Historias de una canción. 2ª parte. De las canciones internacionales.

Cuando la música habla, mediante la poesía de una canción, nos
 llena el corazón de mensajes y nos describe un escenario que
nos mueve a llenarlo con el poder de nuestra imaginación.

"La música expresa lo que no se puede decir y aquello sobre lo que es imposible dejar en silencio" (Victor Hugo).        

      

Sin embargo... "La música es la clave de la armonía del silencio y del alivio de la tristeza"

(Rusty Andecor)

  

"Cuando las palabras fallan, la música habla"

(Christian Andersen).

                                 

Incluso, es posible que... "Cuando la literatura no se decide contar una historia, la música lo hace a través de una canción"

(Rusty Andecor)

       

Son algunas de las damas que originaron historias de amor en una
canción: Sylvie Vartan, Fancoise Hardy, Dalida y Carole King.

Sabemos que la música provoca emociones, estimula el estado anímico e incluso aviva los sentimientos, como lo hace la canción. Puede aumentar el bienestar mental. Y puede ser una terapia para liberar tensiones y el estrés psíquico. Sin embargo, también sabemos que, muchas veces, detrás de una canción hay un mensaje. A veces no es más que un título y un estribillo, sin apenas relato, pero que persigue una finalidad. A veces, no es más que una queja, un lamento, una pena, un gozo, una declaración de amor. Otras, llevan una historia real. La letra del autor se esconde tras una supuesta ficción o un acontecer verdadero. Se queda encubierta tras la metáfora de los versos o de un texto enmascarado, a veces enmarañado, depende de la intención del autor de la canción. Pero, en ocasiones es la propia la música, y solo la música, el medio de comunicación del mensaje, y en algunos casos de la historia. En general, la letra es la forma argumental de la pintura musical, es el mensaje propiamente dicho; y la música es el color que enmarca e impregna el alma en ese mensaje. Para mí, la música es la auténtica poesía.
   

Ornella Vanoni y Gino Paoli. Un amor secreto que sólo revelaría
mucho después la canción que Gino dedicaría a Ornella, cuando
se decidieron a cantarla juntos.

Es curioso, porque mientras que hay historias que se componen musicalmente, a través de una canción, incluso relatos de un hecho triste y luctuoso, a veces grato y feliz, en cambio, hay ocasiones en que el autor o el intérprete sólo desea hacer llegar un mensaje a quien ha sido su inspiración, y lo hace a través de una letra construida con sólo unos versos tan enrevesadamente metafóricos como su intención de que quede oculto su mensaje. Tal fue parte del poema que escribió el compositor y cantante italiano Gino Paoli en su canción "Senza Fine", cuando comenzaba con estos verso: "Sin fin, tú eres un instante sin fin, no tienes ayer y no tienes mañana, todo está en tus manos, manos grandes, manos sin fin". Podía referirse al presente, a su destino; podía aludir al amor, a su instante. Pero estaba dedicando sus versos a su amada Ornella Vanoni.

      

Ornella Vanoni, una de las divas de la canción italiana, quizá
la más carismática. Conocida, sobre todo, por un tema que
solía dedicarle a Gino Paoli: "L´appuntamento"

Sin embargo, esta canción llevaba en su letra otros versos que estaban delatando el amor del autor hacia una persona. El compositor se declaraba así en su canción: "No me importa la luna, no me importan las estrellas. Tú para mí eres luna y estrellas. Tú para mí eres sol y cielo. Tú para mi eres todo, todo lo que quiero tener. Sin fin...". Gino se estaba declarando a Ornella, pero ella estaba casada y él no deseaba que nadie más que ella conociera sus sentimientos. Aún así, consiguió hacerle llegar la canción para que la cantara. Y "Senza Fine", en esta grabación, fue la primera vez que Ornella Vanoni la interpretó. Ella conocía su declaración de amor, pero entonces no pudo corresponderle. Paoli buscó el olvido de su amada Vanoni enamorándose de una jovencísima actriz, Stefania Sandrelli, a quien cautivó con otra de sus romántica canciones ("Il cielo in una stanza"). La bella Stefania solo tenía 16 años cuando comenzó a ser pareja de Gino. Pero, aunque enamorado de ésta, Paoli seguía obsesionado por Vanoni. En 1963 se intentó suicidar disparándose un tiro en el corazón. Fue un milagro que pudiera salvarse. Gino y Ornella tenían entonces 29 años. (Clic en los títulos resaltados para vídeos)

         

Una de las últimas apariciones de Ornella Vanoni, junto a su amigo
Gino Paoli, precisamente interpretando "Senza Fine", la canción
que les uniría para siempre.

Lo cierto es que aquel suceso daría lugar al comienzo de un romance que recordó después su parecido al de Dalida y Luigi Tenco, aunque éste con un final más trágico. En la trayectoria artística de ambos, el compositor y la cantante tuvieron ocasiones de celebrar su buena relación actuando juntos y cantando la famosa canción que escribía su historia de amor: "Senza Fine", una de las más románticas de la música melódica italiana y que les uniría para siempre. Esta versión es una de las interpretadas entre los dos, en conjunto, quizá una de las últimas apariciones cuando ambos contaban ya 70 años.

            

De Ornella Vanoni, entre su largo repertorio de canciones, hay que recordar el tema "L´appuntamento", el más exitoso de su carrera, ya que al parecer, aunque no lo citaba, solía dedicárselo siempre a su amigo Gino Paoli. Por cierto, quiero hacer referencia de una versión de "Senza Fine" extraordinariamente espectacular, como veremos en el vídeo extraído del la película "Ghosp Ship", en esta ocasión interpretada por Mónica Mancini (la hija de Henry Mancini), aunque quien aparece cantando es la actriz del film, Francesca Rettondini.

          

Orquesta de cuerda. Pintura del alicantino Luis Sala

La verdad es que -pienso yo- "La música es el desahogo del espíritu abatido o turbado por la fría y rigurosa realidad; a veces, alivio del encorsetado de la mente; otras, la liberación del alma aturdida o confundida por la ansiedad de la desesperanza o desilusión, o por la angustia de dificultades y conflictos". El poeta y ensayista libanés Gibran Khalil decía: "La música es el lenguaje del espíritu. Abre el secreto de la vida trayendo la paz y aboliendo los conflictos". En cuando a la canción, digamos que es como "la literatura que aclara el mensaje etéreo de la música, o que clarifica el sentimiento o emoción que ella transmite".

                

El "Hotel California" es el lejano paraíso de una extraña dimensión
que muchos de nosotros buscamos no se sabe dónde y que cuando
lo encontramos sólo podemos entrar en él a través de
la puerta de los sueños. (Foto de la portada del disco)

Dicho esto, y antes de entrar de lleno en las "historias de una canción" que he seleccionado, también habría que tener claro que la canción, en ocasiones, es un medio de comunicación en el que, a través del arte de la música, transmite la visión de los ensueños que percibimos o que sugiere nuestro subconsciente. A veces, el mensaje es tan difícil componerlo en una letra que ha de escribirse tan figurada o metafóricamente como nuestra capacidad imaginativa nos permite. Se me ocurre, como ejemplo, una canción de mediados de los 70 de un grupo estadounidense llamado "Eagles" y cuyo título era "Hotel California". Realmente, el tema tuvo muchas interpretaciones. Quizá la más ajustada a la intención de los autores fue la que Don Henley, uno de los fundadores del grupo, compositor y cantante, quiso explicar en alguna ocasión: "Hotel California es un refugio, un lugar alejado de la incomprensión al que tiene que acudir ese ser humano perdido en su destino y tal vez vencido por el desengaño". (Clic en los títulos resaltados anteriores y posteriores para vídeos)
          

Don Felder y Glenn Frey, de la banda "Eagles", en plena actuación
de la famosa canción "Hotel California". Felder fue el autor de los
solos de guitarra del tema y de su espectacular comienzo.

Henley dijo también: "Hotel California es el lejano paraíso de aquella extraña y onírica dimensión que muchos de nosotros buscamos no se sabe cómo y dónde", añadiendo, tal vez para intentar "aclarar" el porqué, el sentido y la razón de esa búsqueda: "... Es un viaje de la inocencia a la experiencia. Eso es todo". Casualmente, Rusty Andecor se refería también a un "Café de París" del que se ha referido en ocasiones en sus memorias, como "un lugar mágico al que se entra a través de la puerta de los sueños", algo así como un "hotel California". Y en cuanto a una parte del texto de la letra de la canción, me llaman la atención estos versos: "Puedes intentar pasar / estamos dispuestos a recibirte / en el momento que quieras / pero nunca te podrías ir".
         

Don Henley, uno de los fundadores de Eagles. Compuso la
letra y le puso alma y leyenda a "Hotel California".

Se dice que los "Eagles", aquella legendaria banda de rock, aportó su visión agridulce de la sociedad estadounidense a través de las ventanas de un hotel que representaba metafóricamente el mundo psicodélico alrededor de las drogas. Y como ocurre a menudo, al menos en algunas de las canciones, hay una pequeña historia sobre "Hotel California". Sin embargo, la historia se condimentó con demasiada fantasía, mucha imaginación. Donald "Don"  Henley llega a un hotel solitario de la baja California. Se había escapado del ahogo, quizá de su "angustia vital", quizá del torbellino de alguna de sus frustraciones, las de un artista incomprendido como él, o quizá de un desengaño sentimental que no llegó a confesar a nadie. A Don lo recibe una chica llamada Mercedes, pero de pronto desaparece y él se ve sumergido entre inmensas paredes de color rojo con franjas del mismo color que se mueven mientras un sonido chirría, como una música aprisionada y suspendida en un espacio que se expande y comprime. Extraños espejos cubren los techos que se acercan y alejan. Don sigue caminando, ahora por un pasillo interminable. Las paredes se vuelven marrón oscuro. El brillo de los espejos le deslumbra.

Inolvidable la imagen de Felder, exhibiendo con espectacular
ostentación su poderosa "double guitar", para iniciar con sus
primeros acordes aquella legendaria canción. 

Siente un aroma penetrante y contempla una luz azul que envuelve una estancia inmensamente grande. Ahora todo se transforma en colores azules y tonos pálidos, y nuevamente aparece Mercedes vestida con un uniforme extraño, pero también del mismo color azul. Se acerca a él, muy sensual, seductora, con una copa de vino en la mano, mientras que desaparece su uniforme y queda completamente desnuda. Desde ese momento y al beber de la copa -confesaría Henley- deja de ser consciente y su percepción de la realidad queda atrapada en una especie de sueño del que despertaría ya fuera de aquel hotel, el "Hotel California". Esto es lo que he podido extraer de Marc Eliot, el que fuera biógrafo de los Eagles. Sin embargo, aparte del texto del libreto de la canción, que desde luego se parece bastante a la experiencia de Don, hay muchas interpretaciones, pocas declaraciones de lo autores y mucha leyenda en torno a la letra de la canción y a los propios componentes de la histórica banda.
                  

Visión onírica y psicodélica del Hotel California.

En cuanto a la verdad, de lo que le debió suceder a Don Henley nadie lo sabe con certeza, ni de los acontecimientos que habrían suscitado tal leyenda. Henley no quiere ya hablar de ello, entre otras razones, como la de estar actualmente dedicado al mundo de la política y a temas ambientales, porque la buena relación que tuvieron él y su compañero Glenn Frey, el otro fundador del grupo, ya fallecido, con Don Felder, el famoso double guitarrista de Eagles y también co-fundador, quedó muy tocada a causa de temas de derechos de autor y sus beneficios económicos. También éste, en sus memorias, cuenta algo tan controvertido en relación con la canción, como que la experiencia que se le atribuye a Don Henley nada tuvo que ver con el quimérico mensaje que se puso luego en la letra de la canción. Incluso, queda en entredicho que el supuesto acontecimiento que vivió Henley se describiera musicalmente con el tema, que por cierto no tenía componentes psicodélicos, en lugar de otro que luego llegaron a componer
          

Es otra pintura con la perspectiva de otra de las
tonalidades y colores del "Hotel California"

“Hotel California”, además de ser una canción llena de mensaje metafóricos y de leyendas, es un rock de culto, un tema representativo de la década de los 70 que hace homenaje a la esencia del más auténtico y puro “viejo rock”. Sus artífices intérpretes y autores de la pieza histórica formaron parte de una legendaria banda tan espectacular en su capacidad de innovación musical como en el de su puesta en escena cuando actuaban en sus conciertos: "Eagles". Se dice, por cierto, que esta inmortal banda de rock podría considerarse como una "One Hit Wonder", célebre por una sola canción, si no hubiera sido por cuanta literatura de mitos y fábulas hubiera rodeado en torno al tema, pero también por la propia excelencia de la obra de culto musical que representó ese rock. El grupo tuvo su origen y estaba afincado en Los Ángeles. Tuvo dos andaduras en su carrera. Una, entre 1971 y 1980. La segunda, entre 1994 y 2016, disolviéndose definitivamente este último año y coincidiendo con la muerte de Glenn Frey, vocalista de la banda.

                  

"Hotel California" es también el título del álbum en el que se incluía el emblemático tema. Fue el quinto LP que grabó el grupo y se vendieron más de 50 millones de copias, además del formato en single. Mucho después, se hizo una reflexión de la genial composición y se dijo que "Hotel California toca diversos asuntos, incluyendo la inocencia y su pérdida, la adicción a las drogas, a la muerte, al peligro de la fatalidad, al fugaz estado de la fama, la turbulencia de las relaciones humanas: la deslealtad y la traición, el desengaño de los sentimientos y el desamor.
                                              

Todo es preciso para describir el mensaje de una canción: la
música, los matices instrumentales y la letra de la canción.

Comenzábamos esta segunda parte de "Las historias de una canción", diciendo que hay canciones, en la literatura de su libreto, en las que apenas hay un mensaje; pues a veces, sólo es el título o un estribillo. Y a veces, ni siquiera hay relato; aunque puede haber una queja, una tristeza, un lamento, o incluso una proclama. Y en ocasiones, la historia se queda en una esperanza, en una ilusión, o en un suspiro de desengaño o desamor. Tal vez, la historia está detrás de la letra, incluso alejada de la propia música. puede que encubierta en la metáfora de los versos. En otras, no hay nada oculto; simplemente, es  el significado literal del texto de la letra.
                 

Es su primer LP con aquella canción: su primera
historia. A veces extraigo el vinilo de su funda y
escucho ahí, en mi equipo, su melancólica voz.

Y así fue como empezó una de esas historias. Una chica muy tímida y solitaria, delgaducha pero guapa, nacida en Paris en 1944 llamada Françoise   Madeleine  Hardy, que se enfrenta a su timidez y se escapa de su soledad con una guitarra que le han regalado. A menudo escucha música por la radio y aprende a tocar la guitarra con las canciones que oye. A los 17 años compagina sus estudios de Literatura en la Sorbona con los de música en el Petit Conservatoire de París. Recorre los clubs parisinos interpretando sus tristes y nostálgicas canciones. Se coloca en una agencia de modelos y también consigue un contrato con la discográfica Vogue. A los 18 escribe su historia y compone ella misma la música. Es su historia real, la que vive. La canción se llama “Tous les garçons et les filles”. En ella describe a las parejas con las que se cruza por la calle, cogidas de las manos, mirándose a los ojos, enamoradas. Y se lamenta de que ella no tiene a nadie que la ame. Sus noches están llenas de tristeza y soledad. Y sueña con alguien que le diga: “Te amo, Françoise”. Y canta así sus últimos versos: "Como los chicos y chicas de mi edad, me pregunto cuándo llegará el día en el que mis ojos en sus ojos y mi mano en su mano, tendré el corazón feliz". Y esa es la sencilla historia de Françoise Madeleine. Una historia que llevó a una canción para colocarse como una de las más importantes e influyentes de la historia de la música pop.
                  

Sylvie Vartan y Francoise Hardy, siempre amigas, siempre se
llevaron bien. Izquierda, en los 60. Derecha, en la actualidad

El impacto del aquel primer éxito y los que en aquellos años de la década de los 60 vinieron después, los que aparecieron en sucesivos álbumes, la convirtieron en una de las "Damas de la Chanson" de entonces, compitiendo con Sylvie Vartan, otra de aquellas inolvidables "damas". La verdad es que yo, en aquella época, la identificaba como "Le chanteur de l'âme". Teníamos a Sylvie, que era la musa de nuestra líbido, la francesita de nuestros deseos carnales, pues no había nadie más sensual que ella. Y teníamos a Françoise, que era la musa de nuestros corazones; nadie mejor que ella para abrazar nuestro inquieto y turbado espíritu, para aliviar nuestros secretos del alma, para hacer compañía a nuestros desencantos y desamores.         

              

Pintura de Francoise Hardy, en su clásica pose tocando la guitarra
en los 60. Su voz era un torrente de dulzura, sugerencias y de una
sutil melancolía. El beso del alma, la caricia del espíritu.

Así entendíamos, la generación de los 60, a Françoise Hardy. Como a la dulce trovadora del espíritu. Y lo cierto es que, aunque la letra de una canción puede transmitir aún mejor el mensaje de la música de su partitura, en general, o expresar lo que la música no llega a interpretar más claramente, a veces es la voz de la artista que canta su trova, la que nos sugiere aquello que no nos transmite la música ni el libreto de la canción. Alphonso de Lamartine decía: "La música es la literatura del corazón, que comienza donde terminan las palabras", yo diría que la voz del intérprete de la canción es como la pintura que nos muestra la poesía visual de la música que escuchamos. Volviendo a Françoise Hardy, canciones como "L´amitié", "L´anamour", "Á quoi ça sert", "Rendez-vous d´automne" o "Mon amie la rose", de aquella década de los 60, no serían tan sugerentes ni descriptivas si no fueran interpretadas por esa voz de Françoise, tenue y frágil, aunque dulce y melancólica, como la caricia de los sentidos, o la de alguna de aquellas de nuestras tristezas.
              

Momento de la actuación de Francoise Hardy, en la presentación
de su disco "L´amour fou", en que precisamente está inpretando
la canción "Piano-bar".

Y como de poesía visual vamos a seguir, descrita desde los confines de "las historias de una canción", aunque de la música y la voz sugerente de Françoise Hardy, nada mejor que adentrarnos en una triste historia que debió suceder alguna vez. La describe Françoise, con el tono más melancólico de su voz. Lo hace en esta canción que compuso conjuntamente con el pianista y también compositor Alain Lanty. Es una balada triste que cuenta los recuerdos de un encuentro muy esperado y deseado, en el bar de un hotel. Emocionada de ilusión, ella espera que él aparezca. Aturdida por un falso ambiente, ruidos de mucha gente alrededor. Luego, todo se va desvaneciendo; la gente desaparece, cesa el murmullo, el último cócktail. Y Françoise continúa cantando: "Mi inquietud se alivia mientras escucho la música de un piano triste. Él no llega, una penumbra me envuelve. Se produce un milagro del cielo. Él viene hacia mí, puede ser que esté soñando. Es una locura volvernos a ver. Una locura de amarte así. De pronto, suena un blues extraño, veo una sonrisa mortal. Como una estrella fugaz en la noche. El mundo desaparece y se vuelve irreal. Quizá es real y él no estuvo nunca allí".
          

De la chica solitaria que era a sus 18 años, pasó muy pronto
a tener buenos amigos, como Mick Jagger o el propio Dalí.

Françoise no volvió a referirse a la experiencia de ese recuerdo. Se dijo que cuando ella grabó el álbum "L´amour fou" en 2012 ella estaba muy afectada por su enfermedad. Un terrible cáncer del que no hace mucho se recuperaría. Sin embargo, concentró toda su inspiración para componer en ese disco algunas de las mejores canciones de su carrera, puede que de las más nostálgicas y tristes. Ahí describiría, desde sus relaciones de amor-odio con su madre, a la que ayudó a morir al practicarle una eutanasia, hasta "l´amour fou" e imposible que sintió al lado de Jacques Dutronc, su marido desde que ella tenía 37 años y a quien él abandonó para vivir con otra mujer ya hace más de 20 años. En ese álbum quedan al descubierto las profundas cicatrices de una vida vivida sin tapujos. En definitiva, son canciones basadas en los desgarradores pasajes de su vida y que desvela en sus memorias contenidas en un libro autobiográfico que publicó en 2008 con el título, traducido al español, "La desesperación de los simios y otras bagatelas". (Estos son datos extraídos del artículo de Carles Gámez, en "El País")
                

Francoise Hardy, no sólo ha sido una autora de culto de la canción
francesa y una voz única y sugerente en la interpretación de
tristes baladas. En realidad, ha sido una de las artista más
relevantes y respetadas de la cultura musical mundial.

Y aunque esa declaración compungida, la que describe tan melancólicamente en su canción "Piano-bar", no  fuera reconocida por ella, la autora de la letra en la que relata esa parte de la historia de su vida, todos sabemos que se estaba refiriendo a su marido. Sus recuerdos en el piano-bar del hotel, el que tal vez ella imagina "en algún lugar del tiempo"; la música de un "blues extraño" y la penumbra, el último cóctel y la soledad. La súbita aparición de él y "su locura". El reflejo de ella misma contemplando una "sonrisa mortal". Y luego, el desvanecimiento de la imagen de él, como si aquella visión hubiera sido producto de un sueño. Nunca hemos dudado que la persona que anhelaba ver aparecer era Jacques. La realidad es que Francoise llevaba una vida discreta, reservada, no se le conocía devaneo amoroso alguno. Solo tenía lugar para su familia y siempre hablaba bien de su marido. Y siempre le recordaba. 
                     
Y esta es la historia de la canción, su segunda canción. Es posible que, en aquellos momentos en que debido a su enfermedad, en que la vida parecía que la iba a abandonar, Françoise se aferrara a la esperanza de aquel encuentro. Quizá fue para compensar la balanza de su destino. Sin embargo, tal y como describe la canción, llegó el amanecer y comprendió que él nunca volvería.
                    

La música inspira un mensaje. A veces, el mensaje inspira la
música. Y a veces, una historia inspira una canción.

Si decíamos en la primera parte de este reportaje que el compositor, cuando escribe una letra, recurre a menudo a la ficción, a la inspiración que encuentra en su imaginación, en otras ocasiones es la historia real de la vida la que aparece en el libreto, bajo la poesía de la música. Y en ese contenido textual, el autor busca la emoción de los sentimientos, la felicidad y la tristeza, la ilusión y el desencanto, el regocijo y el llano. Se trata de componer la poesía de una canción, que adorne después el marco de la música.
           
Lo cierto es que hay historias increíbles, maravillosas, aunque tristes algunas de ellas. Historias fantásticas e impresionantes. Historias que ha vivido el autor o que las ha encontrado de cerca o recogido de lejos, y que las ha inspirado la poesía de su alma creadora.
             

Pier Angeli y James Dean en uno de sus momentos más felices.

Esta es una historia de amor hermosa, pero malograda, que relata la canción "Luna Rossa" y que escuchamos en la voz de Pier Angeli. (Clic en el título de la canción). Anna María le canta a su adorado Jimmy: "La luna roja me habla de ti, yo le pregunto porqué te fuiste, sin verme, sin despedirte, y le pregunto si me estás esperando. La luna me contesta que allí ya no hay nadie, pero yo sé dónde encontrarte, porque sé que me estás esperando, allá en las estrellas. Por eso, voy a reunirme contigo muy pronto".
  
Ella era Pier Angeli; él, James Dean. Dos míticas estrellas del cine de los 50. Ella, un día se tomó el "elixir de la muerte" para volver a encontrarse con "su único, verdadero y eterno amor", como así le gustaba llamarle.
     

Imágenes de Angeli de distintos personajes que interpretó

Lo cierto es que 16 años después de que James Dean tuviera aquel desafortunado accidente en el que perdiera la vida, también la luz de la estrella Pier Angeli se apagaría para siempre. Había sido la fatalidad del destino.
                   
La letra del tema que escuchamos, en parte modificada por las palabras que Anna María quiso dedicarle a Jimmy, pertenece a una canción popular napolitana titulada "Luna Rossa", y que popularizó Claudio Villa.
               
Pier Angeli había nacido en Cerdeña, Italia. Debutó en el cine a los 17 años de la mano de Vittorio de Sica, pero pronto Hollywood la reclama y protagoniza dos películas: "El milagro del cuadro" y "Teresa". Y cuando apenas ha cumplido 24 años, Pier Angeli se consagra como estrella al protagonizar junto a Paul Newman el film "Marcado por el odio".
                   

Anna María fue un precedente del encanto de Audrey Hepburn

Antecesora del icono femenino de Audrey Hepburn, quien heredó su aureola glamurosa, a semejanza de la naturalidad y dulzura también de su persona, Pier Angeli no era una belleza exuberante, pero si un bonito rostro. Y aunque de temperamento frágil y de poca confianza en si misma, lo que le llevó a dudar de sus dotes artísticas, fue el encanto de su aspecto tierno y sencillo, lo que dio un perfil para interpretar con maestría sus personajes. Y fue ese mismo encanto el que fascinó y enamoró a James Dean, a pesar de su antagonismo personal, de la aparente incompatibilidad de sus caracteres.
                              
Pero ese feliz acontecimiento, al conocer a James Dean, cuando sólo tenía 21 años, y la oportunidad de convertirse al año siguiente en estrella del cine, ambas circunstancias se truncarían y su destino se cruzaría poco después con la fatalidad. Antes, en 1953 Angeli rodaba "Tres amores", Dean "Al este del Edén".

Anna María y Jimmy, una pareja de leyenda,
casi de cuento, cuya triste historia cantó
la misma Angeli en "Luna Rossa"

El flechazo fue instantáneo, tan rápido como la desaprobación de la madre de Angeli. El apasionado romance duraría poco más de 3 meses. La influencia dictatorial de la madre de Anna María la separó de él para obligarla a contraer un matrimonio con quien ella no deseaba. La inestabilidad emocional que la situación le produjo la conduciría poco a poco al declive de su carrera profesional y a sumergirse en el mundo de lo barbitúricos.
                                     
Tampoco James Dean se recuperó al perder a Anna María, "su gran y único amor", como él solía decir. Pues debido a la ruptura de Angeli con él y su enlace después con otro hombre. Dean quedó desolado. Tanto es así, que se publicó el escándalo que montó en la boda en la que apareció de improviso a la salida de la iglesia haciendo rugir durante unos minutos el motor de su Porsche, queriéndole describir con esa demostración su llanto de dolor. Nada le pudo consolar y terminó refugiándose durante el último año de su vida en los autos de carrera.
                                    

El famoso Porsche de James Dean, horas antes de emprender su
fatal viaje.

Anna María Pier Angeli, después de la triste separación de Jimmy, tuvo que sufrir también su dramática muerte. La tragedia afectó tanto a su vulnerable estado anímico que tuvo ya un intento de suicidio. Luego, nunca más volvería a encontrar una relación sentimental estable. Aquella terrible desgracia la marcaría durante el resto de su carrera en el cine, que fue cayendo hasta que acabó con su vida.
                                            
Y el hecho es que entre quienes conocieron a la pareja, nadie podía entender cómo se pudo afianzar una relación entre una chica sensible y tranquila como ella y un chico rebelde y salvaje como él. Dean decía de Angeli que "era una mujer real y auténtica, lejos de la simpleza y la farsa del resto de las divas del cine".

Composición ilustrada de la imagen de Angeli en algunos de sus
perfiles publicados. A la derecha, con Dean en una gala.

Jane Allen, en "Pier Angeli, una vida frágil", biografía de la infortunada actriz, cita algunas cartas que Angeli dirige a un amigo al que ya le habría confesado su eterno amor por el legendario Jimmy. La biógrafa se refiere a la declaración de Angeli escribe: "Éramos como Romeo y Julieta, juntos e inseparables. A veces, nos amábamos tanto que, simplemente, queríamos caminar cogidos de la mano; unas veces, bajo la intensa luna, que veíamos rosa; otras, cerca del mar. Sabíamos que estaríamos junto para siempre. Queríamos estar cerca el uno del otro para toda la eternidad". En otra carta decía: "Por mi culpa, mi amor se refugió en los coches y murió al volante de su Porsche". Hace 17 años que he estado sola, desesperadamente sola. Quiero encontrar la paz y ser libre para estar finalmente con Jimmy y también con mi padre de nuevo".   
           

Otro testimonio gráfico del encanto de Pier Angeli

Allen continúa en su libro: "Fred, un camarero de una coctelería que solía frecuentar ella sola, debido a que estaba muy cerca de su residencia, le llegó a decir: "Fred, dame otra copa porque quiero ver a mi Jimmy y si estoy serena no puedo verle. Creo que un día de estos me reuniré con él". Luego, en los últimos meses, Angeli se encontraba aún más deprimida, arruinada, y hundida ya como actriz, sin amigos. Tenía miedo a perder la belleza de su juventud, aún conservando parte de ella. Por ello, decía: "Tengo miedo a envejecer y llegar a encontrarme con Jimmy y que no me reconozca". Lo último que se recuerda que dijo fue: "No tengo consuelo porque mi amor quedó allí y murió con su Porsche". Finalmente, una sobredosis de barbitúricos terminó con su vida. Anna María acaba de cumplir 39 años".
         

Angeli, a la izquierda, cuando solo tenía 19 años; a la derecha,
20 años después, unos meses antes de su muerte.

El broche final de esta romántica, aunque triste crónica, lo pone la propia canción que cantó Pier Angeli, evocando sus recuerdos, tal vez para reencontrarse con el escenario de aquella "Luna Rossa". Es un tema que incluye un álbum que dedica a la canción italiana y que grabó en 1959 con el título de "Italia con Pier Angeli". Hay otras dos canciones en las que podemos percibir su sentimiento cuando escuchamos la caricia de su voz dulce y lánguida. Temas en los que dedica todo su recuerdo. En "Amore, baciami", describe su amor así: "Amor, bésame, bésame y abrázame fuerte...". En "Anema e core", le dedica: "Porqué decirnos palabras amargas, si podemos hablarnos con el alma y el corazón". El vídeo del enlace del título, el que yo edité en el 45 aniversario de su muerte, está dedicado con mi cariño y admiración a Anna Maria y Jimmy, dos seres maravillosos que se amaron hasta la muerte. Si lo veis, encontraréis algunas fotos en las que se ven juntos y felices.
           

Otro de los momentos felices de Pier Angeli y James Dean

En cuanto a todo cuanto se dijo sobre James Dean, sobre su supuesta homosexualidad, parece que se le difamó injustificadamente. Sus compañeros y amigos Elizabeth Taylor, Natalie Wood y Dennis Hooper se encargaron de declarar después que todo era una mentira que un tipo de prensa se encargó de difundir. El periodista Kevin Sessums confesó que Taylor le había dicho que la aparente y supuesta rebeldía de Dean le venía al quedar traumatizado por una supuesta violación que sufrió de un pastor de la iglesia cuando era niño. Alguien se encargó de ensañarse con Jimmy tergiversando los hechos con rumores falsos, comprometiendo la inclinación sexual de James Dean.
           

Es el álbum que Dalida dedicó a Julien

Otra de las historias de amor que escribió la leyenda de una artista de la canción fue la que cantó la italiana Dalida. La canción: "Il venait d´avoir 18 años" (Él tenía 18 años"). Lo cierto es que también es una historia dramática que, como la de Pier Angeli, tampoco tuvo final feliz.
           
Dalida, de nombre original Jolanda Cristina Gigliotti, cantante y actriz italiana, aunque nacida en 1933 en El Cairo, Egipto y de nacionalidad francesa. Consiguió 55 discos de oro a lo largo de su carrera, además de varios de platino y uno de diamante. Vendió más de 150 millones de discos en todo el mundo. Recientemente se han cumplido 32 años de su muerte.

Sin embargo, hay una historia anterior a la de la canción que grabó en 1973. Una historia trágica sucedida seis años antes, que quizá es la que origina la que describe la canción y que es preciso antes recordarla. Y es curiosa la semejanza con la anterior, pues si Angeli murió a causa de los barbitúricos 16 años después de la tragedia de James Dean, también Dalida murió de la misma forma 20 años desde que sucedió la muerte trágica de Tenco.

Algunos de los momentos de la pareja Luigi y Dalida

Bien, pues así comienza la auténtica historia de Luigi y Dalida. Una historia de amor que hubiera valido la pena haber llevado al cine.  Dalida -aunque su nombre original es Jolanda, así la llamaban- y el cantautor italiano Luigi Tenco forman una pareja sentimental. Los dos eran excesivamente románticos. Jolanda, muy apasionada. Luigi, un intelectual de izquierdas. En 1967 Dalida y Luigi se presentan al Festival de San Remo. La canción del compositor y que canta Dalida, "Ciao amore, ciao",  (clic en el título) es eliminada porque al parecer no cumple las bases del concurso. En el transcurso de la final, Luigi Tenco se encierra en su camerino y se oye un disparo. Dalida corre asustada y se encuentra a Luigi en el suelo, muerto por el disparo de un arma de fuego. El compositor solo tenía 29 años.
            
Se comprueba que ha sido un suicidio. El cantante deja un par de notas. En una de ellas, pide perdón a Jolanda (Dalida) y le dice que no ha podido soportar su fracaso. Otra nota la dirige al público y a la organización del evento. Al primero, le recuerda su entrega y dedicación durante sus últimos años. Al segundo, les acusa de manejar el concurso, de corrupción al jurado, de organizar una farsa y de amañar el festival.
       

Arriba, Dalida. Debajo, Valeria, el amor secreto de Luigi Tenco.

La realidad es que, en el momento de la tragedia, al parecer, Luigi Tenco llevaba un tiempo enamorado de otra mujer, una joven llamada Valeria. Precisamente, sería la propia Dalida, que para su desgracia conocía la historia, quien hace una declaración a la prensa, aclarando la verdad del fracaso a que Luigi se refería y que no pudo soportar. Dijo: "Creo que la verdad de esta muerte injusta la saben Dios y esa muchacha que no supo cuan enamorado estaba Luigi de ella".
        
Dalida, que tenía entonces 34 años. afectada aún por la tragedia que había sufrido por la muerte de su amante, en un momento de fuerte depresión, intenta suicidarse. Un joven estudiante de 18 años llamado Julien y que casualmente aparece, se lo impide. El muchacho se enamora de ella. Dalida no puede evitar la ternura del consuelo que le proporciona el joven y también se enamora de él. Se produce la historia que canta la canción. Una historia de amor furtivo, de lucha contra la soledad y búsqueda de la ilusión, pero también de un encuentro frustrado.

A la izquierda, con Sylvie Vartan y Hallyday, y grabando con Luigi

Finalmente, la situación se pone en contra de su romance y él la abandona. Sin embargo, la historia da lugar a una canción: "Él me sonrió con intención / Yo no quise hablarle de amor / Era hermoso como un niño / Fuerte como un hombre / Él tenía 18 años / Hice de él mi seducción / Me dijo: te deseo / Quiero jugar al amor / No estuvo mal, me dijo / Yo arreglé mi cabello / Escondiendo así mi soledad... / Quizá, mi decepción / Yo vi en él su insolencia / Él solo quiso mi cuerpo y la pasión". Una canción que fue escrita en 1973 por dos compositores amigos y compatriotas de la cantante. Ambos autores conocían su affaire sentimental con el joven. El joven Julien que solo... “Tenía 18 años”. Pues así titularon la canción. Más tarde Dalida le dedicaría su álbum "Julien", aunque detrás de todo, de forma encubierta y en su corazón, siempre estaría Luigi Tenco.        

Dicen que Dalida era más bella cuando estabas más cerca de su
presencia. A la izquierda, su busto en la Plaza de Dalida.

En 1987 Dalida acababa de cumplir 54 años. Había triunfado en varios conciertos. El último, sólo unos días antes. Pero a los pocos días muere de una sobredosis de “Efedrina” (Centramina). La encontraron sin vida en la soledad de su casa de Montmartre, en París. Cerca de su cuerpo apareció una nota que decía: “La vida me es insoportable. Perdonadme”. En su escritorio aparecieron varias cartas. Al parecer Jolanda, como así firmaba, después de 20 años de la muerte de su gran amor Luigi Tenco, le seguía escribiendo y le prometía volver a reunirse con él. Aquel atardecer frío, con llovizna, un 3 de mayo, en el que la voz de Luigi no dejaba de cantarle al oído una canción que había compuesta para ella, "Ho capito che ti amo", y no pudo superar la pena de sin él. Tal vez, la auténtica "historia de una canción" está en este tema. Impresionante el tema, por cierto. (Clic en el título)
           

Dalida tuvo un funeral de jefe de Estado y se convirtió en una figura de culto, pero sobre todo una heroína del amor, del amor hasta la muerte. En 1997 se inauguró la "Plaza de Dalida" en su conmemoración. En una de las fotos de la última composición que se inserta, vemos la estatua erigida en la plaza de su mismo nombre. En 2007 se rememoraron los 20 años de su muerte con una exposición en París dedicada a su figura y memoria.

La jovencita Sylvie, cuando tonteaba y presumía en los guateques
con su cara de muñequita, cursi, tímida y mirando de soslayo.

En las "Historias de una canción", hay una letra que describe a una jovencita que se prepara para ir a bailar, para conquistar a su amado, porque quiere demostrarle que es "la mejor vestida y mejor peinada, la más bonita" y quiere hacer realidad su sueño de conocer la pasión del primer beso, de que su vestido se arrugue y su pelo se despeine por sus abrazos y de que la noche dure toda su vida. La canción, "La plus belle pour aller danser". Ella, quien la cantaba, Sylvie Vartan. El cantante y compositor francés Charles Aznavour, la escribió para ella, para que se la cantara a su admirador Johnny Hallyday, un jovencísimo cantante de rock and roll, un "calavera rompecorazones" del que se ha enamorado. Aznavour dijo que la escribió para que ella se convirtiera en "la más bella del baile", pero  cuando éste conoció a Johnny le dijo: "Sylvie, puedes ser la más bella del baile cuando cantes esta canción, pero ni se te ocurra enamorarte de él, te hará sufrir, porque su afición es jugar con las chicas y hacerlas llorar después". Ella tenía 19 años. (En el vídeo, clic en el título, vemos a una Sylvie aún sosona y muy patosa).

El encanto de su hueco entre sus dientes. Dos de sus primeras
apariciones en los escenarios, allá en 1962.

Sin embargo, la historia comienza un par de años antes. Sylvie frecuenta los guateques y los parties de la calle Victor Hugo, en París. Presumiendo y tonteando con aires de aprendiz de estrella, pues ya hacía sus pinitos cantando, con su cara de joven muñequita, su turbada mirada, la gracia de su irresistible hueco entre dos de sus dientes, su cándida y "tontuela" manera de moverse mientras baila el twist (muy cursi, por cierto). Y cuando canta, ya en sus primeras actuaciones en público, su voz es susurrante y aniñada, aunque  eso sí, con un tono ingenuamente sensual. "Baby it´s you", a sus 18 años, fue su primera grabación, un tema de Beatles. En ella escuchamos aquella voz infantil y melindrosa que entonces la caracterizaba, y con un montaje musical que más bien parece "de juguete". (Clic en título).

            

1962. Sylvie tiene 18 años. Johnny, 19. Surge el flechazo.

La llaman “L'écolière twist" (“la colegiala del twist”). Le gusta ser el centro de las miradas de los chicos y la envidia de las chicas en las pistas de baile. Solo tiene 16 años. Se hace ilusiones con los jóvenes cantantes de moda, se pirla por algunos, aunque suele decir que ella está enamorada de Elvis Presley y de Litle Richard, los dos a la vez, dice. Pero un día acude a ver la actuación de un joven cantante parisino, todavía apenas conocido y que sólo tiene 18 años. Es Johnny Hallyday. Sylvie, con sus 17 años, no para un momento de moverse al son del twist, se queda pasmada mirándole. Tan atontada se pone, aquella chiquilla, menuda y "rubita", que "la  más bella del baile", que así la nombraría su propia canción, deja de bailar. Luego, ella confesaría que él le había hecho un guiño de ojos y le había sonreído de forma sugerente. Sylvie ahora "bebe lo vientos" por aquel chico y se le queda "cara de boba", así la ven, y "enamoradita" de Johnny Hallyday, así le dicen.

La rubita Sylvie no tardaría en seduciría al arrogante Johnny

En aquel año, en 1961, Sylvie se empeña en ser cantante. Pero su voz, entonces, es demasiado frágil y melindrosa. Alguien dijo que "haciendo juego con su cara de boba". Su hermano mayor Eddy, que se mueve en el negocio de la música y de los discos, le ayuda. Por entonces, Charles Aznavour, convertido ya en uno de los "chansonniers" de la canción francesa, también de origen armenio como la familia Vartan, la protege y se convierte en mentor de la joven cantante. Los amigos de Aznavour entienden que se convierte en el "Knk’ahayry", un "padrino" para ella. Charles dijo de Sylvie: "Cette fille attire. Sa voix est petite mais il a un crochet" ("Esta niña atrae. Su voz es menuda, pero tiene gancho"). Para entonces, la gente que la conocía sabe que estaba colada por Johnny Hallyday, pues ella no dejaba de reconocerlo, confesandolo a sus amigas. Ellas le tomaban el pelo y Sylvie se moría de rabia.                            

El hechizo de "La más bella del baile" les llevó a una pasión de
leyenda. En 1964 se convertirían en la pareja del año

Lo cierto es que un día, Sylvie Vartan se encuentra en la fiesta de una promoción discográfica para presentar su segundo álbum “Twiste et Chante”, escenificando la canción de su título. Charles Aznavour se queda encantado viéndola bailar con aquel aire tan tímido y cursi, pero delicioso al mismo tiempo. Luego canta “En ecoutant la pluie” ("El ritmo de la lluvia") y se asombra aún mas por la dulzura de su voz y la sencillez de su estilo. Es entonces cuando alguien la llama “la más bella del baile”. Y así queda bautizada. Aznavour, al cabo de unos días escribe la letra de la canción y su amigo Georges Garvarentz pone la música. Y este es parte del texto del inmortal tema: “He soñado en seda y encaje / y he soñado con mi noche mágica / Si él deseara tener mi amor / en su corazón / y conseguir la primavera de mi vida / para disfrutarla / y encontrar su felicidad… / desde el primer beso... / encontraría el umbral del amor eterno / y pensaría que soy... la más bella para bailar".

Sylvie "la más bella del baile" y "la historia de su canción" se
hicieron tan célebres como su romance. En las fotos, con sus
amigas. Izquierda: a la izquierda, Dalida, a la derecha Sylvie.
Derecha, a la izquierda, Francoise Hardy, a la derecha, ella.
Johnny, siempre en el centro, presumiendo de galán.

Año 1963. Sylvie no tarda mucho en hacer una sonada presentación de  "La plus belle pour aller danser", apadrinada ya por su protector Aznavour. Además, y aprovechando que la canción se incluiría en la película “Cherchez l´idole”, el cantante invita a Hallyday que también participa en el film, pero Aznavour lo hace con intención, para que él conozca aún más a su admiradora Sylvie. Y así, Johnny se queda prendado cuando la ve y la escucha cantando la canción. Tal fue la confusión de Johnny, de tal forma le aturdió la presencia cercana de ella en su actuación, que -dicen- que tropezó con los cables de las cámaras y cayó al suelo aparatosamente. Él tenía 20 años, ella 19. (La versión, clic en el título, es la aparición en el film de referencia. La chica, sale al escenario, tímida y despistada, empujada por el empresario, se mueve con aire soso, sin gracia). Al año siguiente se convierten en la pareja del año. En la galería de fotos se insertan las imágenes de la prueba de su idilio de enamorados. Las puertas de la fama se abren en todos los escenarios y teatros. En 1965 se casan.

Es la evolución de la impresionante belleza de Sylvie, desde la
primera imagen, arriba, en los 70, siguiendo en las siguientes
décadas hasta la actualidad, dejando visible la dureza de sus
facciones que prueban las situaciones que tuvo que soportar.

En cuanto al resto de la historia... la conocemos. La conocemos quienes fuimos sus contemporáneos. Se amarían, se pelarían, se reconciliarían. Se volverían a pelear. Siempre así. Johnny se había convertido en un mujeriego y aunque adoraba a Sylvie, no podía evitar sus devaneos. Luego, él diría que ella siempre fue la mujer que más amó en su vida. Ella, no sólo dijo lo mismo de él, sino que siempre le perdonaba sus infidelidades. Una de las separaciones que sufrieron fue tan dramática para ella que, desesperada y en compañía de una amiga, tuvo un accidente con su coche, falleciendo en el siniestro su acompañante. A los dos años, en 1970, tras una discusión y mientras Johnny conducía, el coche perdió el control. El accidente fue tan aparatoso que Sylvie resultó gravemente herida. Las secuelas en su rostro fueron tales que tuvo que sufrir varias operaciones, y no pudieron evitar la marca de los trasplantes que hubo que hacerle en su cara. Lo cierto es que si comparamos las fotos de su imagen antes del 70 con las posteriores al accidente el rostro de Sylvie está muy cambiado. También es cierto que la dureza de sus facciones, siempre patentes en su imagen, se deben a las situaciones límite que tuvo que soportar Sylvie, sobre todo las provocadas por el trato humillante e inmerecido que  de recibió de Hallyday. En esta versión de "La más bella del baile", tenía 37 años. Sylvie ya se había divorciado hacía un par de años. Su convivencia con Hallyday era insoportable y se había convertido en un calvario para ella. Y por cierto, es el momento de su carrera en que su voz consigue el mejor registro y tono, además de la perfección con que la moldea.

Es la evolución de la historia de su relación con Johnny. De izquierda a derecha: Un momento de su boda,
actuación de un show de la pareja en los 70, aparición en una gala en los 2000, ya divorciados, y en la
actuación de un concierto en la Salle Pleyel en el 2011, quizá su último encuentro cantando juntos.

               
Sylvie Vartan. Hoy, a punto de cumplir 75 años, a pesar de sus conflictos sentimentales, de sus turbulentas relaciones con Johnny Halliday, de una vida nada fácil aún en sus etapas de más éxito, "la dorada rubia Sylvie", sigue siendo "La más bella del baile". Desde aquel 63, con sus 19 años, con su imagen de "rubita" cursi e ingenua, flaca y menuda, en que Aznavour se refería a ella como una niña, y en que presenta su historia en aquella canción, con su voz susurrante y casi infantil, hasta la actualidad, 55 años después, aún con la imponente belleza que exhibió a lo largo de los años, su evolución de "rubiaza" escultural, a pesar de la dureza de los rasgos de su rostro, de la sobriedad de su mirada y de la seriedad y casi imperceptible sonrisa, con su voz ahora más adusta y grave, ella, Sylvie, sigue siendo "La más bella del baile". (Los dos títulos anteriores llevan el enlace con dos homenajes que Rusty Andecor hizo de Sylvie Vartan).

                          

Composición biográfica de algunos de las imágenes de la vida de Sylvie Vartan. A la izquierda, fotos
de "la chica" de sus comienzos en los 60. A la derecha, de "la dama de la chanson", portada de sus
álbumes y eventos. Más a la derecha, una imagen muy sensual de una portada de los 80.

Volviendo a lo que dije, cuando comencé a escribir estos relatos, tengo claro que “la historia de una canción" la inspira, no sólo la realidad de la vida, sino la ilusión y desilusión que nos deja el amor y los desamores que gozamos o sufrimos. Nos la inspira la esperanza y los desengaños que vivimos. Y esa percepción de la historia es la que inspira la música y la poesía de una canción. Bien, pues ésta es una historia más para reunir en esta antología de canciones. Es la historia de la canción que lleva un nombre simbólico de mujer: “Layla”. Su autor e intérprete: Eric Clapton, músico británico, leyenda del rock y del blues. 74 años de edad.

                    

A la izquierda, Harrison y Clapton, siempre inseparables amigos
A la derecha, Harrison y Pattie Boyd, mientras estaban juntos.

Eric Clapton, íntimo amigo de George Harrison, el músico y cantante de los Beatles. Harrison está casado con Pattie Boyd desde 1966. Eric es el mejor amigo de George y George, por su parte, es el mejor amigo de Eric. Pero Clapton está enamorado de Pattie desde un año antes y no puede evitar pretenderla. Pattie lo rechaza y Eric escribe en 1970 la célebre canción “Layla”, cuya letra es una auténtica y apasionada declaración de amor. “Layla” es un sobrenombre que le pone para evitar escribir “Pattie”, porque quiere guardar su pasión en secreto. Layla es un nombre que extrae de un cuento persa de Nezami Ganjavi y que narra la historia de un amor prohibido.
            

Traducida a letra de la canción, ésta es parte de su declaración de Eric a Pattie: “Como un loco me enamoré de ti y quise cambiar el mundo. Layla, me tienes ante ti de rodillas. Layla, te estoy suplicando amor, por favor… No digas que nunca encontraremos un camino. Ni me digas que todo mi amor será en vano. Qué harás cuando te encuentres sola y nadie te espere”. 

Pattie con Clapton, izquierda; con Harrison, derecha.

En realidad, lo que sucede es que, ante la evidencia de su amor imposible, Clapton decide conquistar a Paula, la hermana de Pattie. Su obsesión le lleva a buscar una cercanía hacia su amor con el fin de verla en más ocasiones. Eric quiere llamar la atención, seduce a Paula, pero no consigue que Pattie le haga caso. Al mismo tiempo, Harrison se dedica a la “meditación trascendental”, una técnica de meditación hinduista en la que ya se había iniciado años antes en la última etapa con los Beatles, pero también a preparar su primer disco en solitario, lejos de su mujer. Ambos músicos residen muy cerca el uno del otro y Clapton visita la casa de Harrison buscando cualquier pretexto para ver a su esposa Pattie, casi de forma furtiva.
                                

Pattie Boyd, fotógrafo y modelo, una belleza de los 60.
Con George, en la foto de arriba, con Eric, debajo.

Clapton reconoce que su canción "Layla" y su difusión a través del disco estaba ejerciendo una presión y un chantaje emocional sobre Pattie. Se veía venir que, ante el abandono de Harrison, ella iba a echarse en los brazos de Eric. Es entonces cuando Patty escucha por primera vez “Layla” y se siente emocionada por la pasión y la creatividad que había inspirado a Eric al componer para ella aquel tema musical, pero sobre todo por el contenido de su letra.  (Información extraida en parte de Héctor Sánchez, de Efe Eme.com)
  

Patty Boyd se siente olvidada y abandonada por George Harrison y lo que ocurre, es que termina rindiéndose a Eric Clapton. Sin embargo, no quiere irse con él ni ser infiel a su marido hasta que Eric no confiese a su amigo George sus sentimientos por ella. Clapton no sabe qué hacer, no se atreve a dar el paso, es su amigo, pero quiere evitar el engaño, se decide y se lo cuenta. Harrison parece reaccionar sintiéndose herido y muy contrariado. Sin embargo, al parecer él le confiesa a Eric que ya lo sabía.

     

A la izquierda: el 21 de enero del 66, Pattie se casa con George.
A la derecha: el 27 de marzo del 79, "Layla" se casa con Eric.

Sin embargo, y después de un primer acercamiento de Patty hacia Eric, ésta se aleja y Clapton, aún más obsesionado con ella, se refugia en el alcohol y en la heroína. Transcurren unos años y en el 74, el matrimonio Harrison-Boyd se rompe definitivamente. Es el mismo año en que Clapton resurge de sus cenizas y “sale del pozo” al que las drogas le habían llevado. En septiembre de 1976 estrena otra canción que le ha compuesto y dedicado expresamente a Pattie. Por fin, con la presentación del tema conocemos que en privado la llama Nelly, pues declara que está dedicada a ella, a Nelly. El tema es “Wonderful Tonight”. Una bellísima canción que vuelve a ser otra declaración de amor. (Versión oficial vídeo: "Wonderful Tonight")

                      

Eric y Pattie, ahora ya su "Layla", radiantes de felicidad. Ella
cumplía ese día 35 años. Él acaba de cumplir 34.

El 27 de marzo de 1979 Eric Clapton y Pattie Boyd, por fin, se casan. A la boda asisten, entre otros, Paul McCartney, Ringo Starr y el propio George Harrison. Pero ocurre que años después del enlace el matrimonio no llega a funcionar. La esterilidad de Patty y los problemas del alcohol de Eric, que no llega a superar, además de otros escarceos de éste, son el detonante, y todo hace de la pareja en 1989, 10 años más tarde se separen.
                       
Lo cierto es que Pattie no volvió a casarse. Lo pasó mal después de la separación de Eric, muy mal según parece, se entregó a la bebida y durante sus crisis no hacía más que gritar que ella ya no era "Layla". Después, pudo superarlo y volvió a su antigua actividad de la fotografía. George Harrison murió en noviembre de 2001.
                  

Dos años después de su separación con Pattie, Eric ha de sufrir la
pérdida de su hijo. Es la historia de la canción "Tears in Heaven"

Eric Clapton, también superó la bebida y las drogas. Volvió a casarse. Pero tuvo que pasar por un suceso terrible: su hijo Conors murió al caer del piso 53 de un rascacielos de Manhattan, en Nueva York. El músico se entregó de lleno a su obra musical. Ha seguido grabando y dando conciertos. Ahora está a punto de retirarse al haber comenzado a sufrir una enfermedad neuropática que le afecta los brazos, las manos y las piernas. Y en sus conciertos, hay una actuación estelar que siempre se produce: el momento de la interpretación de su canción "Layla". Todos sabemos que hace un homenaje, no sólo a una época de su vida, sino a una historia de amor y al recuerdo de Pattie, su Nelly, la protagonista de su canción "Layla".

Eric Clapton, de los 2000 a la actualidad, en diferentes actuaciones de sus conciertos. Su momento
estelar: la interpretación del inolvidable y genial "Layla".

                      

Carole King escribió una historia de amor a su amigo James Taylor

Dicen que las más bellas historias de amor las escribe la literatura o las cuenta el cine. Sin embargo, también la literatura de las canciones nos describen historias que, envueltas en el mensaje de su música, pueden ser además, transmitidas directamente desde quien ha vivido y con el sentimiento auténtico de quien las siente. Ésta, pues, es "la historia de una canción" que escribió Carole King para su amigo James Taylor. Porque la amistad... a veces... también puede envuelta de amor.
                                                        

Carole le dijo a James: "Cuando estés triste y nada te vaya bien, cuando sufras y temas la soledad, cierra los ojos y piensa en mí. Llámame entonces y yo estaré contigo, para cuidarte. Porque tienes un amigo". Carole King compuso y dedicó la canción "You've Got a Friend" ("Tienes un amigo") en 1971 a su amigo del alma James Taylor.               

A la izquierda, Taylor y King a principios de los 70. A la derecha,
40 años después, por el 2010

       Taylor tuvo entonces, por el 1970, un fracaso sentimental que le estuvo a punto de costar la vida, puesto que fue hospitalizado en una clínica a consecuencia de una grave crisis depresiva y de una sobredosis de heroína. Carole King, que hasta entonces se llamaba Carole Klein, y James Taylor habían coincidido unos meses antes y se entendían muy bien. Ambos tenían el mismo estilo musical y la misma sensibilidad para componer e interpretar. Carole tenía ya la letra y la música del tema “You´ve got a friend” para incluirla en su primer álbum "Tapestry", pero la modificó para dedicársela a su amigo James y para que él la estrenara en el disco que él grabaría entonces. Aquel tema conseguiría en 1971 dos Grammy, uno para King por su composición, otro para Taylor por su interpretación.
                           

James Taylor interpreta "You´ve got a friend" (Clic en el título).
Carole King aparece detrás, al piano, y no le pierde de vista.

En 1974 Tayloir ya se había sobrepuesto por completo de su enfermedad y tuvo ocasión de actuar, junto con su amiga Carole, en un concierto en el Club Troubadour de Hollywwod. En la foto de la derecha, extraída de la actuación de ese concierto en el momento de la interpretación de "You´ve got a friend". (Clic en el título y ver el vídeo), aparecen James Taylor a la guitarra y  su amiga Carole King, detrás, que le acompaña al piano, no le pierde de vista. Lo cierto es que desde entonces hubo una relación entrañable y una especial complicidad sentimental entre ellos dos. Y lo cierto es que Carole estaba locamente enamorada de Taylor. Lo que sucedió después fue que una amiga común, la cantante Carly Simon, apareció en medio de la pareja y cautivó a James de tal manera que los dos, él y Carly, terminaron casándose. A partir de entonces la relación de Carole y James se enfrió.
                 

Carole y James, 40 años después, la canción "You´ve got a friend"
vuelve a reunirles de nuevo. (Clic en el título)

Casi 40 años después, por el 2010, los dos artistas volvieron a reunirse. Al menos, la música fue la excusa y por ello organizaron una gira mundial que duró algo más de un año. Después, volvieron al nostálgico “Trouvadour” para celebrar allí su nuevo encuentro desde muchos años antes. Pero también se conmemoraba el 50 aniversario del club y se había preparado una histórica reunión de amigos de aquella vieja época, la de los 70.
                   

Carole King y James Taylor volvieron a interpretar su vieja canción, la que Carole dedicó a James en aquel 1971, "You´ve got a friend". Una canción que contenía, no sólo una sincera y generosa declaración de amistad, sino, aunque de forma encubierta, casi secreta, una declaración de amor.
                                                        

Taylor y King, hoy pasado el tiempo, siguen siendo amigos

Éste era el contenido de los versos de la canción que King dedicó en la letra para su amigo James, y del que ya antes hicimos referencia: "Cuando estés triste y preocupado, cuando sufras la soledad. Cuando nada, nada te vaya bien, y necesites una mano amiga, cierra los ojos y piensa en mí. Pronto estaré ahí para iluminar incluso tus noches más oscuras. Tú solo grita mi nombre, y sabrás que donde quiera que estés iré corriendo, a verte otra vez. Todo lo que tienes que hacer es llamar y yo te cuidaré, te cuidaré siempre. Tienes un amigo". Fue lo que escribió Carole para su amigo James en aquellos momentos tan tristes para él. Fue todo una profunda confesión de sentimientos, sobre todo de generosa amistad que rindió a su amigo James en una canción.
                        

Son imágenes de la actuación del homenaje que hicieron Celine,
Gloria y Shania a Carole y a su canción "You´ve got a friend".

Una breve reseña biográfica y de su carrera musical. Carole King, neoyorkina, compositora e intérprete de Folk rock, soft rock y jazz. Desde 1970 ha grabado, solo en solitario 25 álbumes. Tiene 4 Grammy. Está presente en el Salon de la Fama del Rock y en el Salón de la Fama de los Compositores. James Taylor. De Massachusetts. Cantautor y ganador de 5 Grammy. Tiene también más de 30 discos grabados. Ambos tienen más de 70 años y siguen activos.

Y emocionante esta versión de "You´ve got a friend". Pues hace unos años se reunieron Celine Dion, Gloria Estefan y Shania Twain para hacer un homenaje a Carole King y a su canción, la que con tanto amor le dedicó a su amigo James Taylor. Son cuatro divas de la música vocal, las que grabaron esta maravilla musical. Suenan las primeras notas al piano. Es Carole King, quien comienza cantando los primeros compases de la canción. A Carole se la ve feliz mientras interpreta. Hay cierta gracia mientras lo hace. Y mucha complicidad con sus compañeras. La siguiente estrofa está a cargo la impresionante voz de Celine Dion. Después, se corea el estribillo. A continuación intervienen Shania Twain y Gloria Estefan. Cada una con el impecable estilo que le caracteriza. Es un directo muy emotivo. Palmas del público, de nuevo coros y una segundas voz. Finalmente, aplausos y ovación.

                      

El trompetista no sólo ha de tocar las notas de la partitura. También
debe crear el sonido justo que inspira su alma de artista. (Clíc título)

Y así es "la historia de una canción", de cada canción. El gozo de una ilusión. El desahogo de un desengaño. El clamor de una emoción. El lamento de una pena. Pues, aunque el autor, fuera ficción lo que escribiera en su letra, o fuera real la historia, aunque encubierta en su metáfora poética, el cantor siempre pondrá su sentimiento para emocionar a quien escucha la canción con su mensaje, pero también lo hará, para transmitir la historia o el significado de su libreto. Si no lo hace, es el trovador el que no entendió el mensaje de su trova, es el cantor el que no puso el alma en la música de su voz. Y si es así, las notas estarán vacías, no tendrán alma, no tendrán vida.

                                  

Sólo cuando se canta con el corazón se puede transmitir el mensaje
de la canción, se puede hacer creíble la historia a quien la escucha
("Diana Krall singing", painted by Vel Verrept)

Art Hazzard, el personaje del film "El trompetista" (1950, de Michael Curtiz), un músico de jazz que enseñó a Rick Martin (Kirk Douglas) a tocar la trompeta, le dijo a éste: "El intérprete no sólo debe limitarse a tocar las notas de una partitura. Las debe crear cuando las lanza al espacio, y las debe sentir". Pues... qué sería de la música y de la canción, interpretadas sólo desde la estricta lectura de su partitura, sin la inspiración artística del sentimiento y de la propia imaginación del músico o del cantor. (Clic en el título "El trompetista").

                           

Alphonse de Lamartine, el escritor y poeta francés -volviendo a recordar su cita- decía: "La música es la literatura del corazón, que comienza donde terminan las palabras".

                                        

Ángel González "Rusty Andecor"

Primera parte de "Historias de una canción" (Clic en el siguiente enlace):

HISTORIAS DE UNA CANCIÓN: María, la portuguesa, Princesa, Cruz de navajas y otras

NOTA. Las 148 publicaciones restantes contenidas en este blog están relacionadas debajo de este reportaje, en un apartado que titulo: "Índice de espacios publicados (crónicas, reportajes, reflexiones...)