"El viejo mago y la niña del vestido blanco". (Cuento incompleto de Navidad)

La bella dama del vestido blanco, princesa de su cuento, iluminada
con la luz de su destello, junto a su maravilloso castillo .

"La vida es el más maravilloso cuento de hadas"

(Hans Christian Andersen)

"Si soy honesta debo decir que todavía leo cuentos de hadas

y son los que más me gustan"

(Andrey Hepburn)

Dicen que "las princesas solo existen en los cuentos"

que "solo la imaginación de quienes escriben puede crear los cuentos".

Y hay quien dice que "solo los magos, con sus ´trucos de magia`, pueden hacer aparecer las  princesas de los cuentos"

(Rusty Andecor)

"Con el capricho de los colores con que se pueden envolver los recuerdos,

se puede escribir el más hermoso de los cuentos"

(Rusty Andecor)

"Me gusta escribir en azules porque son los colores de mis ´trucos mágicos`,

pues con ellos puedo convertir mis sueños en mis cuentos".

(Rusty Andecor)

-

Hace un mes, mucho antes de Navidad, estuve pensando escribir algo nuevo de mis

Fue en la bella ciudad de Oviedo, frente al Teatro Campoamor,
en donde encontré a mi extraña pero sabia amiga "Esperanza".
"Caminaba" con sus libros, despistada, y coincidimos. También
ella pensaba como yo, que la imaginación y la fantasía son
los pinceles del "duende" que todos llevamos dentro para dibujar
(si nos lo proponemos) los trazos más asombrosos de un cuento.

reflexiones, algo alejado de mi irrealidad, pero no demasiado convencional con nuestra decadente rutina. Al final, se me pasó el tiempo. Me entretuve con divagaciones pseudo-literarias, cuando intentaba inspirarme, buscando en mi imaginación una trama o un simple cuento mientras escuchaba música de cine, algo que suelo hacer a menudo desde mi Spotify. Lo cierto es que no llegué a terminar mi reflexión. Y en su lugar se me ocurrió escribir mi último "libreto" de temas musicales extraídos del cine. Llevo haciéndolo ya doce años, siempre en estas fechas. Es... como un regalo que suelo hacer a mis cómplices y amigos por Navidad; quizá, simplemente, para recordarles que les quiero. Hace unos días terminé mi nueva obra, el "volumen 12" y también el disco que incluye los temas musicales. Cierto que esta vez apenas lo he difundido; han sido muy pocos ejemplares los que repartí. No me atreví a "regalar" lo mismo de siempre. Además, supongo que éste era el más intimista de todos y me lo quedé para mí y para quienes hace tiempo "me entienden".

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Aún así, y a pesar de todo, supongo que me debo a mi deseo de liberarme de esa dosis reflexiva que me oprimen desde dentro y de toda una carga de "escenas" que suele crear mi arte imaginativo. Por eso, descargo en esta entrada literaria parte de lo que escribí en ese "capítulo 12", de lo que yo he venido llamando "La música más hermosa del mundo" y que ahora termina con una especie de cuento. Un cuento cuya intención ha sido, precisamente, publicarlo de forma incompleta.

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Rosa Montero decía "Mucho de lo que cuento en primera persona, como si se tratara de una autobiografía, es pura mentira. Ahora, que esas mentiras puedan tener una cantidad de verdad dentro, es otra cosa". Y es que yo, como muchos de los que su oficio  es escribir, pienso  que "en los cuentos todo vale". La imaginación es la dueña del argumento del cuento, como de la mayor parte de los relatos. Y pienso que "la fantasía es como un duende que dibuja a su capricho los trazos más asombrosos del cuento". A veces, quiero retratar, si no la propia vivencia, al menos el deseo de poder realizarla.

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Si Rosa Montero se refería simplemente a "la mentira" de lo que se cuenta cuando se habla "en primera persona" y de la parte de verdad que pueda haber en lo que se relata, imaginemos cuánto se puede inventar en un cuento, en el que solo se pretende describir algo ficticio o un hecho real, pero con el adorno fantástico de la acción o del personaje, o de ambos elementos

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Para mí, en ese "todo vale", el relato descriptivo de un cuento puede estar, no solo en

En el "todo vale" para aportar la imaginación al crear un
cuento, me he dado cuenta que hay escenas en el cine,
junto con el mensaje de su música, capaces de inspirarme
y recrear mi propia representación. Siempre hay una dama
vestida de "colores de ensueños" y un mago que trata
de fascinarla en el "baile de la ilusión"
para mantener la clave del cuento.

su simple narración, sino en la pintura, en la música o en otras manifestaciones del arte y de la expresión, cuando, con o sin el apoyo de la literatura, se transmite una acción real o fantástica, pero (creo) que desde el supuesto y premisas de una ficción. Yo escogí precisamente la música de cine, la que fue banda sonora para ilustrar el argumento de una película, con la finalidad de convertir su mensaje en el que yo quería para mi cuento. Solo se trataba de buscar la inspiración en la música para recrear el sentimiento y entregarlo a la imaginación de ese capricho ficticio que uno siente cuando necesita escribir su interpretación.

Y en mi colección musical no hubo solo una recopilación de los mejor de los fragmentos de la música del "séptimo arte", sino algo más. Se trataba de describir el mensaje, no sólo del autor para enriquecer la trama de la película, sino para dar contenido a mi propio argumento, al guión que yo quería poner en cada álbum, al sentimiento y al color que yo deseaba darle a cada volumen. Siempre había un breve cuento en ese álbum. Y ahora es el último, el que he querido "dibujar" sobre "los colores de mi destello". Es un dibujo, porque mi intención ha sido difuminar trazos de fantasía, tal vez según mis emociones y mi estado de ánimo. Y es un lienzo con el fondo de esos "colores" porque eran los personajes de mi ensoñación los que lo definían y sobre los que podía apoyar mi historia.

"El viejo mago y la niña del vestido blanco" es solo un tándem simbólico de complicidad

La complicidad entre dos personajes en una escena, cuando se produce un
guiño como el que aparecen en esta imagen, no necesita ni un diálogo;

solo su mirada, la sonrisa que irradian y la música que define el carácter

del cuento que representan. También en esta escena “el mago del humor”

intenta fascinar a “la niña del film” que también, con su ingenuidad,

disfruta admirando la gracia y el encanto de su pareja en su “cuento”.

humana entre los sentimientos nobles y sinceros de dos personajes ficticios; el mago que ofrece todos los recursos de su presumible encantamiento, su habilidad para intentar fascinar a quien todavía admira sus viejos trucos; la niña que con su ingenuidad contempla asombrada el espectáculo de ilusión.

En realidad, en mi álbum musical, el cuento solo identifica los dos personajes en los primeros y últimos temas, pues el resto representan el vestigio del alma de ese mago en otro tiempo o, quizá, en otro universo. Se trataba de describir la impresión de unas "viejas fotografías" que un "viajero" del tiempo (posiblemente el que se convierte después en mago) contempla en su "visor de antigüedades", y al que les acompaña una música que él mismo ha elegido para cada momento.

La complicidad de los personajes de una escena va más allá de
lo convencional, la amistad o lo amoroso. A veces, es la entrega
mutua de la ilusión, como a través de un truco de magia.
A veces, es la clave de la inspiración cuando me seduce
ese cuento que he de escribir.

Sin embargo, esas "viejas fotografías", desvaídas y coloreadas en un sepia rancio, cobran vida al compás de la música y comienzan a representar su papel. De alguna forma, en el resto de esas escenas de los temas que solo pertenecen al álbum y que aquí no voy a incluir, siempre aparece el personaje de "ella": es la dama de los sueños del cuento. De otra, es él: "el encantador de la escena". La música envuelve los escenarios representados y los personajes quedan fascinados por la pasión o la ternura del mensaje que lleva la melodía. Unas veces aparece la ilusión y la esperanza, otras la decepción y el desencanto, y ese matiz hace que cambie la clave o el carácter de la escena. 

En mi cuento, la complicidad de los personajes es más generosa que en una relación

Cuando en “el cuento de nuestra vida” sufrimos el desencanto

y  la desesperación, aún tenemos en nuestras manos,

en esa mágica bola de cristal, nuestra sirena de la ilusión,

la que nos devolverá el ánimo y la esperanza para que

consigamos ya vivir el cuento “con final feliz”.

convencional, pues se trata de la entrega mutua de la ilusión de cada uno de ellos. Y esa es también la clave del cuento: un mago transforma a una niña vestida de blanco en una dama vestida de azul, que luego se desvanece porque quizá el destino del mago era enviarla a ese lejano universo al que realmente pertenecía la dama.

Y lo cierto es que, como sugerí al principio, es tan fascinante la fantasía cuando se escribe un cuento, que no hay mejor excitación, ni mayor curiosidad en el lector, cuando éste conoce al autor, que conseguir la apariencia de la identidad de los personajes del cuento con los que pertenecen a la vida real en la que forman parte del universo cercano. Por eso, a veces, he intentado poner "en primera persona" la señal y el color de mi identidad y algunas de las vivencias que puedan también identificarme.

Pero esto pertenece a esa colección de "fotografías musicales" de mi viejo álbum, esos que forman una amalgama pictórica de retazos de recuerdos y ensoñaciones, y de emotivas pinceladas del alma del personaje que aparece en escena. Éste es un cuento dentro del sencillo y breve cuento de "El viejo mago y la niña del vestido blanco".

Y como ha sido el cine y su música, los recursos artísticos que me inspiraron, he querido comenzar con esa maravilla del celuloide de animación, "The illusionist", de Sylvain Chonet, que trata sobre la historia de un viejo mago que no quiere defraudar a una niña que admira sus trucos de magia, convencida de que son reales. Porque en mi cuento sus personajes representan su ilusión de una forma parecida.

Un viejo "aprendiz de poeta" ha perdido su magia para componer sus versos, que era su

Un viejo ilusionista intenta no defraudar a la niña del cuento
buscando en sus trucos de magia convertirla en una princesa

única habilidad  para fascinar a su imagina dama de los sueños y mantenerla "encantada" en la representación de su cuento. Aún le queda un último "truco de magia", el que esconde dentro de su chistera: el mensaje de la música que entrega a quien es todavía "la niña del vestido blanco", el que se halla en la fantasía de su espectáculo y al que él llama "La música más hermosa del mundo". El viejo "encantador" ha prometido a la niña convertir su vestido blanco en un vestido azul ("Blue dress"). (Clic en este título subrayado para reproducir la música del comienzo del cuento).
  El espectáculo comienza así en "mi escenario": "¡Damas y caballeros... es el momento de buscar en su imaginación el personaje de sus sueños! ¡Con ustedes... la niña del vestido blanco! Ahora (y me dirijo a usted...), solo tiene que cerrar los ojos y concentrarse en el recuerdo de esa imagen que no puede olvidar. Cuando los abra podrán ver su deseo hecho realidad, porque la escena se habrá transformado y comprobará que su magia tiene todo el poder de sus sueños".

Es el hada y destello que ilumina cada poema musical del

álbum a que aquí me refiero. Alguien la encontró dormida en

su lecho en medio de un cuento. Había una luz que iluminaba

su rostro y su vestido, de tonos entre azul y rosa. Quizá fue

la niña del vestido blanco. Ahora sólo se despertaría cuando

quien la encontró besara sus labios.

La niña vestida de blanco se convierte en una ilusión musical y para el mago, que no necesita cerrar los ojos, como su público, es la escena del "Vals de la niña del vestido blanco" (clic) la que contempla en su "íntima película", desde su imaginación.

El viejo mago no es consciente de su alucinación y cuando intenta comprobar la realidad de su escenario, su público ya ha desaparecido y la niña del vestido blanco tampoco está. Es entonces cuando tiene la sensación de que él mismo ha sido hechizado por su propia magia. Se ve viajando a través de los mares en busca de los vestigios que aparecen en unas viejas fotografías que ha encontrado en un alguna parte, las contempla en su "visor de antigüedades" que, sin saberlo, llevaba oculto en su maletín de trucos de magia. Y en ese viaje que emprende, tal vez en su dimensión onírica, se encuentra enseguida con ese destello que ilumina el comienzo de su camino. Es una luz azul.

El viaje del mago está envuelto con un tema musical llamado "Coney Island", de John Barry (clic) y que pertenece a la banda sonora de la película "A través de los mares del tiempo" ("Across the Sea of Time"), tal y como aparece en el álbum "Volumen 12" de mi colección de "cuentos musicales". 

Lo cierto es que esa "luz azul" es un resplandor que aparece en la mayor parte de los temas

Su “dama soñada”, ahora vestida de azul, encontró una magia
más real y más cercana, la que le llenó de nuevos colores.

musicales que componen ese álbum y en los temas de su libreto. Son ellos, los que rememoran y recrean el pasado ensoñador del mago. Son los temas que ilustran el cuento más íntimo de su vida, quizá los que dieron motivo al único cuento que aparece aquí. Y es que esos temas musicales y la descripción de "su relato" lo he reservado, excepcionalmente, para mi libro "Los colores de un destello", que solo he entregado a media docena de amigos míos. El viaje, con su "película" y sus escenarios transcurre a través de más de 30 temas musicales y de sus respectivas "escenas". El cuento "oculto" se pierde, por tanto, con el tema 4 del álbum, el "Paradise Theme", de Philippe Rombi, de la BSO "Angel" (clic en el título). Es el momento en que se pretende definir a una estrafalario viejo "aprendiz de poeta" que ascendió, junto a la casualidad de la creación de un personaje de cuento, antes de liberarse éste de su relato, y que cayó y se perdió en su fracaso de "encantador" de su luminoso destello. Y lo define, musicalmente, en clave romántica, describiendo la esencia y el sentimiento de ese malogrado "encantador".

Y nada mejor que despejar esa nube de desilusión que

nos atenaza cuando pensamos que “Los magos no existen”,

a pesar de que, mientras nos convencemos, alguien, quizá

una niña vestida de azul, permanece triste y desconsolada,

porque comprende que no hay magia ni trucos para encantar

o romper el hechizo, y que lo mejor es despertar del sueño.

El viejo mago regresa de su escenario onírico, porque se ha dado cuenta de lo imposible de su relación amorosa con aquella dama que, no solo pertenecía a otro universo, sino que, además, ya la había perdido en su último viaje. El vals de este tema, “Curtain” (clic), de Dario Marianelli, describe el sentimiento de nostalgia del ilusionista que aún cree estar bailando con su dama soñada, dentro de ese último truco que intenta llevar a cabo, y de cuyo fracaso se niega a reconocer.

Para el final de este incompleto y extraño cuento he elegido uno de los últimos temas de mi álbum, el titulado "Anna´s Lasta Train", de Dario Marianelli, de la BSO "Anna Karenina" (clic en el título). Con su breve poema sinfónico he querido "dibujar" musicalmente un drama parecido al de la obra de Tolstói y del film, aunque en este caso la situación de Anna la vive aquí el viejo mago ilusionista, que al comprobar que ella, su dama, a la que transformó, con su vestido azul, no regresa a su mundo, ni siquiera a través de la magia de su último truco, sufre una especie de alucinación y cree volver a ver la niña del vestido blanco, en paralelo con la visión del accidente ferroviario que tuvo Anna al principio de la obra y que terminó con su suicidio. 

El viejo mago intenta desesperadamente romper el hechizo contra lo que él cree es

Quizá, aquella niña del vestido blanco, antes de desvanecerse
hasta su lejano universo, tras su destello, esperó, suspendida,
el milagro de dejar sus azules y regresar a la dimensión del
mago si él no hubiera permitido que su magia se le escapara
de sus manos, dejando que se alejara en sus confines.

conseguir el éxito de su truco. Sabe que es su última oportunidad. En su magia, está utilizando su propia vida, la que perderá si el resultado no es el que desea. El encantamiento no se produce y el mago se desvanece en la escena que representa. Para dar clima y color al desencanto del mago nada mejor que el tema "Illusionist Final", de Sylvain Chomet, (clic en él) que pertenece a la BSO de "El ilusionista".

Pero nada mejor, para el final de esta representación imaginaria, que celebrarlo de una forma más grata y esperanzadora. Se trata del "Vals de la despedida", de Nino Rota. Porque nada mejor que el guiño risueño de un vals tranquilo y envuelto en la ilusión de saber que los personajes que aparecen en las "viajas fotografías", y que los más ensoñadores pudimos contemplar en nuestro "visor de antigüedades", se liberaron de su hechizo y pudieron hacer realidad sus sueños; ella, en su nuevo universo multicolor sobre fondo azul; él, en su dimensión mágica en donde en donde conseguir el triunfo de su oficio de ilusionista y poder animar las escenas fotografiadas en su álbum de recuerdos.

Pero antes de pronunciar el "colorín colorado", este cuento "no se ha acabado" si el tío "cuenta cuentos" no le cantara a la niña, quizá su sobrina, una nana para que se durmiera. En este caso, se trata de “Lullaby”, de la orquesta Pink Martini.

El viejo mago esperaba paciente” el milagro” de su magia.

Repetía sus trucos, porque quería seguir asombrando a “la niña

del vestido blanco”. Pero solo pudo sacar de su chistera

su precioso vestido azul; y, con él, la perdió cuando

comprobó que la luz del destello de su dama no regresó,

nunca más. Esperó, entonces, a realizar el último de sus trucos:

desaparecer de aquel escenario para viajar hasta el universo

en donde pensaba se hallaría su amado “destello”

Decir, ya solo, que el cuento, en su versión completa (aquí solo pude hacerlo "incompleto"), se refería a un viejo y extraño mago, que, como dije, en otro tiempo fue "aprendiz de poeta" e "imaginador de cuentos" que nunca llegó a escribir. Un viejo "aprendiz de mago" que, después de repetir todos sus trucos para conseguir... quizá solo, algo tan sencillo como los colores de una rosa, o los del vestido de una niña que admiraba "su magia", o la aparición de una luz en su escenario, presentándola como un "destello azul", no fue capaz de realizarlos. Un "iluso mago" que, después de conseguir de "la niña del vestido blanco" toda su admiración por la ilusión de sus trucos, la perdió cuando, en el último de ellos con éxito, convirtió el color de su vestido en azul. Un "ensoñador de ilusiones" con afición de viejo mago que buscó alcanzar, de su

El cuento ha concluido, pero la magia del viejo mago
tiene aún el poder de hacer llegar las palabras de su
relato, las que le ha dedicado a la niña, a su dama
lejana, la que se desvaneció en uno de sus trucos
y que ahora viste de rojo. Ella también se dormirá
escuchando el cuento y tendrá dulces sueños.

último truco, poder rescatar a "la dama del vestido azul" de su destello para convertirla de nuevo en la niña del vestido blanco, sin conseguirlo. Un cansado mago que, al final, solo intenta hacer un truco: buscar la magia de su chistera y desaparecer él mismo a través de ella, porque tenía la esperanza de escapar de su mundo para encontrar, en un lejano universo, la luz azul de su destello y fundirse después con ella.Lo cierto es que el mago se desvaneció de su escenario y sólo quedó el cuento que apareció en sus rancias y viejas fotografías, las que solía mirar a través de su visor de antigüedades., las que enseñaba a su admiradora "niña del vestido blanco".

  
Solo quedó la fantasía de un tímido y conmovedor relato que nadie llegó a descubrir, pero que sugirió el deseo del "encantamiento" que intentó el mago en sus últimos trucos. El cuento ha concluido y el viejo mago, que volvió convertido en duende solo para contar el cuento a la niña, se desvaneció cuando ésta se quedó dormida. Y el cuento ha terminado.

Ángel González "Rusty Andecor"

Mis 20 mejores canciones de la historia de la música. (Tercera y última parte)

Me encontré allí a un viajero misterioso,  que reconocí

enseguida como “el mago del tiempo”. Y pensé

“¿quién mejor que él pare guardar mis 20 mejores

canciones en su maleta y convertirlas en inmortales?”.

Es el momento en que intento hacerle ver

la grandiosidad de su obra.

"Siento que mi universo

está lleno de música,

que mi refugio se inunda de canciones;

y necesito hacerlas mías,

que no se pierdan en mi olvido,
que son ahora mis temores. 

Por eso tengo que guardarlas
entre mis tesoros, mi sueños,
mis recuerdos, e ilusiones;
lejos, muy lejos de mentiras,
de codicia e hipocresías,
desengaños y traiciones".

-

Rusty Andecor.

Lo cierto es que, después de inundarme del color y del aroma de aquellas viejas seis canciones, recordando otras cuatro que aún me quedan e intentando llenar mi mundo de escenas vividas con el sabor de los instantes felices y de los menos afortunados, recuperé en mi mente 10 canciones más. Y me di cuenta que esos 20 temas musicales me habían acompañado a lo largo de los años; habían amenizado, de una forma o de otra, los momentos más importantes de mi vida, los que más satisfacciones me habían dado, los más felices, pero también los que habían acompañado mis desencantos, mis inquietudes y mis soledades. Entonces pensé en una cita de Edward Elgar, aquella que decía "Hay música en el aire, música alrededor nuestro, el mundo está lleno de ella y simplemente tomas la que necesitas", y la adapté a mi gusto, para iniciar con ella mi libro “La música de mis tiempos”. Por eso, pensé: “Siento que mi universo está lleno de música, que necesito hacerla mía, que tengo que recuperarla para guardarla entre mis tesoros, los que están dentro de la caja de mis sueños”. Y penetré en esa dimensión ocupada por mis ilusiones, las que no quiero que me abandonen nunca. Quizá, por eso compuse hoy ese breve y sencillo poema con el que comienzo esta última parte de mi crónica musical.

Pregunté al “viajero del tiempo” si podía guardar en su maleta
“mis 20 mejores canciones”, le ofrecí ser su acompañante, pero
me señaló el reloj que había a mi espalda y me dio a entender que
debía de apresurarse en su próximo viaje, que no podía llevarme,
pero que se haría cargo de las 20 canciones. Luego pensé ¡Quizá
algún día podré ir con él, a ese lugar en donde el tiempo ya no es
implacable, ni inmutable, ni inalterable! 

Quería contaros que hace solo unos meses, me encontré con un personaje aparentemente misterioso, envuelto en su gabán, con su sombrero y su paraguas, pero que me pareció cercano y familiar; era ese amigo que viaja constantemente, que no para y que yo veo siempre en el transcurso de mis desplazamientos por la vida; era… el tiempo, pero con una apariencia humana. Apareció allí, como esperando a alguien. Incluso iba preparado con su equipaje, pues supongo que, como un reloj de precisión, también “el tiempo” necesita tener a mano su mecanismo de cuerda y de ajuste para hacer más seguro el viaje. Intenté hacerme cómplice de su misión, le hablé de la música y de las canciones, de que están en el aire y en todas partes, de que había que salvarlas y tal vez guardarlas en aquella maleta que “el viajero del tiempo” había dejado momentáneamente en el en el suelo, junto a él, en una de las paradas de su viaje. Le ofrecí el honor de que se hiciera cargo de de “mis 20 mejores canciones de la historia”, nadie mejor que “el tiempo” para custodiarlas y convertirlas en eternas. Supongo que él me entendió y que mi deseo era poder acompañarle en su destino; pero sólo conseguí que se hiciera cargo de mi música. Desde entonces sé que las 20 canciones están seguras, bajo el mejor cuidado, que el tiempo las hará inmortales, como sé también que ese “mago del tiempo” será el mejor amigo para que pueda llevarme con él algún día, en su viaje a esa dimensión en donde se une la música, la poesía y la visión de los colores de los sueños.

Y éstas son las cuatro canciones que completan “las diez mejores”. Éstas y las otras 10 hacen mi colección preferida de temas musicales. Sé que hay muchas más, tal vez centenares de ellas; pero he querido salvaguardar estas 20 para que ese “viajero del tiempo”, que es mi amigo, las guarde, cuide de ellas y las haga “eternas”.

I SAY A LITTLE PRAYER. La eterna oración de Aretha Franklin. Una de “las 10 mejores”, en un homenaje para mi blog en su 45 aniversario de aquel 1968 en que escuchábamos el

Areta Franklin, “la reina del Soul”, interpretando
su tema inolvidable: “I Say a Little Prayer”.
(Es una imagen en su homenaje 45 aniversario

inolvidable tema: "I Say A Little Prayer". Recuerdo muy bien su espectacular comienzo en la versión remasterizada: primero, el ritmo de unos compases interpretados por un piano y una discreta pero precisa percusión; después, las voces de un coro que iban a marcar toda la intensidad de "un soul para la eternidad". En el vídeo, el coro era el de "The Sweet Inspirations"; y a los 13 segundos... ¡la genial Aretha Franklin, la Reina del Soul! Una de las más grandes e influyentes artistas de la música contemporánea. Y un hermoso mensaje en la canción: "Desde que me despierto y me levanto, antes de esconderme detrás de mi maquillaje, rezo una pequeña oración por ti; porque estás siempre en mi corazón. Mientras voy, trabajo, pasa todo el tiempo, tomo mi café o descanso, rezo una pequeña oración por ti. Siempre pido por ti".

"I say a little prayer", compuesta por Burt Bacharach y Hal David, fue una canción originalmente grabada en 1967 para Dionne Warwick. Sin embargo, aunque el tema pertenecía a ella, el auténtico éxito vino después, cuando en 1968, Atlantic Records publicó un single-vinilo con una nueva grabación para Aretha Franklin.

Aretha Franklin, apodada "Lady Soul" y "Queen of Soul", que comenzó en el gospel y más tarde se destacó grabando diversos géneros, como jazz vocal, blues, rhythm and blues, rock and roll, fue una de las artistas más vendidas de todos los tiempos, ganadora de 18 premios Grammy y reconocida en las más prestigiosas listas de "Hits" y en los "Music Hall of Fame", siendo nombrada por la revista Rolling Stones como la mejor cantante de la historia de la música. De ella, podemos distinguir, como valores artísticos más sobresalientes, su flexibilidad vocal, su inteligencia interpretativa, su habilidad para el piano, para el que comenzó "de oído", además de su improvisación musical. De ella, también podemos decir que es una de las voces que más se ha prestado para el cine, para musicalizar algunas inolvidables escenas, tales como aquella de "La boda de mi mejor amigo" y otras muchas. Una simpática anécdota; ese espléndido final del film con una versión del tema que interpreta casi todo el elenco de la producción (“…quizá no habrá matrimonio, quizá no habrá sexo, pero por dios que habrá baile”). Y otra anécdota de la canción: la buenísima versión de Rosa, en este vídeo ¡impresionante!

Lo cierto es que a Aretha Fanklin la recordaremos como un referente imprescindible en el arte de la canción contemporánea, pero yo la recordaré, sobre todo, como portadora de un mensaje entrañable y generoso: "desde que me despierto, muy temprano, rezo siempre una pequeña oración por ti". No es la intencionalidad religiosa, ni simplemente espiritual; “para mí, es la voluntad de la mente y del corazón en poner el alma en quien amas, para intentar cuidar de su vida, con el mejor de los deseos y con toda la generosidad que puedes poner en la persona que tienes contigo".

Roberta Flack, en 1973, al piano, interpretando su canción,
poniendo toda su alma en ella. Detrás, su amigo Donny, su amor

KILLING ME SOFTLY WITH HIS SONG. No solo fue homenaje en mi blog a Roberta Flack y a su tema “Suavamente me mata con su corazón”, con motivo de su 40 aniversario, después de ser editada en 1973, sino que fue un tributo cariñoso a su secreta historia de amor con su amigo Donny, rota de forma trágica seis años más tarde.

Lo cierto es, que si a la Franklin la reconocemos a menudo por su “I say a little prayer” y a la Gaynor, siempre, por su "Sobreviviré", a Roberta Flack la recordaremos por su nostálgico "Killing me softly with his song". Un tema creado inicialmente para Lori Lieberman y que apareció en 1972 en su primer álbum, compuesto sobre un poema de Don McLean para una canción que era la historia y el estado de ánimo de Lori. “Killing me softly…” en el vídeo de la actuación en directo que, en una versión de lo más folk, hace Lori, y con la anécdota del actor Tony Curtis que le sostiene la guitarra, después en la entrevista.

Sin embargo, el éxito de la canción llegó en 1973, justo ahora hace 40 años, siendo entonces número 1 en las listas "Hits" durante casi dos meses. La efímera celebridad de Lori Liebermen se desvaneció cuando la cantante de soul, Roberta Flack, hizo su inolvidable versión. Un tema, adaptado a ese estilo, por el que haciendo balance de mis sonidos favoritos, resultaba ser otra de "mis 10 canciones".

Roberta Flack, nacida en Carolina del Norte, cantaba desde muy joven en clubs de jazz y su carrera profesional estuvo salpicada de altibajos e insatisfacciones, de frecuentes intenciones de abandonar definitivamente su trabajo. Estuvo muy condicionada por el apoyo, no solo musical sino sentimental, que le prestaron algunos de sus imprescindibles músicos y compañeros de giras. Una anécdota dramática de su vida; la de la trágica muerte de su gran amigo Donny Hathaway, su compañero y músico “más cercano” (puede verse en los vídeos, justo detrás de ella). Con Donny compartió sus éxitos, sus ilusiones, su secreto amor y hasta un Grammy por un dueto que ambos interpretaron con la canción Where is the love?; (¡atentos en el vídeo, los amantes del vinilo y del pick-up!). Fue un golpe tan duro que Roberta tuvo que sobreponerse entregándose de nuevo y de lleno a los escenarios.

A principios de los 90 vuelve a ser número 1 con su álbum Roberta y durante esa década se dedica a hacer interminables giras por todo el mundo, actuando incluso con Miles Davis, y en las que, especialmente, se centra en el jazz y dedica emotivas referencias a su amigo Donny, cantando muy ”suavemente su canción”.

Los que conocimos aquel año y vivíamos nuestros 70, con sus inquietudes, sus ilusiones y desencantos, “tuvimos” aquella hermosa canción que, a través de la suave e inolvidable voz de Roberta, nos enviaba un mensaje, que era como un talismán musical para la turbación de nuestros apasionados corazones de entonces: "Cantaba como si conociera todas mis penas, y luego miró a través de mi, como si estuviera presente, y continuó cantando, removiendo mi dolor con sus dedos, cantando mi vida con sus palabras, matándome suavemente con su canción. Y yo no pude dejar de seguir escuchando como cantaba mi vida con su canción, matándome suavemente con su canción”. Recuerdo, incluso, a Anne-Sophie, muy joven entonces, fascinada y abstraída con el mensaje y la música de aquella canción.

Lo cierto es que hoy, después de 40 años, escucho aquella suave voz de Roberta, el susurro de sus palabras y la música que las envuelve, quizá dedicándoselas a su enamorado Donny, muy cerca y detrás de ella, como se ve en los vídeos. Y siento que está… matándome suavemente con su canción. En mi homenaje a ella, fue una canción que dediqué a quienes sintieron, alguna vez, una especie de emoción, descrita así: “matándome suavemente con su canción”.

I WILL SURVIVE. Una buenísima canción, convertida en inmortal por la estrella de la “era Disco de los 70-80”, Gloria Gaynor. También fue homenaje en mi blog, en el 35 aniversario de la edición del single-vinilo en que se publicó la canción.

Fue homenaje en mi blog, en el 35 aniversario de la
edición del single-vinilo en que se publicó la canción.

A Gloria Gaynor, “la dama de las pistas”,  siempre la reconoceremos por su "Sobreviviré", que no sólo ha sido una de las mejores canciones de la historia de la música, sino un sonido que aún perdura en los templos de la música disco de hoy en día. Y aún más, "I Will Survive" fue una canción utilizada como himno de liberación femenina, como símbolo musical gay, e incluso ha servido en la campaña de ayuda a los que padecen el virus del SIDA.

Gloria Gaynor, norteamericana, de New Jersey, una de las estrellas más reconocidas de la era disco que, tras su famoso éxito en 1978 con ese "I Will Survive", llegó a convertirse en la reina de las pistas de baile durante más de 20 años. (Clic en el título, para la versión de estudio)

“Tres damas de la era Disco”: Aretha, Roberta

y Gloria. Las 3, “en sus mejores tiempos”.

"I will survive", una canción, con un esquema musical perfecto, impecable, y un ritmo estimulante, "divertidamente melancólico", trepidante y a contra tiempo, pero con sabor romántico; es, para mi gusto, otra de las “diez mejores canciones de la historia”.

Gloria nos describe, se lamenta, se reconforta y "sobrevive", cantando: "Al principio tuve miedo y temí que no pudiera vivir sin ti, sin tenerte a mi lado. Pero luego pasé tantas noches llorando, pensando en el daño que me hiciste y me hice fuerte y aprendí a vivir. Creíste que me derrumbaría, creíste que caería y me moriría. Pero ¡Sobreviviré, sí! Mientras yo sepa amar, podré vivir sin ti. Tengo toda mi vida para vivir, tengo todo mi amor para dar". Parece que se trata de una canción que se escribió desde el punto de vista de una mujer arremetiendo a su ex-amante, exclamando que ya es libre y que puede seguir adelante sin él.

Vemos en este vídeo (clic en el enlace) a la Gaynor cantando su “I Will Survive”, en el Festival de Viña del mar en 1980. Una versión live, en una de sus más recientes actuaciones. Y una celebrada actuación, en la que, una vez más “Sobrevive”, junto a sus fans en uno de los muchos “templos de la música disco” en donde todavía suele aparecer.

La anécdota: Alguien, muy cercano a mí, tenía siempre la canción como tono de espera en su móvil. Cada vez que llamaba y escuchaba los primeros compases al piano y su maravilloso comienzo en la voz de Gloria, mi recuerdo se conmovía y me llevaba a aquellos finales de los 70, y durante unos segundos me sugerían... las escenas de entonces (También yo dije: ¡¡¡Sobreviviré!!!).

Pero además de las tres legendarias “damas de la canción”, mi lista de honor terminaba con uno de los artistas más influyentes del género rock del último cuarto del siglo XX y una de las bandas más emblemáticas de la historia de la música: MARK KNOPFLER y DIRE STRAITS.

Dire Straits; el icono musical más significativo del rock

durante 18 años, entre el 1977 y el 1995. 

Así pues, nos queda hacer honor ahora a uno de los genios de la música del siglo XX, y también del siglo XXI: Mark Knopfler. Guitarrista, cantante y compositor británico, después de ganarse la vida como profesor de literatura y periodista ocasional. Fundador en 1977 de Dire Straits, una banda de rock que generó una lista interminable de éxitos, tales como Sultans of Swing, el primero de ellos, y que se disolvió inexplicablemente en 1995, en la cúspide de su fama después de una gira que duró cuatro años. Knopfler fue un autor inagotable de temas de su estilo de siempre, desde el primer año en Dire Straits, con su típico sonido mezcla country y rock, creador y compositor de música para bandas sonoras que prestó al cine.

Mark Knopfler y Dire Straits, durante el concierto-homenaje a
Nelson Mandela, interpretando “Brothers in arms”

BROTHERS IN ARMS. Uno de los temas más brillantes de Mark Knopfler; un auténtico poema épico-musical. Su mensaje, tan hermoso como la poesía de su música: "Está escrito en la luz de las estrellas y en las líneas de la mano, que estamos locos por hacer la guerra a nuestros propios hermanos". Y el que yo extraje de sus versos: "lo que únicamente importa es que nos sintamos todos nosotros, hermanos y busquemos reconfortarnos y ser felices, unidos en un mismo mundo y no en mundos diferentes". Aún recuerdo aquel concierto de Dire Straits hace ya más de 20 años, con Mark Knopfler recitando los versos de su canción; fue algo impresionante. Hay también una actuación soberbia de 1996 en Londres. (El enlace del título corresponde a su vídeo). Es todo un lujo; sus armoniosas notas en su Gibson Les Paul, el respaldo de la cuerda de una orquesta sinfónica y la magia de la música que envuelve el tema. Para mí, también es imprescindible la impecable actuación recogida en el vídeo de ese "Brothers in Arms", de un concierto celebrado en Royal Albert Hall.

Mark Knopfler, interpretando "Brothers in Arms", en el
concierto Music for Montserrat, en 1998

Así que, homenaje a Dire Straits, la banda británica de rock nacida en la década de los 70 que recuperó un sonido característico para el nuevo pop-rock de entonces; con su estilo rockero tan genuino que no dejó de quedar indeleble en su "firma" de canciones aquellas primeras raíces de la creación del grupo, y ello, a pesar de la evidente influencia de country en Knopfler. Su consagración, como grupo por excelencia de rock, se produjo en los 80. Y su sabor, auténticamente "straits", continuó con Mark, ya en solitario, en los 90, pero también después. Su último concierto, después de esa gira que duró 4 años, a la que me he referido antes, se celebró en 1992. La banda, en la cota más alta de su éxito, de su prestigio y de su reconocimiento, se disolvió en 1995. Yo fui testigo de que el fenómeno que había marcado la música en vivo de sus conciertos se sumió en el silencio y en la decepción. Todos los que amábamos el buen rock lo lamentamos, pero respetamos a Mark en su decisión de dejar la banda. Surgió la renovación de Knopfler con su fuente inagotable en la publicación de nuevos álbumes. Su creatividad no tenía límites en cualquiera de los estilos. Pero ya no era lo mismo.

Mark Knopfler, en otro momento de su legendario

“Brother´s in Arms”, tocando su Gibson Les Paul.

Los Dire Straits habían marcado una generación en los 80 y parte de los 90, habían dado un sello en nuestro gusto por la irresistible decisión de no abandonar nuestra adoración por los grupos de aquel rock nostálgico de más de dos décadas.

Y en mi homenaje a esas 10 mejores canciones de la historia de la música, que más tarde decidí ampliar a 20 temas, enarbolé la lista con un brillante rock, como si de un himno musical, representativo de una vieja generación de rockeros, se tratara. El tema era: WALK OF LIFE, de Dire Straits. Un tema que apareció por primera vez en un single en 1985 y seguidamente uno de los que contenía el famoso álbum “Brothers in arms”. Fue, durante casi toda la trayectoria de Dire Straits, la canción que abría las actuaciones de cada concierto, la que enaltecía a todos los que esperábamos la aparición del grupo para entrar en calor y entregarnos al entusiasmo de la música de Knopfler. Su mensaje: “Él llega con su guitarra, interpreta las doradas viejas canciones, con el poder y la gloria del ritmo de sus blues y de sus rocks; interpreta “el paseo de la vida” y le dedica su canción a una mujer dulce y cariñosa”. Por eso, en la recopilación de los 20 temas que componen mis mejores canciones, decidí colocar a “Walk of Life” el primero, porque quería presentar “mis doradas canciones”, grabadas en un disco para dedicarlo a mis amigos, los que supieron sentir el buen sabor de su música, y porque deseaba hacer con ellas “un paseo por la vida”.

Mark Knopfler y Dire Straits, el 11-6-88 en el “Wembley”,
durante el histórico “The Nelson Mandela 70th Birthday Concert”,
en el momento de su interpretación en “Walk of Life”

Walk of life, es el tema del grupo con el que, acompañados por Eric Clapton, se inicia un concierto memorable celebrado en 1988 en el Wembley, con motivo del homenaje a Nelson Mandela, y que recojo en el vídeo que activa el enlace en el título.

En cuanto al resto de mi particular “tesoro musical”, el de “mis 20 mejores canciones de la historia”, las que le ofrecí a aquel “viajero del tiempo” que encontré en un viaje que hice hace un par de meses, rogándole que las guardase en “su maleta” y las custodiase para que ninguna de ellas se perdiese, me queda hacer una merecida reseña para cada uno de sus temas y para su intérprete.

Lennon creía en la esperanza de un mundo
mejor y en paz, pero por ironías del destino
alguien acabó con su vida de forma violenta

IMAGINE, de John Lennon. Considerada una de las mejores composiciones de todos los tiempos; en 2004, la revista Rolling Stones, la colocó en el tercer puesto en una lista de 500 mejores canciones. Jimmy Carter la comparó a un himno nacional. Aunque Lennon la definió como un “manifiesto comunista virtual”, se dice que, aunque es una canción “antirreligiosa, antinacionalista, anticonvencional y anticapitalista”, es aceptada por su dulzura y porque lleva la inspiración  en la esperanza de una paz mundial. El tema tiene un antecedente en otra canción de The Beatles en 1963 y una clara influencia de la poesía de Yoko Ono. Lennon se plantea un mundo viviendo el día a día, con una vida en paz, sin países, sin posesiones, sin hambres, sin religión, pero sin odios. Lennon reconocía en su canción “ser un soñador, pero no el único, esperando que algún día se uniesen todos a él y el mundo fuera uno sólo”. De John Lennon, compositor, cantante, instrumentista y co-fundador de The Beatles, sabemos que fue uno de los genios del siglo XX, por su ingenio irónico y sarcástico en la música, en la literatura, en sus entrevistas y declaraciones y su influencia en el cine.

GIRL, de The Beatles. Fue una canción escrita por el tándem Lennon/McCartney, lanzada

Es la imagen de un ensayo de los Beatles en 1965, durante la promoción
del álbum “Rubber Soul”, uno de los mejores, que conserva su sonido
más genuino y que incluye “Girl”. Entre John y Paul existía una latente
competitividad, pero en temas de chicas solían bromear, hacerse
confidencias  y contarse los secretos de sus galanteos.

en 1965 e incluida en el álbum Rubber Soul. Está cantada por John Lennon y su letra describe a una chica amada por él, pero dudando de su identidad. Él afirmó después que se trataba de la chica ideal de sus sueños, que había una  complicidad entre Paul y él, y que mientras Paul pensaba en la suya (Michelle) y a ella se la dedicaba en “Michelle”, él lo hacía en “Girl” (lo extraje de una entrevista en Playboy cuyo ejemplar aún conservo). Girl fue siempre una de mis canciones preferidas de los Beatles y, como él, yo también la dediqué a la chica de mis sueños.

I STARTED A JOKE, de Bee Gees. Uno de los temas que mejores recuerdos me traen de aquellos ´60. La cantaba Robin Gibb, al que, por razón de su triste desaparición en el 2012, rendí merecido homenaje en

Robin, a la izquierda, fallecido a los 63 años en el 2012.
Los Bee Gees, el mítico grupo de las baladas de los 60.
Detrás de sus vinilos se escondían los recuerdos de
mil guateques... de aquellos nostálgicos años.

mi blog. Robin, el que cantaba para los corazones enamorados, quien nos hacía vibrar con la sugerencia de su voz, al que escuchábamos “encandilados”, mientras bailábamos, abrazados a nuestra chica, y quien nos decía, casi como una broma del destino, por el mensaje de su canción: “Yo comence una broma y luego todo el mundo comenzó a llorar / No me di cuenta que la broma me la hacía yo / Entonces el mundo comenzó a reír y yo comence a llorar / No me di cuenta de lo que hice / Miré a los cielos, cerré mis ojos / Y el mundo comenzó a vivir y yo finalmente morí”. Los Bee Gees, como los llamábamos entonces, un grupo músico-vocal nacido en la década de los 60, más aproximado a la música pop que al propio género rock; aunque exquisito en sus baladas, años más tarde se pasaría a la música disco.

SUSPICIOUS MINDS, de Elvis Presley. Es una canción compuesta en 1956 que popularizó Elvis Presley en 1969, uno de los temas con el sonido más auténticamente “presley” de su repertorio, siempre imprescindible en todos sus conciertos. Para el merecido homenaje que yo debía a “el Rey”, como ese icono cultural de la música que solía poner en las portadas de mis libros sobre la magia de la canción, necesitaba una referencia definitiva de su extenso catálogo musical y ¡qué mejor que “Suspicious Minds”! La versatilidad de su voz y la facilidad para dominar la diversidad de géneros, como el rock, el country, las baladas, el gospel o el blues, le han hecho tan único en la historia que no ha habido ningún artista que haya podido llegar, ni de lejos, a su genialidad.

 

John Fogerty y su banda CCR. un clásico irrepetible del "blanco y
negro" de la música rock (igual que esta foto). Su sonido áspero,
pero auténtico y nostálgico, jamás llegó a ser igualado, ni mucho
menos, superaado. Por cierto, un vinilo de Creedence: ¡un tesoro!

HAVE YOU EVER SEEN THE RAIN?, de Creedence Clearwater Revival. Dice la canción “Alguien me dijo hace tiempo que hay una calma antes de la tormenta. Dicen que lloverá un día soleado, pero ¿alguna vez has visto la lluvia en un día soleado?”. John Fogerty escribió la letra refiriéndose a la Guerra de Vietnam, describiendo “la lluvia”, de forma metafórica, como las bombas que caían del cielo. La banda californiana, liderada por Fogerty, compositor, cantante y guitarrista, representó el rock and roll de finales de los 60 y comienzos de los 70. Formó parte de las bases de la historia musical estadounidense. Su sonido fue único, simple y algo primitivo en los esquemas del rock y en su sonido, quizá poco nítido a causa de las viejas grabaciones, pues hay que pensar que el grupo se disolvió hace más de 30 años y no se hicieron arreglos ni se produjeron nuevos masters. Fue también una banda con mucha repercusión mediática, que levantaba muchas polémica por su rebeldía en los compromisos de sus giras y de su programación. Preocupados por los temas ecológicos, ambientales, sociales y muy sensibilizados por su joven generación, enardeció a su público como ningún grupo. De Creedence se puede decir que siempre había uno de sus discos en los guateques de “nuestra época”. Oíamos de todo: Beatles, Rolling, Bee Gees, Procol Harum, Moody Blues, Brincos, Adamo, Sylvie Vartan… pero ¡Creedence… era otra cosa!

Es la conocida portada de "Hotel California", un icono discográfico en la

música rock de los 70 y de varias décadas. En ella se puede ver escritos

los autógrafos de Eagles. Su legendario tema fue la esencia del rock.

HOTEL CALIFORNIA, de Eagles.  Se trata de una canción absolutamente emblemática para los que vivimos la música durante las décadas de los 70 y 80. Otro icono musical que representó la pureza del rock de los 70, cuando aún el género eran grande. Y la esencia de una banda que llegó a identificar muy bien aquella música: EAGLES. Se dijo que era “una canción sobre el lado oscuro del sueño americano y sobre los excesos en los Estados Unidos, que era algo que ya sabíamos”. La interpretación más romántica de la canción es que “Hotel California es un refugio, un lugar perdido en su destino y tal vez vencido por el desengaño”. “Hotel California es el lejano paraíso de aquella extraña y onírica dimensión que muchos de nosotros buscamos no se sabe dónde”. De los Eagles, se dice que “aportaron una visión agridulce de la sociedad estadounidense a través de las ventanas de un hotel que representa metafóricamente el mundo de las drogas”. Hoy sigue siendo una canción de culto destinada a homenajear aún más el “viejo rock” que jamás podrá desaparecer.

Peter Frampton. Una atractiva provocación para sus fans que

enloquecían cuando  aparecía en sus actuaciones. Un símbolo

en la cultura musical del Rock de  la década de lo 70

BABY, I LOVE YOUR WAY, de Peter Frampton. Una canción que marcó todo un estilo y todo un símbolo en la música rock de aquella década de los 70,  como  lo  hiciera en otro contexto musical Hotel California, de Eagles. En la encrucijada del momento más brillante de la música rock y el afianzamiento del rock Sinfónico, que empieza a desplazar el viejo estilo de una cultura musical eminentemente “Presley”, surge en 1975 la enardecida admiración por aquel “fenómeno” que entonces representaba Peter Frampton. Su aspecto de rubio desmelenado, poderosamente atractivo, irresistible a nuestras novias y amigas, perdidamente cautivadas y enloquecidas cuando aparecía en sus actuaciones, formaba parte de una manera de ver la pasión por la presencia de un ídolo del rock en un concierto. El estilo de versos en la letra de la canción, un poco cursi y floreado, porque “las flores” de aquel movimiento hippy que tanto arrasó en la juventud de los 60, “empalagó” inevitablemente, también los 70: “Oh, nena, me encanta tu forma de ser. Me encanta ver la puesta de sol en tus ojos, que se vuelven marrones, grises y azules, mientras aparece la luna que enciende el cielo. Me encanta el brillo que da tu sonrisa en la noche”.

”GIVE A LITTLE BIT”, de Supertramp. Fue la marca de Supertramp, desde que en 1977 se convirtiera a lo largo de los años en un hermoso mensaje para proclamar la unión de todo un mundo joven, lleno de ilusiones y ansioso de amar. Basada en la canción “All you need is love”, de los Beatles, su letra decía: “Dame un poco, dame un poco de tu amor y yo te daré un poco de mi amor. Dame un poco de tu tiempo y yo daré un poco de mi vida por ti”. Una canción tan simple como bella, precisamente como su mensaje, simple y bello: “da un poco de amor y demuestra que te preocupas por los demás”. Con ella terminaban todos los conciertos de Roger Hodgson, líder de Supertramp, mientras que todos los que asistíamos coreábamos los versos, al tiempo que levantábamos y extendíamos las manos como para significar que teníamos que “abrir nuestros corazones a los demás”.

Poderoso, incansable, divertido, entrañable,

romántico: así es el Jefe

I WANNA MARRY YOU,  de Bruce Springsteen. La grandiosidad de la discografía y del trabajo de Springsteen es tan inconmensurable, si me permitís redundancia, que sería difícil poderme decidir por uno de sus temas; y tenía que hacerlo, porque “el Jefe”, como “el Rey”, representa para mí una especial admiración y un gran respeto. Son bastantes las canciones que me entusiasman, pero tan extraordinariamente que no podría escoger la mejor. Y sé que “I Wanna Marry You” no es, ni mucho menos, esa… ”mejor”. Pero es un tema al que tengo mucho cariño, porque es una canción que me lleva a un pasado gratificante y esperanzador. La letra es muy simple y solo se refiere a un deseo: “Es una bonita noche, es la mirada de tus ojos, y creo que quiero casarme contigo”. La canción

Es un simbólico adiós, en la imagen de Bruce Springsteen, tal vez
para recordarnos que, aunque se acabe este "festival" de bellas
canciones, la música nunca muere, porque forma parte de lo
mejor de la vida y de la sensibilidad de nuestros corazones.

pertenecía al doble álbum “The River”, editado en 1980, uno de los tesoros de Springsteen, aunque el tema ya se había publicado antes. El álbum contenía trabajos de mucha más calidad, como era el caso de “The River”, tema que da nombre al título del disco, o “Point Blank”, o incluso “Hungry Heart”; pero yo siempre tuve esa debilidad por la canción que elegí para mis 20 mejores. En cuanto a Bruce Springsteen, tengo tanta pasión y admiración por él, que ahora solo prefiero quedarme recordando el homenaje que le hice en “La música de mis tiempos”. Aún así, me gusta dejar ahora, aquí al final de mi trabajo, parte de los trazos de identidad que quise dedicarle entonces: “Potente y poderoso, pero también tierno y cercano hacia nosotros, sus fieles seguidores”, “capaz de conectar con el público que asiste a sus conciertos, hasta llegar a una complicidad mágica”, “incansable, divertido, generoso, satisfecho y feliz cuando despide una actuación, sin que pueda evitar un gesto de tristeza en su rostro, porque nos había cogido cariño a los que habíamos ido a verle”. En definitiva, “un coloso del rock, que jamás dejó de admirar con ferviente pasión a Elvis Presley; un artista, como aquél, que sigue dignificando el poderío de un género tan inmortal como la esencia de la música, el rock”.

The Beach Boys. Su tarjeta de presentación: unos californianos guaperas y
descarados que pusieron de moda el “surf-rock” en los 60, con sus “Buenas
vibraciones”,  Para mí: unos recuerdos en “blanco y negro” de desenfado.

Y sé que no están todas las canciones, que hay muchas más que no quisiera olvidar y que desearía que “el tiempo” se las llevase “en su maleta” para hacerlas inmortales. Es posible que la mayor parte de ellas aparezcan en mi libro “La música de mis tiempos”.

Ahora, solo puedo referirme a algunas porque son las que tengo más reciente entre mis recuerdos. Quizá, porque son las que dudé para ponerlas entre “las 20” y después quedaron fuera. ¡Bueno…!, la cuestión es que, entre ellas estaban estas otras 10 (y haciendo clic en los títulos se podrán visionar sus vídeos): “Blowin´in the wind”, de Bob Dylan; “Good Vibrations”, de The Beach Boys; “Song Sung Blue”, de Neil Diamond; “If you leave me now”, de Chicago; “Morning has broken”, de Cat Stevens; “Dance me to the end of love”, de Leonard Cohen; “You´ve got a friend”, de James Taylor y Carole King; “Goodbye to the Island”, de Bonnie Tyler; “Thank for the Music”, de Abba; “Non je ne suis plus la meme”, de Sylvie Vartan. Quizá, entonces debí seleccionar en mi homenaje a “mis 30 mejores canciones”, y eso sin contar algunas más de las que pertenecen a las “chansons” francesas, a las que tanto he elogiado.

Finalmente, no quisiera olvidar la referencia a otra docena de canciones que alguna vez

No quedan en el olvido, sino en mi discoteca privada de canciones
más recientes, un montón incontable de temas interpretados por
unos y otros artistas, unos más conocidos, otros menos, algunos
más viejos, otros más nuevos, pero a los que siempre podré
hacer homenaje en mi obra "La música de mis tiempos".

envolvieron, con su aroma musical, momentos, escenas y recuerdos. Y fueron: “The Boxer”, de Simon & Garfunkel; “Lady Jane”, de The Rolling Stones; “Tears in Heaven”, de Eric Clapton; “Shape of my heart”, de Sting; “Waitin´ on a sunny day”, de Bruce Springsteen; “Daniel”, de Elton John; “I don´t want to talk about it”, de Rod Stewart; “Crying”, de Roy Orbison (con Springsteen al seg. 48); “Rhymes and Reasons”, de John Denver; “What a Wonderful World”, de Eva Cassidy; “The Winner takes it all”, de Abba; “One night”, de The Corrs. Por cierto, y a propósito de la imagen de Norah Jones que aparece encima de estas líneas, también recordar a ella y a Diana Krall, “la estrellona” del jazz, en cualquiera de sus temas.

Un Long Play gira en mi tocadiscos. La nostalgia la pone la portada de uno de esos

discos de vinilo que hay guardados en el estante, las notas de ese piano y los acordes

de la guitarra, ahora ambos en silencio. Pero, sobre todo, es el mensaje musical de la

canción el que nos trae aquellos hermosos recuerdos. (Es uno de “mis refugios”)

No hace mucho, en uno de esos “encuentros de amigos en defensa del vinilo” que solía celebrar en estos últimos años, ensalzando las virtudes del disco de vinilo y del viejo gramófono, decía: “Cuando oyes la música, ves como gira tu long play y observas esa nostálgica portada; y así, tu mente será capaz de viajar hasta aquellos viejos recuerdos y tu corazón podrá volver a soñar”. Bueno, quizá, demasiado romántico; pero todos sabemos que la música y las canciones, cuando las escuchamos, no importan desde donde venga su sonido, envuelven nuestros recuerdos, identifican nuestra sensibilidad y nos ayudan a… soñar.

Y en estos tiempos en que sufrimos el despojo de muchos de nuestros más preciados

Siempre he pensado que hay un hada buena y bella, como la misma
música que se encarga de cuidarla y protegerla, para que jamás se
marchite ni pierda su magia ni su encanto, ni para que la ruindad
humana la expolie o la corrompa.

bienes, como la cosecha de nuestros sacrificios y ahorros, y en los que padecemos el saqueo, a veces, del patrimonio de nuestra dignidad y de nuestro orgullo personal, supongo que las canciones y sus estrellas nadie nos las puede arrebatar, porque su recuerdo y el aroma de su música estará siempre en nuestros corazones y ahí no llega la ruindad de los pillos y saqueadores que nos dirigen y gobiernan.

Esta obra está dedicada a todos los amigos de la música y de la canción que la aman y la respetan. Además, está muy especialmente dedicada a quienes fueron mis viejos y lejanos amigos, que quizá no

verán mi trabajo, y a mis “amigos en defensa del vinilo”. Y está dedicada, con mucho

Y está dedicada a los que buscan un lugar para soñar,
no pueden evitar enamorarse y encuentran su
felicidad en el reflejo de los ojos de la
persona a la que están besando.

cariño, a “mis amigos con alma sensible”, aquellos que compartieron conmigo buenos y malos momentos, pero que fueron leales a nuestra amistad. Para ellos, para los que aún tengo muy cerca y siguen siendo cómplices de todo lo bueno que hay dentro de la  música y de su mensaje, este disco cd que reúne esos “mis 20 mejores canciones de la historia” y que llevan este orden, junto a su particular mensaje:

-

   1. Walk of life” – Dire Straits. “Son las viejas doradas canciones, las que él le dedica a una mujer y que se las dedica a través del paseo de la vida”.

2.    “California dreamin´” – Tha Mamas and the Papas. “Siempre hay un lugar para soñar con un hermoso día de invierno”.

3.    “I say a little prayer” – Aretha Franklin. “Siempre estás en mi alma y siempre le pido a mi corazón por ti, como una pequeña oración”.

 

A veces, me refugio en la mediocridad de cualquier lugar, pero
lejos de la rutina, y escucho a una chica que toca su guitarra y
me canta otras canciones, quizá más nostálgicas, pero suaves
y muy dulces. La chica... ¿tal vez Sophie? sé que estuvo allí,
que estuvo "ayer", pero ahora es un sueño.

4.    “The house of the rising sun” – The Animals. “Todos necesitamos alguna vez la casa del sol naciente en aquella onírica dimensión para encontrar la paz”.

5.    “Yesterday” – The Beatles. “Desde todo en lo que creí del ayer hasta que ella se fue, necesito un lugar en donde esconderme”

6.    “A whiter shade of pale” – Procol Harum. “Soñé aquella noche que bailaba con ella un suave fandango y llevaba un vestido blanco satén”. (Creo que ella se llamaba Sophie).

7.    “Can´t help falling in love” – Elvis Presley. “Los sabios dicen que solo los tontos se enamoran, pero yo no puedo evitar enamorarme de ti”.

8.    “Killing me softly with his song” – Roberta Flack. “Cantaba como si conociera todas mis penas, matándome suavemente con su canción”.

9.    “Nights in White satin”. The Moody Blues. “Noches de blanco satén que nunca terminan, cartas escritas que nunca llegan, sentimientos y besos que se olvidan”.

10. “The will survive” – Gloria Gaynor. “Al principio tuve miedo y temí que no pudiera vivir sin ti, luego pasé noches llorando y creí que me moriría, pero sobreviviré”.

11. “I started a jofe” – Bee Gees. “Yo comencé una broma y luego todo el mundo comenzó a llorar, miré los cielos, cerré mis ojos, el mundo comenzó a vivir y yo finalmente morí”.

12. “Girl” – Beatles. “¡Ah, chica, chica! Sé que estás ahí, pero eres un sueño, eres… quizá eras Sophie”.

13. “Have you ever seen the rain?” – Creedence. “Alguien me dijo que hay una calma antes de la tormenta, y dicen que lloverá en un día soleado”.

14. “Hotel California” – Eagles. “Un lejano paraíso, un lugar perdido en su destino y en los sueños, y tal vez vencido por el desengaño”.

15. “Imagine” – John Lennon. “Imagina un mundo viviendo el día a día, con una vida en paz, sin países, sin posesiones, sin hambre, sin religión, pero sin odios”.

16. “Baby, I love your way” – Peter Frampton. “Me encanta tu forma de ser, la puesta de sol en tus ojos, me encanta ver el brillo de tu sonrisa en la noche”.

17. “Give a little bit” – Supertramp. “Dame un poco de tu amor y yo te daré mucho más de mi amor, dama un poco de tu tiempo y yo te daré toda mi vida”.

18. “Suspicious minds”. Elvis Presley. “Seca las lágrimas de tus ojos, confiemos en la bondad de nuestra mente y dejemos nuestro amor sobrevivir”.

19. “I wanna marry you” – Bruce Springsteen. “La mirada de tus ojos y la visión de su destello es la mejor escena para soñar en una bonita noche”.

20. “Brothers in arms” – Dire Straits. “Está escrito en la luz de las estrellas y en la líneas de la mano que estamos locos por hacer la guerra a nuestros propios hermanos. Solo importa que todos nosotros nos sintamos hermanos y busquemos ser felices en un mismo mundo”.

Así que, abandonándome a la fascinación del mensaje

de algunas de “mis 20 mejores canciones”,

me gustaría dedicar este libro:

-

A quienes buscan un paraíso lejano o un lugar mágico para soñar.

Nos invaden los recuerdos de una imagen nostálgica,

casi perdida en el tiempo, cuando recuperamos aquella

canción del pasado y vemos las escenas que vivimos o

soñamos, cómo giran en el gramófono de la vida. Quizá 

también la imagen deberíamos de guardarla en la caja

de nuestros tesoros, junto con la música que la

identificaba, pues cuando  recobremos su luz y su

sonido nos libraremos de la desdicha de la realidad que

ahora, tal vez, nos desalienta. (Para ti, Jane).

A quienes son generosos con el corazón que aman.

A los tontos que no pueden evitar enamorarse.

A quienes han llorado y sobreviven al desengaño.

A quienes sienten que una canción está matando su corazón.

A quienes imaginan un mundo en paz, sin naciones y sin odios.

A los que les fascina ver una puesta de sol en los ojos de quien aman

y les deslumbra el brillo de su sonrisa en la noche.

A quienes le dan un poco de su vida a la persona que quieren, sin apenas recibir nada.

A quienes sueñan con las “noches de blanco satén” y se envuelven “con su blanca palidez”.

Y a quienes buscan sentirse solo hermanos, unidos en un mismo mundo

y no en mundos diferentes.

Y muy especialmente, a quienes escuchan el grito de aquel que teme la oscuridad que le atenaza y que acude para acompañarle en sus noches más sombrías

e iluminar su alma desesperanzada.

(Basada en la canción “You´ve got a friend”, de James Taylor y Carole King)

Finalmente, decir que esta obra está dedicada a esa gente maravillosa que perteneció a la cultura musical de esas décadas de entre las que extraje “mis 20 mejores canciones” y a la que, aún siendo mucho más joven, se identifica con la melodía y el mensaje de algunas de esas canciones. Como esta "buena gente" que aparece en la foto por debajo, con ocasión del “Tercer Encuentro de amigos en defensa del Vinilo”, ahora que el disco de vinilo “resurge de sus cenizas”; para ellos, especialmente, y para los que no pudieron salir, les brindo todas mis canciones y el mensaje de cada una de ellas.

Y también, con mucho cariño, a otro grupo de gente encantadora de la foto inferior; a esos grandes "amigos con alma sensible" que compartieron una entrañable comida de despedida a Pedro Acero. Para ellos, que aún están en mi recuerdo y siempre lo van a estar, y para muchos más que no están ahí, porque sé que todos siguen siendo mis amigos. Pero, sobre todo, y muy especialmente, para Pedro.

“La música es inmensa,

casi infinita,

no tiene dimensiones

ni puede sucumbir.

Está repleta de lágrimas y risas,

de sonidos y de luces,

de suspiros y sonrisas,

de aromas y colores,

de sabores y de brisas.

Y las canciones…

rebosantes de mensajes

de tristezas y lamentos,

de amor y desamores,

de gozos y contentos”

(Ángel González “Rusty Andecor”)

(Es el hada de la música, endulzándose con el arpa, iluminándose con la luz de las velas, envolviéndose con los azules de sus lugares encantados. Ella es la que nos sumerge en el sueño de la música: Es el hada Malvaazul)

Para acceder a la primera y segunda parte de esta crónica musical y a otros espacios musicales publicados recientemente, haga clic en los títulos:
-

Mis 10 mejores canciones de la historia de la música. Primera parte

-

Mis 10 mejores canciones de la historia de la música. Segunda  parte

Música en el “Hotel California”, soñando bajo las “Noches de blanco satén” y la luz de una “Luna creciente”.