recuerdo haber escuchado cientos de veces aquellos dos primeros de las dos artistas.
  

Portada del single con aquel inolvidable "Find my love".
Aún lo conservo junto con otro montón de aquellos 70-80

Eddi Reader, la vocalista de aquel grupo escocés  "Fairround Attraction", de finales de los 80 que nos hizo las delicias con aquella pieza rítmica tan seductora titulada "Perfect", aunque fue "Find my love" (clic) el tema que me dejó el mejor recuerdo de entonces, porque se convirtió en un reclamo para los que acudíamos entusiasmados a los "templos de la música-disco" de entonces. Por cierto, aquella chica divertida, Eddi, hace ya casi 30 años, se dedicaba entonces, a sus 28 años, a subir a los escenarios para tocar su guitarra, bailar y bailar y bailar, buscando... "encontrar el amor". Se convirtió en "Atracción de feria", pues así se llamaba el grupo, y su estribillo llegó a atraer a muchos de nosotros. Eddi nos canturreaba, junto con los amigos de su banda, que se sentía "loquita, loquita", y decía que "en noches como ésta tiene que haber alguien para mi, que me dé su amor". Y tal y como se mostraba en algunas de sus actuaciones, pedía al cielo, de rodillas... "Encontrar mi amor" (clic para una de sus primeras presentaciones de la banda). Fabulosa esta versión acústica y "live" de Find my love, o esta otra en la que solía gritar "¡escuchadme! ¡estoy buscando encontrar mi amor!" (clic títulos).     

  

Eddi Reader, en plena actuación en uno de sus conciertos.

Eddi Reader, la vocalista de aquel grupo escocés "Fairground Attraction", de finales de los 80 que nos hizo las delicias con aquella pieza rítmica tan seductora titulada "Perfect", aunque es "Find my love" (clic) la que quiero recordar de entonces. En esta ocasión, la he recuperado como la dama de la ilusión convertida en libélula, pues “Dragonflies” es el tema en el que Eddi nos canta "un día lejano y perdido" y a "un sueño que se disolvió en el cielo azul de una mañana, como desaparece esa libélula que escapa de nuestro corazón, humilde y frágil, que no pudo retener más la ilusión" Y nos recuerda que esa libélula "vuela y vuela muy lejos, hasta los confines del paraíso de los sueños". (Clic los textos de la canción). Una canción que a mi me recuerda, no solo a los aires celtas del folk irlandés, sino al toque mágico de un vals que mezcla la influencia griega y el guiño nostálgico del acordeón, ese que nos trae... ¡tantos recuerdos! Por cierto, en un concierto muy reciente en Belfast, una versión live muy acústica de “Dragonfly” (clic) que me encanta. Finalmente, no podía dejar de referirme a esa versión quizá algo melancólica que hizo de Moon River (clic), como homenaje a Audrey Hepburn.
  

Richard Hawley tocando una de sus "Rickenbacker"
en plena actuación.

Richard Hawley, cantante británico, uno de esos "songwritters" de nuestra era que tanto nos recuerda a los registros de Roy Orbison o al guiño interpretativo de Ricky Nelson, quien -para empezar- nos sorprende con una canción llamada "The streets are ours tonight" y en la que nos dice que... "tu corazón se llena de luces y su destello no es una mentira, por eso esta noche, ahora que empieza el otoño las calles son nuestras". Maravillosa y nostálgica la versión improvisada y acústica de "The streets are ours tonight" y en la que nos sigue diciendo que "tú tienes sentimientos en tu corazón, pero hay gente que no tiene nada en sus almas", que "se dejan cegar por la visión y la mentira de la televisión". Y añade "pero nosotros, querida mía, sabemos matar la soledad, sanar nuestra desesperación y hacer de las lágrimas cosas del pasado". (Clic en título).

  

Hawley con otra de las guitarras Rickenbacker de su colección.

En cuanto a "Born under a bad sign", se trata de un precioso tema en forma de balada que viene a decir: "Es inútil buscar la suerte cuando siempre te vuelve la espalda / Nacido bajo un mal signo, pierdes el tiempo mirando las líneas del futuro". Y Richard Hawley añade: "mejor dormir hasta muy tarde, en la noche, tocando la guitarra, hasta que llegue la esperanza con la que soñamos". Hawley ha editado 6 discos entre el 2001 y el 2012. Me quedo con ese título: "Esta noche las calles son nuestras", versión live de "Tonight the streets are ours" en un concierto celebrado en Londres en 2012. (Clic títulos)   

  

Cat Stevens interpretando "Morning has Broken"
en 1976

Cat Stevens, compositor y músico británico, hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota, con actividad conocida desde el 66 al 90.  Su nombre Cat surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato. Desde muy joven tocaba en los cafés y pubs locales. Enfermó de tuberculosis y su convalecencia le hizo llevar una vida de meditación, lo que le ocupó en escribir más de 40 canciones, publicando su primer trabajo en 1970 y manteniendo su carrera discográfica con discos muy elaborados y con magníficas presentaciones en sus portadas hasta 1977 en que se convierte al Islam. Alejado de la música se dedica a hacer obras filantrópicas, como las que le llevaron a fundar varias escuelas musulmanas. En 1995 vuelve a la música, pero solo para promover su religión y a partir del 2000 reanuda su nueva y casi desconocida producción discográfica.

   

Morning has broken (“La mañana ha roto”) quizá es su tema más conocido. Está basado en un himno religioso publicado en 1931, que se cantaba como canción de Navidad con el nombre de “Niño en el pesebre ” y de un viejo poema infantil llamado “Las campanas de los niños”. Stevens incluyó la canción en su álbum "Teaser and the Firecat" que publicó en 1971, con una estructura musical que arregló al piano acústico, nada menos que Rick Wakeman.

  

Cat Stevens, a la guitarra, en una de sus típicas posiciones,
cuando actuaba en público.

"Morning has broken", para mí, es una vieja melodía de hace más de 40 años tras la que veo recuerdos de "aquellas escenas" de un pasado nostálgico, pero que, ahora cuando la escucho, vuelve a decirme lo mismo que me dijo entonces; que "una mañana de otoño hace renacer la esperanza del nuevo día". Es una canción que tiene mucho que ver con el mundo de los niños, del que Stevens tan estrechamente se hallaba ligado desde que grabó su versión en ese álbum a que me he referido. Mantiene un esquema que se repite con el intervalo del estribillo musical del piano, pero la intensidad que le da su estilo de cántico, como acogida de celebración al amanecer de la vida, le da una solemnidad musical muy especial. La letra, como decía, describe que "la mañana ha roto, como si fuera la primera mañana. Dulcemente, la nueva lluvia de otoño, iluminada por el sol naciente, hace renacer la esperanza del día, el mirlo es el primero que le canta. Bienvenida la caída del primer rocío en el campo, bienvenida la luz del día y el renacer de la esperanza en el mundo”.
  
La anécdota, que no dejo de sorprenderme, cada vez que cojo del estante uno de los álbumes de Stevens, la inestimable calidad de impresión en las ilustraciones y de las portadas y en el texto de sus libretos, y también el buen prensado del vinilo. Y finalmente, es obligado citar la espléndida versión de “Morning has broken” que hizo Ark Garfunkel con Diana Krall, además de tener en cuenta que se publicaron muchas otras, como la de Judy Colins o la que lanzara el mismo Rick Wakeman en el 2000 como una versión instrumental para su álbum con el mismo título. (clic en los títulos)

  

Es una imagen de Clapton, quizá de hace casi 40 años.

Es el momento de hacer tres referencias de lujo. Algunos de mis espacios musicales ya las acogieron. Éstas son parte de mis últimas publicaciones. Eric Clapton y Mark Knopfler, por el blues-rock y el rock, respectivamente y Diana Krall, por el jazz vocal.

  

Eric Clapton. Lo tuvimos en una entrega de mis "crónicas" en mayo de 2012, aunque también en los prolegómenos de este mismo artículo. Volvemos a encontrarnos con él ahora, al recordarlo hace algún tiempo con ocasión de la presentación de un álbum que publicó en 2013, el titulado "Old Sock", y en el que a través de uno de sus temas cantaba a la esperanza, esa que uno mismo quiere construir; quizá también a la reconciliación buscando los valores de la lealtad, cuando se entiende haberse envuelto en la traición. El tema es "The Folks Who Live On The Hill" y se incluye en el vídeo que contiene el álbum completo, aunque haciendo clic en el enlace comienza en el inicio de esa pista.

  

El ex-beatle George Harrison y Eric Clapton, inseparables
amigos que compartíán... demasiado

Eric Clapton, el icono "bluesrocksinger" más carismático que he tenido, mi admirado maestro de la guitarra, del Rock y del Blues, que cumple ahora a finales de marzo 72 años (dos años más que yo). Por cierto, los dos tenemos en común... tal vez, algunas cosas. Él, enarboló una Fender Stratocaster hace ya casi 40 años y la convirtió en leyenda, pues algún tiempo después, la primera de esas guitarras con la que hizo famoso su tema "Layla", se la regaló a su amigo George Harrison, (supongo que para reconciliarse con él, porque le había quitado la mujer). También, yo recibí de mis amigos "con alma sensible" una Fender Stratocaster, el día que organizaron y celebramos mi despedida, aunque no pude tocarle a "mi Layla" mi tema favorito, ni tampoco conseguí ninguna leyenda. Bueno, es una anécdota.

  

Imágenes de los dos momentos en que los amigos Harrison y
Clapton comparten el momento en que se casan con la misma
mujer; en el 66 con Harrison, en el 77 con Clapton.

Y es que del amigo Clapton, muchos sabréis que Patty, la mujer del beatle Harrison, tuvo una crisis sentimental con él y que fue a pedir consejo a Eric, como amigo de ambos, y lo que ocurrió fue que éste sucumbió a los encantos de Patty (que al parecer eran muchos); él la consoló, ella le correspondió y se echó en sus brazos. Pero, según se dijo entonces, todo fue un tonteo de la chica, un breve romance, porque ella volvió con George. El caso es que Eric se había enamorado, se quedó triste, solo, desencantado, derrotado. Después, se entregó a ponerle música a un viejo poema árabe, le cambió parte de la letra, "escondió" el nombre de su amada y le llamó Layla (clic en el título, que reproduce la actuación en el Madison Square en el 1999). Es quizá la canción más conocida del artista y la que mejor le ha identificado siempre.

  

Dos instantáneas en las que aparecen Mark Konpfler y Clapto,
durante una actuación en un célebre concierto que dieron.

Después de aquello, Clapton se entregó a la heroína, y eso fue lo peor, porque a partir de los algunos años, y aunque en 1979 Eric y Patty se casaron, separándose al poco tiempo, él no tuvo más que contratiempos y desgracias, como aquella de la trágica muerte de su hijo, o la terrible soledad que le persiguió años después, incluso el sentimiento de culpa por muchos de sus errores cometidos. Parece que en los últimos años consiguió la reconciliación que buscaba y que hemos visto en muchos de sus más recientes trabajos musicales, además de en los conciertos que ha celebrado por todo el mundo.

  

Es una imagen reciente de Eric Clapton, en su actuación en uno de sus último
conciertos. No hay duda, visible en el clavijero de la guitarra, se trata de
una Fender Stratocaster.

A Eric Clapton solo le salvó la genialidad de su inspiración en el "rhythm and blues", la originalidad de sus interpretaciones, de su virtuosismo con el punteo de la guitarra y del alma que le ponía en las actuaciones de sus conciertos, aunque luego él mismo reconociera que era un compositor mediocre. Como también le salvó, ya en la última etapa de su carrera, su retiro y reflexión sobre los errores del pasado. y siempre en colaborar en fundaciones de apoyo a los adictos de la heroína, que fue el peor de sus males. Así, Eric Clapton comienza a creer en la esperanza, que es en lo que muchos de nosotros hemos terminado por creer, y nos recuerda con esta canción, "The Folks Who Live On The Hill" (clic en el título), que"Algún día vamos a construir una casa en una colina alta, y tú y yo estaremos encantados, y tendremos una vista maravillosa; la gente, el mundo, y nos sentaremos en nuestra terraza y esperaremos... ese momento". Excelente el tema "Angel" con el firmé mi último guiño de complicidad con él, en esa última crónica en que me referí al maestro Clapton, cuando presenté su magnífico álbum "Old Sock".

  

Duelo interpretativo entre él y Mark Knopfler, entre dos de sus
Fender´s. ¡Ya hace unos años! Por cierto, hay que ver qué bien
vestía Eric en los escenarios, dentro de lo que cabe, claro.

La anécdota final, aunque ya la conté en anterior ocasión, está relacionada con su apodo "Mano lenta". La verdad es que uno de sus primeros álbumes, en el 77, se titulaba "Slowhand" ("Mano lenta") y que el virtuosismo con sus dedos para tocar las cuerdas de su guitarra le ayudó entonces al reconocimiento de su título, como un gesto de admiración a su maestría cuando interpretaba las filigranas de sus punteos. Sin embargo, sus amigos más cercanos aprovecharon la ocasión de una costumbre que todos conocían; y es que era el último en sacar la cartera para pagar las invitaciones y las copas, por lo que le criticaban, de forma amistosa, que tenía una "mano lenta" para pagar.

  

Y el broche final de este pequeño homenaje en mi crónica a mi ídolo "el maestro del blues-rock, pues... no podía faltar uno de sus bis "estandarte" que dedicaba en los finales de sus conciertos; y es uno de los temas por los que él mismo siente un gran cariño, porque le trae viejos recuerdos, según el mismo contó una vez: “Wonderful Tonght”. (Clic) 

  

Mark Knopfler en una actuación con su bandea Dire Straits y en la que
también interviene su compañero y amigo Eric Clapton.

Los Dire Straits tuvieron un encuentro en una entrega de esta crónica musical en mayo de 2012. Mark Knopfler estuvo en nuestro homenaje a "las canciones de mis tiempos" para referirnos también a su genialidad como autor y compositor, como intérprete, pero también como icono representativo de los nostálgicos conciertos de rock, al igual que su amigo Eric Clapton. Tuvimos entonces dos de sus mejores y emblemáticas referencias: "Why Worry”  una magnífica versión con Everly Brothers y Chet Atkins y "Brothers in Arms", la versión de uno de sus conciertos del 92. (Clic en los dos títulos).

  
Mark Knopfler. Nueva cita aquí con uno de los compositores, productores musicales y cantantes de rock más serios y coherentes de la historia de la música. Un músico muy prolífico en cuanto a sus incontables trabajos discográficos, álbumes de conciertos, de estudio, música para bandas sonoras de cine, la última, la española "Altamira" en 2016. Su última gran gira de conciertos, en el 2013. "Tracker", su último disco grabado en 2015. Al parecer está trabajando en nuevo álbum.
  

Knopfler tocando una de sus Gibson Les Paul, con su técnica
de interpretaaci

Mark Knopfler. Su anécdota: es zurdo, como McCartney, aunque diestro para tocar la guitarra, curiosamente con una técnica complicada que consiste en pulsar las cuerdas con la mano abierta, prescindiendo del uso de la púa, y que podemos comprobar en esta versión de "Why Worry" (clic). Tiene una valiosa colección de guitarras, siendo la Gibson Les Paul con la que más trabaja (como tuvo Eric Clapton (antes de que éste la vendiera en una subasta para recaudar fondos para beneficio de un centro de rehabilitación de alcohólicos y drogadictos), .
  

Era por el 92, en aquella gira de leyenda de Dire Straits,
John Illsley, el bajista, y Mark Knopfler, exhibiéndose. 

El tema que traigo hoy a este tributo musical es "Ticket to Heaven" (Billete para el cielo) (clic), una de las canciones que aparecían en el último disco de Dire Straits, allá en el 1991. Recordemos que la banda después se separaría. Y aunque la producción de Mark Knopfler sería inagotable y sus composiciones no dejaría de ser "de lo mejor" de lo poco que queda del rock actual, el encanto de ese estilo con un sonido tan "direstraits" no sería lo mismo. Incluso las baladas como este "Billete para el cielo" tenían algo que ya no se encuentra en el buen rock de hoy día. Tal vez... soy demasiado sentimental. Precisamente, recuerdo muy bien aquel concierto en el Calderón, en Madrid, en aquella última gira mundial del legendario grupo. Fue algo soberbio, increíble, fantástico, no podría encontrar adjetivos para ensalzar la magia de aquellos conciertos de Dire Straits, porque sin llegar a ser grandiosos espectáculos, como los que, por ejemplo, nos ofrece Rolling Stones, o el propio Springsteen, aquello era... "música y canciones para la eternidad", porque tenían todos los ingredientes de una completa antología del rock.
  

John Illsley, Mark Knopfler y Phil Palmer, en primera línea y en
plena actuación en uno de los conciertos de Dire Straits.

Por cierto..., inolvidable aquella noche, cuando finalizaba el concierto y Madrid quedó embrujado con la apoteosis final del "Local Hero" (clic), Ésta, precisamente ésta, fue la última pieza, lo sabemos quienes fuimos fieles seguidores de los "Dire Straits", la que  siempre interpretaron en sus últimos y definitivos conciertos de la banda. Y creo que este otro vídeo con ese mismo tema, titulado "Going Home" (clic), de un concierto en Sydney en el 85, es uno de los que conserva quizá mejor el encanto del aparato y delirio de los finales de aquellos eventos musicales de entonces.
  

Mark Knopfler, en pleno concierto, en esta ocasión, con una de
sus Fender Stratocaster

Mark Knopfler, en la letra que ponía a su música, tenía también mucho de poesía y de mensaje. La del "Ticket to Heaven" (clic) venía a decir: "Tengo un billete para el cielo / tengo ya el viaje para llegar al paraíso / Doy lo que puedo al hombre del anillo de diamantes / son los designios del cielo que me han enviado a la eternidad para salvar a los niños pequeños de un país pobre / Ya no me queda nada para lujos / pero el Bueno Dios proveerá, sé que lo hará / Así que da tú también lo que puedas al hombre del anillo de diamantes.
  

También los artistas de la música, incluso del rock, tienen su
toque sentimental. En la imagen Knopfler y Clapton, en pleno
concierto, aquel histórico "Tributo a Nelson Mandela" del 88,
en un gesto de complicidad de saludo afectuoso.

Y como suelo decir siempre, soy un sentimental,... un nostálgico. Porque..., buen año aquel del 92, buenos recuerdos, buena música y el mejor concierto de rock de mi vida, aquel de Dire Straits. El concierto del Calderón no está; pero dejo aquí, para mi propio disfrute (que me gustará ver en alguna ocasión) los enlaces con otros de los recitales que el grupo dio en la misma gira, en aquel mismo 92, y que terminaron con la de "Concert Les Arénes, Nimes, France". Otros conciertos fueron los del "Wembley Arena" del 85, o el "Tribute Nelson Mandela", con Eric Clapton y también en Wembley. (Clic títulos conciertos).
  

Julie London y su orquesta, painted by Jo King

Y bueno, pues... antes de dar por terminada esta crónica, necesitaba recordar que en febrero de 2016 publiqué en este mismo blog la quinta parte de lo que entonces yo llamé "las canciones de la semana" y tomando siempre como referencia a "la música vocal de mis tiempos". Había terminado el artículo con dos clásicos del jazz vocal. El primero estaba dedicado a una de las precursoras del jazz melódico, antecesora del estilo de Diana Krall y de la voy a tratar ahora; ella era Julie London. El otro clásico, más actual, una de las damas más selectas del soul y de nuestro jazz contemporáneo; la infortunada Natalie Cole.

Natalie Cole, painted by Jayne Kennedy

Lo cierto es que habíamos quedado pendiente, aunque ya la habíamos mencionado en algún otro artículo anterior, una de las referencias más imprescindibles de ese jazz vocal que tanto se extiende actualmente y desde hace ya unos años. Hablamos de "la rubia del jazz" o "la estrellona", como algunos forofos del género, quizá de una forma más frívola la llamamos, eso sí, con cariño y con todo el respeto que se merece su trabajo. Estamos hablando de la rutilante y cautivadora estrella del Jazz... DIANA KRALL, de su voz sugerente y sensual.

Portada de uno de los primeros discos de Diana Krall

Diana Jean Krall, pianista y cantante de Jazz. Nacida en Canadá en 1964 y educada en un ambiente de pianistas de jazz, empezó a tomar clases de piano a los 4 años. A los 15 tocaba en algunos restaurantes de Vancouver y a los 17 fue descubierta por el bajista Ray Brown (ex-marido de Ella Fitzgerald), impresionado por su talento. Éste le propuso ser su mentor y manager, Krall aceptó y ésta consiguió abrirse camino en uno de los más difíciles mundos de la música: el del jazz. Poco más tarde, Diana se mudó a Los Ángeles, en donde comenzó ya a cantar, perfeccionando su carrera bajo la tutela del pianista Jimmy Rowles. En 1990 se mudó a Nueva York en donde ya formó su propio trío y publicó su primer disco. Desde entonces y tras editar su prestigioso álbum "Love Scenes", su carrera comenzó a ascender tan vertiginosamente que no tardó en situarse entre las más grandes figuras del jazz de todos los tiempos, hasta el punto de que, hoy en día, Diana Krall es autora de 15 álbumes grabados entre el 1993 y el 2015 (22, incluidos los recopilatorios) y la artista más premiada de su género.

  

Es la imagen de portada del LP "The Look of Love", sugerente,
sensual, casi erótica, no por el mensaje de la misma imagen,
sino por la música de la voz de Diana Krall cuando la escuchamos

Una vez más, como ya hice aquí en otro artículo, de Diana Krall, y para comenzar, voy a referirme a la fascinación que me transmiten, además de sus canciones, su interpretación, su sentimiento, el arrullo de la calidez de su voz y la sugerencia sensual del mensaje de su rostro, a la vez de cuanto nos comunica con esas palabras musitadas con las que nos acaricia, envueltas en su música. Pero también de esa sugerencia tan cautivadora que nos trasmite su mensaje musical y visual, y que nos muestra precisamente en el playlist de este disco cuya portada es la imagen de al lado. Es lo que comprobamos aquí, haciendo clic en los enlaces, algunos de los títulos de ese álbum grabado en 2001 y titulado "The Look of Love", tales como "S´Wonderful", "I Remember You", "Bésame mucho", "Love Letters" y "Cry Me A River" (ambos de un concierto en el Olympia de París en el 2001), (clic en títulos). Y ello, sin olvidar el disco anterior, el sexto de su producción, del 1999, con el que consiguió un "disco de platino" y un Grammy.
   

La veíamos así en el escenario en el último concierto al que
asistimos, como una estrella más cercana que la primera vez
en Vitoria. Eso sí, nos sorprendió cuando todo el escenario
se llenó de color azul; era como si "la estrella Diana"
buscara lucirse más en los cielos azules de su música.

Precisamente, de este álbum titulado "When I Look In Your Eyes", para mí creo que el mejor, extraigo (clic en los enlaces en los títulos) tres de sus mejores temas. En "Let´s Face the Music and Dance" contemplamos a una elegante y precisa actuación de la Krall. En "He got you under my skin" (clic), la calidez y la voluptuosidad de su voz. Y en "When I Look in Your Eyes" (clic), su sugerencia nos lleva a sumergirnos en el hermoso mensaje de amor que nos transmite, siempre con ese erotismo subliminal que la caracteriza y que en esta canción nos lo describe así: "Cuando miro en tus ojos / veo la profundidad del mar / la profundidad del amor / Veo la suavidad de la luna en tus ojos / veo el brillo suave de las estrellas / Me gusta el mundo que tus ojos rebelan / y me gusta pasar los años en tus ojos". Y... "Me gusta mirarme en tus ojos", decía Diana.

  

Así era Diana cuando la vimos en Vitoria
en el 2003, tímida, huidiza, se escondía
tras su rubia melena para que no
viéramos su rostro.

Para mí, quizá los temas más clásicos de su repertorio, los que interpreta en versiones orquestales, son los que mejor me transmite lo que yo ya he denominado "erotismo subliminal" y que tanto desprende nuestra Krall en sus canciones. Y entre esos clásicos, aunque en esta ocasión sin apenas apoyo orquestal, está una de mis piezas favoritas, ya en  una interpretación muy vieja, del año 96, el "Boulevard of Broken Dreams" (clic). Impresionante cuando nos dice: "Camino por la calle de la tristeza / El boulevard de los sueños rotos / Aquí es donde siempre me encontrarás / siempre caminando arriba y abajo". La pena es no encontrar la espectacular interpretación que hace ahora de este tema; la vimos en su actuación en Madrid, en la gira del 2015, y fue impresionante.

  

De un concierto en Viena en el 2010, "Temptation", un tema original de Tom Waits.  Del álbum "Quiet Night", el tema "So Nice", en una actuación en Río en el 2009. De su último disco, el que dedica al recuerdo de la música pop de las pasadas décadas, y que ella titula "Walflower", extraemos "Sorry seems to be the hardest word", una soberbia interpretación basada en una romántica canción de Elton John y que aquí grabó para la televisión francesa hace un par de años y antes del lanzamiento del álbum. Vemos en el vídeo a Diana mientras nos susurra: "Lo siento... las palabras son lo más difícil para decirte a ti... ¿qué tengo que hacer para me ames? ¿qué tengo que hacer para que me tengas en tu corazón?" (Clic en los títulos)

Diana aparece así de seductora en la portada de este disco,
en el que "nos susurra con el erotismo de su voz, nos turba
con la insinuación de su mensaje y nos fascina con los
secretos que nos transmite su música, la que llevamos
desde la calidez de su tentadora imagen hasta los
colores azules que se esconden en nuestros sueños"

De su álbum "Glad Rag Doll" del 2012 extraigo una pieza melódica con la que la cálida voz de Diana nos acaricia el alma. Se trata del tema "Prairie Lullaby" (Canción de cuna) (clic título), en un vídeo que yo mismo edité como homenaje a mi muy querida "estrellona". La canción está basada en un canto popular muy antiguo y en la versión original que nos dedica Laura Veirs (clic en su nombre), y compuesta para arrullar aquel niño que escribió su carta a los Reyes Magos en su deseo de paz y felicidad para los que la necesitaban y de una rosa de reconciliación para quienes habían sido malos, porque no quería que les trajeran “carbón”. Una vez más, Krall nos envuelve y nos cautiva con la música de su voz y con la sensación de placidez que nos regala su interpretación. Y si nos adentramos en el contenido de su letra, en el mensaje del contexto de ese canción de cuna, sentimos que "nos canta a esas sombras que se arrastran lentamente por el sendero que conduce a la pradera y nos recuerda que cuando aún todos duermen, el ruiseñor, allá arriba, casi en el cielo, despide a la luna y a las estrellas, les dice que se escondan, porque él debe cantar con su bienvenida a la mañana que será la puerta esperanzada del día".

  

La Krall en plena actuación en el "Barclaycard Center" de
Madrid en septiembre de 2015 (nosotros hicimos esa foto),
interpretando en un alarde de sentimiento (estábamos muy
cerca de ella) el tema "Sorry seems to be hardest word"

Hace algún tiempo, decía en un artículo que escuchando a Diana Krall, además de transportarme a ese universo maravilloso que oculto en lo que yo llamo “mi café de París”, su melodía viene a transmitirme algunos de esos mensajes que necesito para recomponer mi alma ensoñadora. Casualmente, en este “Prairie Lullaby” (clic en el título), encontré esa canción de cuna con la que, al escucharla en el preludio de mis sueños, pude entregarme a ese estado sereno y esperanzado que me transmite... aquello (disculpad que vuelva al texto de su letras)... "que el ruiseñor, testigo del alba, vigilará con su canto que la luna y las estrellas aguarden detrás del día para volver a iluminar la noche, porque él representará la ilusión con la que soñamos para que la mañana nos traiga el buen y feliz día".
  

Contraportada del disco "The Look of Love", unos de los álbumes
más sofisticados de la Krall, como sofisticada la vemos en esa
imagen que combinaba con la elegancia sensual que envolvía,
más que lo que mostraba, lo que sugería o insinuaba.

A Diana Kral tuvimos ocasión de conocerla en un primer encuentro, mis amigos y yo, en el 2003, en el Jazz Vitoria. Entonces la vimos, quizá un tanto tímida, escondiendo su rubia melena tras aquel impresionante piano, como si no quisiera que la viéramos. Entonces nos empezó a cautivar con cada una de sus canciones y con aquel mágico secreto que escondía y que descubrimos en la insinuación de su voz. Y en ese último concierto de hace un par de años, en el que la vimos en el "Barclaycard Center" (The Box) de Madrid, la encontramos como mucho más profesional y artista, en cuanto a su absoluta entrega al público. En el breve artículo que escribí entonces, dije de ella: "Improvisada, pero rigurosa, ocurrente y con sentido del humor, entregada a su público y, con sus músicos, discreta y respetuosa. Diana Krall nos ha demostrado que es una tentación en cuanto a los secretos de su voz". Finalmente y después de escuchar muchas de las canciones de sus álbumes, y el susurro mensajes como "¡Qué tengo que hacer para que me ames!" o "Me gusta mirarme en tus ojos y vivir mi vida en ellos", supe entonces que su música... llega al corazón.
  

Y cuanto al resto de tantos y tantas que faltan; estrellas, tanto las de antes, como  las de ahora, las que no llegaron o son anónimas, y otras que se olvidaron... indudablemente, habrá que dejarlas para un apéndice que incluiré como anexo en este post o en otra próxima publicación. Sin embargo, para no caer entonces en el olvido y para ser respetuoso con quienes no están aún, quedando clara la intención que tenía de incluirlos, pienso que lo mejor es hacer una referencia de todas y todos, al menos de quienes ahora recuerdo. Quizá, en su momento, serán algunos más de esos artistas que quedaron pendientes, cuya referencia será un honor incluirlos aquí.

Stevie Wonder, uno de los imprescindibles que dejaremos
para ese apéndice musical con que cerraremos la crónica.

Entre las viejas estrellas aún por invitar: George Harrison, Stevie Wonder, Chris Rea, Don McLean, Santana y Robbie Williams. Recuperaremos, una vez más, a Creedence, Sting, Madonna, The Corrs, Sheryl Crow, Chicago y otros. Haremos honor a alguna de la estrellas del pop actual, tales como Adele o Taylor Swift. También un repaso de las estrellas del pop de los 80 y los 90, con artistas como Annie Lennox, Brian Adams, Celine Dion, Toni Braxton, Mariah Carey o Roxette. Buscaremos el viejo rastro de Perry Como, Ricky Nelson, Al Martino, Kinks, The Righteous Brothers, The Seachers, The Marcels, The Temptations y alguna otra vieja gloria. Pero también haremos un pequeño homenaje de otros artistas, unos olvidados, otros casi anónimos, apenas conocidos, pero que entraron en "mis canciones de la semana", tales como Pier Angeli, Eleanos McEvoy, las primeras; Nicki Parrott, Halie Loren, Medeleine Peyroux, Emilie-Claire Barlow, Imelda May o Nadeah Miranda y Francesco Schianna.
  
Ángel González "Rusty Andecor"

"The Little Blue Drum" by Lena Karpinsky

Finalmente, y puesto que ésta es la última entrega y parte de mi crónica sobre "La música de mis tiempos" y "Las estrellas de la canción de la semana", a continuación se hace referencia y contenido de todos los artículos que componen esa crónica completa, incluyendo un especial que titulé "Mis conmemorativos musicales" y un tributo a la "Música en el Hotel California, soñando bajo las noches de blanco satén" y la luz de una luna creciente", además del homenaje que hice a "Mis 10 mejores canciones de la historia de la música" y "Mis 20 mejores canciones", después. El contenido de los artículos se abre haciendo clic en los enlace que aparecen en los títulos de cada post:

  

Las estrellas de "La canción de la semana". Primera parte: La Chanson.