Rusty Andecor: Últimos reportajes: "20 canciones nacionales que marcaron 1970

viernes, 15 de enero de 2021

Últimos reportajes: "20 canciones nacionales que marcaron 1970 - "Historias de una canción"

ÚLTIMAS CRÓNICAS MUSICALES (Clic en los títulares)

“20 canciones nacionales que marcaron 1970 y 1971”

“Historias de una canción – 1ª parte. De las canciones nacionales”

“Historias de una canción – 2ª parte. De las canciones internacionales”

No hay comentarios:

Publicar un comentario

Hola ¡qué tal! Te invito a que hagas un comentario.

Suscribirse a: Enviar comentarios (Atom)

El perfil de Rusty Andecor

Es Rusty Andecor, ilusionista de sueños y ensoñador de ilusiones, "aprendiz de poeta” e "imaginador de cuentos", aunque su nombre real es Ángel González García.

Dice de su profesión : Maestro “que lo fue”, gestor de “futuros”, que hace ya algún tiempo dejó de serlo, músico retirado (porque dejó el piano, que la “guitarra” le dejó a él); y -como dice- se atreve a hacer de "componedor de versos", que suele dedicar a un “universo” lejano y para cuyo oficio se solía inspirar en un lugar llamado "Café Venecia", con el increíble "telón de fondo" de aquellos personajes surrealistas que lo frecuentaban, pero que desapareció hace ya tiempo.

Siempre le gustó que la gente con la que trabajaba fueran sus amigos. Le gustaba compartir el "universo de sus musas", el silencio de su "boulevard" y la música de fondo que él le ponía. Ahora... ya no es lo mismo; algo desapareció. Siempre le gustó la fascinación de Audrey Hepburn y la magia de“Desayuno con diamantes”. También le gustaba soñar con los "besos mojados de lluvia" y con sabor dulce de "rosa de mazapán". Y solía ofrecer a sus “amigos con alma sensible” sus "reflexiones", de vez en cuando, y sus mensajes anuales de Navidad, además de su álbum de "la música más hermosa del mundo".

Y suele decir: "Me gusta ir los viernes al Copacabana y al Candilejas "de cañas", con la familia y los amigos. Me pirla el "Ribera Duero" o un buen "Rioja". Me encanta preparar cubatas de ron "con un toque de limón" a mis incondicionales. Y no me pierdo, cada año, esa visita al "Jazz Vitoria" con mis amigos, ni a la "Cuesta de San Vicente" la mañana del concierto"

Le apasiona la música de Vivaldi, Teleman y, muy especialmente, Chopin. Me encanta oír a los Dire Straits y Mark Knopfler, Eva Cassidy, Diana Krall, Patricia Kaas; pero, sobre todo, le gusta oír esta música en sus Jbl. Y aún sigue escuchando a The Beatles y a sí mismo en Los Agaros¡qué tiempos aquellos!

Le encanta el buen cine y siempre recurre a ver alguna de "mis películas favoritas", esas de las que os doy detalle, en un espacio más abajo.

Le gusta leer a Gabriel García Márquez y a Pablo Neruda. Pero también le gusta leer a Edgar Alan Poe.

Pero, sobre todo, dice "me gustan los "colores" de ese "mundo maravilloso", que está "ahí fuera", detrás del paño que se pone, a veces, delante de tus ojos y de tu corazón".

Ha escrito algunas obras literarias que no ha llegado a publicar porque no encontró un editor con un presupuesto que se ajustase a sus posibilidades económicas. Sin embargo, sus trabajos están editados en formato pdf y a disposición gratuita de sus familiares y amigos, a los que pueda interesales.

Las obras literarias escritas hasta la fecha son:

Diccionario de un coriano.

"Versos para el atardecer" (Colección de 40 poemas)

"Mis reflexiones y cartas a mis amigos con alma sensible"

"La música más hermosa del mundo"

"La música de mis tiempos"

"El paso del tiempo de un aprendiz de poeta"

"Mis pensamientos y citas literarias"

"La verdad y la mentira de mis reflexiones"

"Reflexiones para mis ajustes del alma"

"El cuento de la Princesa y el Campesino"

"El cuento de la dama del Sena y el viejo poeta"

Citas literarias sobre "el paso del tiempo" (Un hito que en estos último años... me obsesiona)

No es el tiempo el que pasa, pasamos todos nosotros (Anónimo)

Se dice que el tiempo es un gran maestro; lo malo es que va matando a sus discípulos (Héctor Belioz)

Seamos indiferentes a la crueldad de la rapidez en que se mueve el tiempo, vivamos y disfrutemos el presente que nos depara el hoy y no dejemos de poner nuestra parte de ilusión en el mañana (Rusty Andecor)

El tiempo es el mejor autor; siempre encuentra un final perfecto (Charles Chaplin)

Me interesa el futuro porque es el sitio donde voy a pasar el resto de mi vida (Woody Allen)

Me gusta pasar los años en tus ojos (Diana Krall)

Lo mejor es ser indiferente al tiempo y a su maquinaria inalterable para marcar los años, sobre todo, esos años que nos quedan por vivir, que son los mejores. (Dijo Rusty Andecor a Manuel Melado en su jubilación)

El placer y la actividad hacen que el tiempo parezca breve (William Shakespeare)

No paséis el tiempo soñando con el pasado y con el porvenir; estad listo para vivir el momento presente (Mahona)

Hay un "buen destino" que mueve las manillas de nuestro reloj del tiempo. Y debemos vigilar el "mal destino" que puede manipular esas manillas en contra de nosotros (Rusty Andecor)

El día es excesivamente largo para quien no lo sabe apreciar y emplear (Johann W. Goethe)

Si el tiempo es lo más caro, la pérdida del tiempo es el mayor de los derroches (Benjamín Franklin)

"El tiempo solo se detiene si su reloj deja de funcionar. Nuestro reloj no es automático; debemos darle "cuerda" cada día, para que no se pare; debemos ajustar su maquinaria de vez en cuando, para que no se "averíe" su movimiento; y debemos limpiar el cristal de su esfera, para que no dejemos de ver el rumbo horario de nuestro destino" (Rusty Andecor)

A MIS AMIGOS VISITANTES DE ESTE BLOG

Desde el pasado viernes 18 de febrero aparece publicado el contenido íntegro de "EL DICCIONARIO DE UN CORIANO" en el blog que lleva su nombre y cuya url es http://eldiccionariodeuncoriano.blogspot.com/, pudiendo activar su acceso desde esta dirección o desde un enlace previsto en el mismo título del espacio que se encuentra en el blog actual, como muestra -aquí- de algunas de sus voces y expresiones. Es decir, una vez activado su espacio desde su índice o desde el registro de archivos, el contenido íntegro del diccionario se activa haciendo clic en el título del espacio. Además, se podrá acceder al prólogo y a la introducción del mismo, así como un anecdotario de dedicatorias y agradecimientos.

Progresivamente, se irán incorporando las voces y expresiones nuevas recogidas desde la publicación de la última edición inscrita en el Registro General de Propiedad Intelectual en el 18 de noviembre de 1997, en Madrid con la clave 1997/40496 y con número de R.P.I. CC-374.

Ángel González

Aunque pudiera aparecer mi imagen en mil espejos, ni sería el hombre de las mil caras, ni sería el de los mil reflejos. Mi identidad sería la misma, en principio. Otra cosa es que unas veces sea "Ángelo", como me llama Joaquín; otras, ”señor Ángel”, como me llamaban en la oficina (porque me negué a que fuera “don Ángel”; otras "¡cuñao!", como lo hace mi cuñado Luis; otras Rusty, como me llamaban los personajes de mis cuentos o me llega de mis musas. Eso sí, la mayor parte de las veces soy Ángel, que es el que aparece en todos los espejos. Y yo mismo me pregunto: ¿Será Ángel, el auténtico escribidor o será Rusty Andecor? Algún día lo sabré. Aunque tendré que romper las lunas de mis reflejos.

Studio 54 fue un teatro neoyorkino, en la calle 54 de Manhattgan, en Broadway, que en los 70 se convirtió en una legendaria discoteca. Abierto en 1977 fue cerrada en el 80. Del 81 al 86 fue reabierto como local como club nocturno en el que actuaban Madonna, Cindy Lauper, Culture Club y otros, teniendo como clientes famosos como Cary Grant, Tatum O´Neal, Ginger Lynn o Tracy Lords. En 1994 hizo su reapertura, contando con estrellas como Gloria Gaynor. A partir del 96, el mítico lugar albergó, unas veces obras de teatro o musicales, otras, fiestas o celebraciones. Perdió la imagen original de la primera discoteca famosa del mundo, pero su nombre sigue recordándonos la nostalgia de su significado musical.

Herederos de la leyenda de "Studio 54" fueron la homónima de "Las Vegas", de la que se dijo que era la discoteca más grande del mundo, o la "Studio 54" del "Paralelo" de Barcelona, la más famosa de Europa y que funcionó entre el 80 y el 94. Nada mejor para hacer homenaje a tal institución de cultura musical que recoger el legado en este reportaje publicado aquí con el título de "Disco Studio 80"

"Tesas". Una banda de pop y rock alternativo escocesa y formada por Sharleen Spiteri y otros cuatro músicos. Debutó en el 88 y aún siguen activos. Es uno de esos grupos de pop de finales de los 90 que han sido claves en la supervivencia de la buena musical ligera vocal, en particular para el pop-rock. El nombre de "Texas" lo tomaron de la película "París, Texas”.

"Summer Son", una bellísima canción y un temazo de los más sonados en aquel 1999, un gran año para el pop y para despedir el pasado milenio.

Tres divas de la canción del pop, Celine Dion, Gloria Estefan y Shania Twain, le dedican un entrañable homenajea Carole King y a la historia de su canción. "You´ve got a friend", a canción de King que dedicaría, ahora casi 50 años antes, a su amigo del alma James Taylor. La grabación de es hace unos años. Carole King interpreta al piano la canción que ella compuso, y son sus amigas Celine, Gloria y Shania, quienes le acompañan en algunas de las estrofas y haciendo los coros del tema.

Dicen que hay sonidos musicales que marcan una parte de la vida. Dicen que siempre suele haber una canción que define la esencia de la etapa más intensa de una vida. Es posible que muchos de nosotros tengamos esa canción en el recuerdo, y que de alguna forma, esa vida y su evocación es... "La historia de una canción". Yo suelo recordar aquella parte maravillosa de mi vida y todo su escenario de semblanzas en una canción: "A Whiter Sade of Pale", de aquel mítico Procol Harum de los años 67 y 68. (Clic en el título: la versión más antigua, la que montaron en sus ensayos)

La letra de "A whiter sade of pale" había sido extraída de un poema de Keth Reid, también componente de la banda. En realidad era una colección de frases abstractas sobre las relaciones de nosotros, los jóvenes de aquellos años 67 y 68. Yo mismo tenía mi historia en aquellos años y se identificaba muy bien con aquellas frases que uno solía encuadrar en una especie de "realidad surrealista". Parte de aquella historia la tengo en aquella canción: Ella tenía 18 años, tal vez 19; yo tenía 22. Yo veía a mi chica deliciosa, como un sueño... bailando el "suave fandango, con su blanca palidez", como decía la canción.

Aquella canción, "Con su blanca palidez" fue nuestro estandarte simbólico durante muchos años, fue nuestra marca, la de aquella etapa de la vida. La versión de "A whiter shade of pale"" que interpreta en el vídeo de este enlace Gary Brooker, el histórico vocalista de la banda, más de 40 años después me trae todo aquel escenario de recuerdos.

Roxette, una pareja sueca de pop-rock que desde el 86 hasta la década de los 90 cubrió un estilo de música y que formaban Marie Friedriksson y Per Gessle. Se dice que podrían haber sido los sucesores del también grupo sueco ABBA, pero Gesslecorrigió: "Pienso que la gran diferencia entre Roxette y ABBA es que nosotros somos mucho más orientados a la música rock de lo que ABBA fue..."

Roxette, una leyenda absoluta de la historia del Pop, sobre todo de las décadas de los 80 y 90, en las que el grupo vendió más discos incluso que sus compatriotas ABBA, en comparación con su época.

El repertorio discográfico de Roxette es intenso, tanto en la cantidad de álbumes grabados, como en su calidad músico-vocal. De la voz de Marie, nada mejor como un clásico que el dúo nos dejó y para el recuerdo: el tema "Debe haber sido amor" (1987), especialmente por su aportación en la banda sonora de "Pretty Woman" (1990). De Per, una romántica canción, con un gran mensaje: "Vulnerable". (1994).

La canción fue todo un mensaje generacional en aquella década de los 90, tanto por su música y letra, como por el impacto del estilo “balada-rock” que interpretaba Roxette. La letra de aquel tema decía: “Esto pudo haber sido amor, pero lo perdimos y ahora todo ha terminado. En un duro día de invierno, aún sigo soñando. El recuerdo queda donde el agua fluye, donde el viento sopla, y yo me convierto en agua, como una lágrima en tu mano, y me convierto en viento, como la exhalación de un beso”.

Benny Anderson, fundador de ABBA, pianista y compositor de casi todas las canciones del grupo, es el único integrante de los cuatro que lo formaron que aún sigue recordando con la cadencia nostálgica de su piano la leyenda del histórico cuarteto musical. El último de sus álbumes es un homenaje a su inolvidable música.

Lo cierto es que la realidad actual de los cuatro componentes que formaron ABBA ha quedado muy por debajo del mito del grupo. Bastaron sólo 10 años de actividad entre el 72 y el 82, año este en que se disolvieron, para alcanzar la inmortalidad musical. Su éxito, aparte indudablemente de sus canciones cadenciosas y "pegadizas" para su época se debió a la armonía de las dos voces femeninas y al efecto denso y reverberado de la música de apoyo (el "wall of sound"). Pero... ¿y qué fue de los 4 componentes de ABBA?

Benni Andersson, el pianista, fue quien creó el grupo y el autor de casi la totalidad de las canciones. Actualmente tiene una orquesta, aunque prácticamente es desconocido en el panorama internacional. “Thank You For The Music” es el tema que da color al sonido del álbum al recordarnos uno de los mayores éxitos de ABBA.

Anni-Frid Lyngstad, la morena del grupo, estuvo casada con Andersson, aunque después se divorció de él. Se casó en el 92 con un príncipe sueco del que heredó el título de princesa y otro de condesa. Estuvo marcada por la fatalidad, pues su marido falleció al poco tiempo de casarse y su hija se mató en un accidente. Durante algunos años de dedicó a la canción pero muy esporádicamente.

Björn Ulvaeus, el guitarrista del grupo. Componía las letras de las canciones y fue autor de algunos de los arreglos. Su divorcio en 1981 con Agntha provocó confusión y distanciamiento entre los 4 músicos, hasta que finalmente se separaron y la banda se disolvió. Björn contrajo hace unos años Alzheimer y actualmente ni siquiera recuerda que fue uno de los músicos de ABBA.

Agnetha Fältskog, la rubia y la voz soprano del grupo. Casada con Björn cuando solo tenía 20 años, se separó de él en el 81, lo que causó la ruptura de la banda. Agnetha sigue dedicada a la canción, ha grabado varios discos, pero ninguno ha tenido repercusión internacional. “Fly me to the moon” no es uno de las temas más en su línea, aunque tiene el encanto de su melodiosa voz.

"El Vídeo que mató a la estrella de la Radio" ("Vídeo Killed the Radio Star") es una canción que con lo mejor de su ingenio y agudeza nos describe en sentido metafórico cómo en los primeros años de la década de los 80 la Radio parece desvanecerse ante la llegada triunfal del vídeo, "la estrella de la radio" se apaga ante el fulgurante destello de la televisión.

De alguna forma, la canción nos recuerda cómo el Vinilo parece también desvanecerse ante la llegada, primero del CD, después de la música "on-line". Sin embargo, aún la estrella del vinilo no se ha apagado, "el Streaming aún no ha matado el Vinilo". Hoy encontramos su renacimiento en el artículo de portada publicado en este blog.

La canción que abre la imagen superior es una actuación deTrevor Horn (The Buggles) de 1981 cuya recuperación del primer álbum que contenía el tema se grabó en el 79.

Un dúo entre dos genios de la interpretación instrumental. Una canción de origen argentino que conocimos como "Que nadie sepa mi sufrir". Una pieza que hizo mundialmente famosa la voz de una leyenda, la de Edith Piaf, y que dio en nombre de "La Foule". Una justa combinación musical que protagonizan dos talentos de la música de Jazz: Richard Galliano en el acordeón y Wynton Marsalis en la trompeta.

Richard Galliano, compositor y acordeonista de jazz franco-italiano,, nacido en Cannes en 1950. Comenzó su trayectoria como organista en Niza. Llegó a la celebridad trabajando con Astor Piazzolla en el 83, quien le contrató como primer solista de bandoneón. Ha colaborado con Al Foster, Juliette Gréco, Charles Aznavour, entre otros, aparte de Marsalis. Para mí, el mejor acordeonista del mundo.

Wynton Marsalis, trompetista, compositor y arreglista, norteamericano y nacido en 1961. Virtuoso del swing, influenciado por Miles Davis. Desde su jazz acústico, apuesta como ningún intérprete del jazz por la fusión y consigue un resultado impecable. Ha colaborado, entre otros muchos, con Eric Clapton, Elton John, Paco de Lucía (con quien lo vi en el Jazz Vitoria en el 2005). Para mí, el mejor trompetista del mundo.

Pues... aprovechando cómo reflexionamos sobre el tiempo que pasa, que es lo que hubo y qué es lo queda, nada mejor que recordar a Francoise Hardy, nuestra musa de "la chanson" francesa, allá por los 60. La escuchábamos entonces, cuando ella y nosotros solo teníamos 18 años y nosotros. Sus viejas canciones, aquellas que siguen en el recuerdo. Sin embargo, hoy son algunas de sus últimos álbumes, que aún sigue grabando y dando recitales. Ahora, a sus próximos 73 años, la vemos aquí en "Rendez-vous dans une autre vie", refiriéndose a una cita con alguien en la otra vida o en "Tant de belles choses", cantando a la nostalgia de aquellas cosas bellas. Es curioso, pero me suena igual que entonces, la misma voz, el mismo estilo. Francoise Hardy es de esas musas de la canción que te transporta a los viejos tiempos de entonces.

La vemos, una vez más, en dos temas, bajo su aspecto actual. "Pourquoi vous?" y “L´amour fou”, en el que canta al “amor loco”. ¡Impresionante esta canción, impresionante! ¡Qué años nos diste, Francoise, qué años!

Coralie Clement es una cantante francesa que pertenece a la "Nueva Chanson", pero que reconoce la influencia de leyendas como aquellas inolvidables "chanteurs" Francoise Hardy, Jane Birkin, o Serge Gainsbourg, o incluso su parecido con el perfil vocal de Carla Bruni. Coralie ocupó espacio virtual en ese club simbólico e invisible que suelo utilizar en la fantasía de mis noches de celebración de recitales o conciertos. Y lo hizo porque era justo el sentimiento de algunas de sus canciones, su voz dulce y sugerente, lo que mejor arrullaba el alma en ese momento.

"La contradiction" es un tema que nos susurra "la contradicción" que se produce entre lo que se siente por alguien y la verdad del corazón, entre lo que dice la canción y la esencia del amor.

En cuanto a "La mer opale" es un tema que canta al amor fugaz, al amor frívolo, al engaño, al desencanto, al espejismo de los sentimientos que parecen sinceros, pero que luego se desvanecen o no han sido nunca nada.

“Salle des pas perdus” es otro magnífico tema de Coralie Clément.

Diana Krall, la pianista y vocalista de jazz canadiense, ganadora de 9 discos de oro, 3 de platino, 7 de multi-platino, 6 premios Grammy, con más de 20 millones de discos vendidos en todo el mundo, publica hoy 5 de mayo de 2017, a sus 52 años, su 16º álbum y que titula "Turn up the quiet".

La estrella del jazz vocal vuelve de nuevo al jazz originario que la dio a conocer en los 90. No es el estilo de jazz más acogido tal vez por su público, puede que ni por su crítica, aunque ahora es pronto para saberlo. Ni siquiera a mí es el que más me guste de "la rubia canadiense". Pero la Krall se atreve con todo. Y seguro que será un éxito en su próxima gira mundial cuando dé a conocer este nuevo disco. Por cierto, impecable interpretación, como siempre, tanto la de sus músicos como la del virtuosismo de ella como pianista.

Muchos años han pasado ya desde aquellos finales de los 90, cuando la vimos en Vitoria, entonces tan tímida, retraída y algo antipática, escondiéndose detrás de su rubia melena mientras tocaba el piano; mucho tiempo, hasta ahora tan comunicativa y encantadora cuando asistimos a su último concierto en Madrid en el 2015. Sin embargo, nada ha cambiado en su voz; sugerente, sensual, cálida. Pienso que ha ganado en la calidez de sus registros.

En cuanto a mi, como soy más romántico y prefiero ese estilo melódico que siempre la ha caracterizado, me quedo con un tema del álbum que ya presentó como anticipo en un single el pasado febrero, antes del lanzamiento del disco. En realidad se trata de una vieja canción de Cole Porter y que ha sido versionada por decenas de leyendas de la música. Ahora escuchamos este tema en una versión deliciosamente exquisita de la voz de Diana Krall. Su título: “Night and Day”.

Cuando yo mismo me permití presentar este álbum a mis amigos en Facebook, les dije: Si alguien me entrevistase y me preguntase por el disco, le diría "No es una maravilla, ni es de los mejores, ni siquiera novedoso en cuanto a lo que Diana Krall puede aportar. Sencillamente, creo que es exquisito. Exquisito, porque su voz cálida y sensual nos sigue acariciando el alma".

Finalmente, y por esa misma exquisitez de voz y de interpretación con la que nos tiene acostumbrados la Krall, pero también por algún motivo sentimental, he querido recuperar una hermosa canción de uno de sus últimos álbumes: “Just like a butterfly that´s caught in the rain” Intencionadamente he elegido una versión live, aunque en una pésima grabación, porque esa actuación en Londres fue muy cercaba a la que nosotros asistimos en Madrid.

El pasado mes de abril, ahora en 2017, el autor de este blog conmemoró en torno a la magia de un club invisible y virtual, llamado "Blues Carichi", el décimo aniversario de la creación, también virtual, del "Café de París". El Café de París aparecía en mis crónicas como el refugio de románticos y el asilo de melancólicos, llegados de desesperanzas desencantos.

Fue una conmemoración simbólica con una velada, igualmente virtual, que animó el grupo de Minneapolis "Café Accordion Orchestra", dirigido por el acordeonista Dan Newton, con un repertorio de vals-musettes, swings, ballads, tangos, incluso danzas gitanas. Precisamente y por motivos sentimentales el concierto comenzó con un tema que identifica muy bien los motivos del debut de aquel ya lejano y legendario "Café de París". El tema es "La zingara".

Le siguió un clásico del vals-musette y muy cercano al Café de París: "L´indifference".

Y hubo un guiño a un personaje del Café, el de unos "Ojos negros".

"Imagine", de John Lennon, considerada una de las mejores composiciones de todos los tiempos. En 2004 la revista Rollig Stones, la colocó en el tercer puesto en una lista de las 500 mejores canciones. Jimmy Carter la comparó a un himno nacional. Y aunque Lennon la definió como un "manifiesto comunista virtual", se dice que, aun siendo una canción "antirreligiosa, antinacionalista, anticonvencional y anticapitalista", es aceptada por su dulzura y porque lleva la inspiración en la esperanza de una paz mundial. El tema tiene un antecedentes en otra canción de The Beatles en 1963 y una clara influencia de la poesía de Yoko Ono. Lennon se plantea un mundo viviendo el día a día, con una vida en paz, sin países, sin posesiones, sin hambres ni necesidades, sin religión, pero sin odios.

Lennon reconocía en su canción "ser un soñador, pero no el único, esperando que algún día se uniesen todos a él y el mundo fuera uno sólo". De John Lennon, compositor, cantante, instrumentista y co-fundador de The Beatles, sabemos que fue uno de los genios del siglo XX, por su ingenio irónico y sarcástico en la música, en la literatura, en sus entrevistas y declaraciones y su influencia en el cine.

Me quedo con estas tres de sus citas: "Soñemos con la paz", "No necesitas una espada para cortar flores", "No podemos hacer una revolución que no incluya la liberación de las mujeres". Ciertamente, esta otra frase suya es terrible: "No importa que te ocultes tras una sonrisa y una hermosa ropa, si algo no puedes ocultar es lo podrido que estás por dentro".

Esta es una versión de "Imagine" en vivo, en la última aparición que hizo Lennon en 1975.

"Like a Rolling Stone", el tema icono de Bob Dylan

Con ocasión de la reciente entrega del Nobel de Literatura al polémico Bob Dylan, que tanto ha dado que hablar hasta que fue recogido por su amiga Patti Smith, y a propósito del álbum doble LP en vinilo que recibí como regalo en las pasadas Navidades de manos de mis hijos Ángel y Jorge, he aprovechado para exponer en este espacio musical su portada y una muestra representativa de su contenido.

Recientemente publiqué también en este espacio un post musical homenaje al legendario músico y por el mismo motivo de su nominación al premio. Valga esta nueva publicación, más que para honrar la carrera del cantante, por una cuestión sentimental doble; el obsequio del soberbio álbum del doble disco por parte de mis hijos y la de mi admiración por el histórico formato del vinilo, pues me llama la atención la calidad del prensado de la grabación remasterizada, que se comprueba por la ausencia de ruidos de "frituras" y chasquidos. Ciertamente, no es la primera sorpresa que me llevo al encontrar tan esmerado trabajo discográfico.

En cuando al contenido musical que incluye el doble LP, se trata del histórico concierto del viejo maestro Dylan que dio en el Royal Albert Hall de Londres en el 1966. No tengo más remedio que subrayar dos temas que siempre fueron iconos del cantante; "Mr. Tambourine man" y "Like Rolling Stone". Y es este último el que he elegido para hacer la muestra musical (clic en el título para el enlace con la canción). Se trata -quizá- de la mejor versión de su tema estandarte, la que ofrecía en los 60 en sus conciertos, la que nos regaló en aquel memorable "Newport Festival" de 1965, la que más gustaba a quienes éramos sus seguidores y fans, y la que dedico a mis amigos de aquella época y, por supuesto, a mi hermano José Luis, que siempre fue un apasionado de Dylan.

"Desde la anarquía de mi ensoñación

y de la fuente de aquella música,

desde la musa que habita el alma,

surge en mi mente la inspiración.

La inspiración de aquellas notas,

la del susurro de aquella voz,

de los acordes de un viejo piano,

todo el recuerdo... de una canción.

Es el tema "All the way" ("Todo el camino"), con el que he editado un vídeo promocional de mi blog musical, con algunas de las imágenes con las que compuse el "Volumen 15"de "La música más hermosa del mundo", el último que publiqué, tan solo hace unos días.

Ella es Susie Arioli, una cantante de jazz canadiense, compatriota de Diana Krall, la misma edad y casi el mismo estilo en su género. Quizá su calidez de voz nos recuerda a la Julie London.

Hoy, su familia, en su propia página de Facebook, escribía: "Hemos perdido a uno de los visionarios más prolíficos y reverenciados de la música". Hoy, la poesía hecha música se tiñe de luto porque ha muerto un eterno trovador de la canción. Y nos temíamos este triste final, porque su último disco, publicado solo hace unas semanas, nos lo anunciaba cuando nos decía que "se quería ir, que estaba preparado".

Y hoy, yo escribí en mi página Facebook: "Cantó a las víctimas de la injusticia, a los abusos del poderoso y al desencanto de la sinrazón. Cantó a las miserias de la mentira, a la soledad del ser humano y a la oscuridad de la traición. Y cantó a los amargos desamores, a su inquietud religiosa y al juego de la pasión. Pero, sobre todo, cantó a la más hermosa de las poesías: la del amor”.

Una vez, cuando Leonard iba a cumplir 81 años, le escribí aquí en mi blog y le dije: "No eres viejo, sino mayor, seguro que de pensamiento, de tus vivencias y de imaginación, de muchos sueños que cobijaste con tu poesía y de aquella pena que viajó contigo y que llevaste en tu corazón".

Lo recuerdo muy bien, solía escuchar a Cohen, desde hace años, cuando necesitaba sentir una caricia en el alma, con aquella voz grave y profunda, pero serena y suave. Aquella voz... y aquellas canciones... me tranquilizaban y me daban la paz que necesitaba.

Mi querido Leonard Cohen: Nuestra eterna gratitud, porque nos queda tu legado de canciones, tu nostálgica música, tu mensaje poético, tu juego de palabras y metáforas, envueltas con la sutiliza de tu ironía y tu sentido del humor.

Y de su música, de mi homenaje para él, no he podido elegir otra canción, porque es la que más me solía acariciar el alma, porque es la que me sugería ese mensaje... cuando cantaba: "Baila conmigo hasta el final del amor" (clic). Esta versión en directo, una de las que más me gusta, porque veía en él ahí su sonrisa feliz y de esperanza, y porque vivía su música y su complicidad con el público que compartía.

Bob Dylan, recién galardonado con el Premio Nobel de Literatura, quien aún no sabemos si aceptará o si recogerá el galardón, una figura musical controvertida, no solo por la influencia de sus canciones, sino por el contenido de su protesta social.

Su poesía, un tanto surrealista, aunque no por ello desprovista de un contenido metafórico sensible y sugerente, nos lleva a pensar si era o no suficiente para hacerle tal reconocimiento, como si la Literatura no tuviera otro paladín poético de más "talla y título" para aparecer en esa nominación. Aunque puede que la repercusión social en las generaciones que precedieron a este siglo y el mensaje pseudo-literario de las letras de sus canciones consiguieran reconocer a Dylan como uno de los más grandes genios de la cultura musical.

A pesar de mis dudas sobre su genialidad, como para merecer tal galardón, supongo que para mí, Dylan siempre fue un referente y a partir de su estilo y su huella comencé a seleccionar mi gusto por la música folk, que fue el primer género que me sedujo.

"Llamando a las puertas del cielo" es el tema que elijo para el enlace de su imagen (clic también en el título), aunque se trata de una actuación ya de hace años. Sin embargo, me quedo mejor con el sabor de este "Lay, lady, lay" , en un vídeo que combina una de sus mejores composiciones con una recopilación de imágenes eróticamente muy elocuentes (para mi gusto, claro)

La cantante y compositora escocesa Annie Lennox ha representado durante varias décadas uno de los máximos exponentes de la música pop y el prestigio de un icono para su género. Su profundo registro vocal de contralto y su extravagante y original imagen la han encumbrado como una genialidad en la música vocal.

Formó en los 80 el mítico dúo Eurythmics con Dave Stewart (recordemos su conocida y vieja canción "Sweet Dreams", un standard en las discos del momento), hasta que en el 92 se decidió a cantar en solitario, consiguiendo innumerables premios y reconocimientos y vendiendo más de cien millones de discos.

Annie Lennox recuperó después, en 1999, su relación artística con Stewart y nuevamente Eurythmics volvió a grabar. Fue cuando llegó a la cima de su carrera con "I saved the world today" (de su actuación en uno de sus conciertos). Hoy Lennox es, además, una de las artistas de la música más entregado al activismo político y social, emprendiendo y encabezando obras de gran calado en ese campo.

Su letra "Hoy he salvado el mundo / todo el mundo se siente feliz / ahora las malas cosas se han ido / y la gente se siente mejor...", así como su impecable partitura musical es todo un canto de esperanza, y ello desde su dedicación a la causa que al parecer sigue entregada.

Imelda May es una cantante irlandesa nacida en 1974 que comenzó su carrera musical a los 16 años, caracterizada por un estilo entre recuperadora del rock and roll más genuino y el renacimiento del rockabilly, pero cuyo talento se completa además con sus dotes para el jazz, prueba de ello es que ha sido comparada con Billie Holiday.

Su cuidado aspecto estético, con toques como su característico peinado con un flequillo rubio en espiral, le lleva a relacionarse con la música de los años cincuenta anglosajona. Como prueba, esta deliciosa versión de "Vaya con Dios" que canta en compañía de Jeff Beck, un guitarrista de lujo con el que ha compartido más de una gira de conciertos, y que ha servido de homenaje al dúo de los 50 "Les Paul and Mary Ford". La escucharemos susurrándonos “Vaya con Dios, my Darling. Vaya con Dios, my love”.

La guapísima Imelda nos ofrece además otro viejo tema de Patti Page, también de los 50, titulado "Mockin´Bird Hill", interpretado con su característico simpático estilo.

"La luna roja me habla de ti / Yo le pregunto porqué te fuiste sin verme y si me estás esperando / La luna roja me contesta que allí ya no hay nadie... solo ella, que me habla de ti / Pero yo sé dónde encontrarte, porque sé que me esperas... allá en la estrellas".

Con esta canción, y con ese sentimiento que pone en su voz, cuando la escuchamos, le cantaba Pier Angeli a James Dean, "su único y verdadero amor", como ella misma declaraba poco antes de morir, 16 años después que Jimmy.

Anna María Perangeli no era una belleza exuberante. Su encanto se basaba en su aspecto dulce y sencillo, de ahí que en el cine retratase con maestría personajes con ese perfil. Sin embargo, la crítica opinaba que por esa razón se desaprovechó su potencial interpretativo. Ella fue una de las imágenes cándidas e ingenuas más convincentes del cine americano de los años 50. Quizá fue la entecesora del icono femenino que luego ofrecería Audrey Hepburn, por la dulzura y la naturalidad de su persona, quien representaría ese perfil ya en la década de los 60.

En cuanto al plano personal, la fatalidad del romance de Pier Angeli con James Dean, por culpa de la influencia dictatorial de su madre, quien la separó de él para obligarla a contraer matrimonio con un hombre al que no quería, la llevó a una inestabilidad emocional que la condujo, poco a poco, al declive de su carrera profesional y a sumergirse en el oscuro mundo de los barbitúricos.

Tampoco James pudo recuperarse al perder a Anna Maria, “su gran y único amor” (como también él solía decir). Quedó desolado debido a la ruptura de Angeli con él y a su posterior enlace. Incluso llegó a publicarse el escándalo que montó en la boda en la que apareció de improviso, gritando y llorando. Nada puso consolarle y durante el último año de su vida terminó refugiándose en los autor de carrera.

Angeli, después del doloroso desenlace de su relación con Jimmy, tuvo que sufrir todavía el peor trago: su trágica muerte. Y tanto le afectó, sobre todo por su vulnerable estado anímico, que nunca más volvería a encontrar una relación sentimental estable. Aquella fatalidad la marcaría durante el resto de su carrera en el cine que fue decayendo hasta que acabó con su vida.

James Dean dijo de ella que era una mujer auténtica y real, lejos de la simpleza y falsedad del resto de las divas del cine. En cuanto a él, se ha especulado mucho en lo relativo a su orientación sexual y siempre se apuntaba el rumor de su presunta homosexualidad. Lo cierto es, pues fue Elizabeth Taylor y Dennis Hooper, compañeros de trabajo, quienes lo afirmaron, que lo que Jimmy padecía era un fuerte trauma, consecuencia de una violación sufrida de niño.

Entre quienes conocieron a la mítica pareja, nadie podía entender cómo pudo afianzarse una relación tan bien avenida entre una chica tranquila y sensible como Pier Angeli y un muchacho rebelde y salvaje como James Dean.

Según los biógrafos de la infortunadas actriz, se dice que en algunas cartas que Angeli dirigió a un amigo al que ya le había confesado su eterno amor por Jimmy, ella llegó a escribir: "Éramos como Romeo y Julieta, juntos e inseparables. A veces, nos amábamos tanto, que simplemente, queríamos caminar cogidos de la mano cerca del mar, porque sabíamos que estaríamos juntos para siempre. Queríamos estar cerca el uno del otro para toda la eternidad". En otra carta, Angeli dijo: "Por mi culpa sé que mi amor se refugió en el riesgo de los coches, y por eso murió al volante de su Porsche. Hace 17 años que me encuentro sola, desesperadamente sola. Quiero recuperar la paz y ser libre para estar finalmente de nuevo con Jimmy, pero también con mi padre."

Lo cierto es que durante los últimos meses de la vida de Pier Angeli, se supo que se encontraba en un estado tremendamente deprimida, arruinada económicamente y hundida su carrera interpretativa. Una sobredosis de barbitúricos acabó con ella. Fue un 10 de septiembre de 1971. Solo tenía 39 años.´

El vídeo editado con la canción Luna Rossa, la que ella dedicaba a su eterno enamorado, sirve ahora como homenaje a una estrella que se pagó por la fatalidad del destino.

Sting, el genial músico y compositor de 64 años, también actor de cine, hace años líder de la conocida banda de rock "The Police", convertido en los últimos años en autor de canciones románticas, hizo gala recientemente de un recital musical en ese mágico y perdido club de viejas canciones, tan conectado a Rusty Andecor, y de nombre "Blues Carichi".

La canción que interpreta Sting se titula "I love her but she loves someone" ("La ama pero ella ama a otro"). Éste y otros temas del mismo estilo se escucharon esa velada en aquel club nostálgico para pone atmósfera y tibieza romántica a una noche lluviosa.

Dice la canción de Sting: "No te dejes engañar por las ilusiones que has creado en tu vida, ni te enamores de alguien que ama a otra persona. Que al igual que la nieve en la noche de un invierno, que brilla y resplandece su color con la luz de la luna, se derrite por la mañana, como se derrite el hielo que cubre el corazón cuando descubre el engaño".

Fueron los dos primeros vinilos, en formato LP, recopilatorios de éxitos del año. Dos "reliquias de oro". Uno, el "Discoboom", editado y publicado en el 78, que reunía los grandes "hits" de las discotecas de entonces. Fue el primer disco rojo, girando sobre el plato (el de mi equipo musical), como vemos en la imagen inferior de este post.

El otro LP, el "Gran Premier 80", otra joya en vinilo, editado en el 79 y que recopilaba los temas de aquel año, como "Sultans of Swing", de Dire Straits, o"Stumblin´in", de Suzy Quatro, que era "lo más de lo más" en las discos de hace 37 años. Éste, además, es el tema que reproduce la imagen superior y haciendo clic en el título. Es la grabación de la música pop de entonces en estado puro. Una pareja formada por Suzy Quatro junto a Chris Norman.

"Stumblin´in" es también la versión "muy disco" que interpretaba la atractiva estrellas de las pistas de baile C.C.Catch, unos años después.

Hoy se cumplían 73 años del nacimiento de GEORGE HARRISON, compositor y cantante, productor musical y cineasta, además de uno de los Beatles, tal vez el más excéntrico del grupo y que ya nos dejó hace casi 15 años. Recordamos este mes al más tímido e introvertido del mítico cuarteto de Liverpool, ahora que está reciente el fallecimiento de "el quinto beatle", George Martin.

Y en mi tributo “al rey” de los formatos del disco: el Vinilo, he querido homenajear a Harrison con esta portada desplegada de uno de los LP mejor conseguido por el músico en su época ya en solitario, cuando su grupo se había disuelto. Se trata de un trabajo que lleva el título "Thirty Three and 1/3”, que por cierto se refiere a las 33 revoluciones del disco de vinilo.

El disco fue grabado y editado en 1976, ahora hace 40 años de su publicación. Es un vinilo que compré en el 77, recuerdo que en "Bujaco", en Cáceres (Pilar, la de Bujaco, me lo vendió y recuerdo que hablamos mucho de Harrison y sus extravagancias). La foto corresponde al desplegado del álbum junto a parte de mi colección y de mi tocadiscos. Todavía aparece el precio en la contraportada, de 400 pts. (en aquellos años era una auténtica pasta)

El tema que he elegido del disco, “True Love”, fue uno de los mejores logrados por George, daba ese toque de voz distintivo del resto de los beatles (la gente confundía algunas de sus canciones cuando él las interpretaba). El tema me trae buenos recuerdos, pues es original de Cole Porter y que interpretaron innumerables artistas, Patsy Cline entre otros.

“Dear One” fue otro tema que recuerdo muy bien. Después del fragmento del inicio, tenía una parte rítmica impecablemente conseguida. Solía llevarme el disco a Madrid, en una época en que necesitaba unas buenas pantallas acústicas, para probar el sonido en los comparadores de altavoces de las tiendas. Al final conseguí unas Sansui soberbias que me dieron muy buenos resultados.

Por cierto, y siguiendo en la línea de homenaje a Harrison, por si hubiera algún nostálgico visitando este post, aquí tiene una joya, en este enlace. Se trata del final de un concierto del 84 de Carl Perkins en el que intervienen Harrison, Eric Clapton, Ringo Starr y otros. Veréis a Harrison con chaqueta clara y a su lado Clapton con barba y camisa oscura. Genial, todo rock and roll.

“True Love”, otro de los enlaces con la versión original del tema de George Harrison.

Este mes se conmemora el 163 aniversario del nacimiento del genio de la pintura Vincent van Gogh. Y el mejor homenaje musical que podemos hacerle desde aquí desde este blog, que sólo trata sobre la cultura y el arte, es el que viene de una canción: "Vincent", pero también de un excepcional artista de la música: Don McLean.

Don McLean, un poeta, compositor de canciones e intérprete de temas inolvidables que nacieron, la mayor parte de ellos, en la década de los 70 y que, los contemporáneos de entonces, vimos en ellos como la poesía del rock.

Quiero recordar algunos de esos primeros versos de "Vincent":"Estrellada, estrellada noche / Pinta tu paleta azul y gris / Escrutando un día de verano / con ojos que conocen la osuridad que hay en mi alma / Sombras en las colinas / Esbozos de los árboles y los narcisos...".

Versión acústica de "Vincent", con imágenes de pinturas de Van Gogh y con la letra subtitulada.

El mágico club"BLUES CARICHI", que ha estado cerrado casi un año, vuelve abrir la fantasía de sus puertas para descubrir los secretos de las canciones perdidas y casi olvidadas.

Esta noche del viernes, como siempre hicimos, traemos una voz que siempre me pareció maravillosa. Se trata deNatalie Imbruglia, la actriz y cantante australiana, musa (junto con Lene Marlin), allá a finales de los 90, de mi hijo Ángel Jr. Recuerdo muy bien haber escuchado el álbum "Left of the Middle" en el 97 cientos de veces.

"Torn" es el tema, un directo, que nos trae Natalie. Aunque podemos ver y escuchar también la versión oficial de“Torn”, un trabajo de montaje excepcional y que sirvió para promocionar, no solo la canción sino a la propia cantante.

CRANBERRIES, un grupo irlandés que supo experimentar una buena fusión entre el rock celta y el rock alternativo. Una banda que entendió el rock como un último intento para innovar una música pop que calara en una generación "aburrida" de escuchar el mismo estilo de siempre.

DOLORES O´RIORDAN, compositora y vocalista de la formación. Con un estilo propio y excepcional, cuya aportación a la banda supuso una adaptación muy lograda dentro del pop-rock. Lástima que desapareciera en el 2007 como grupo, pues O´Riordan en solitario, no consiguió la talla que tuvo en Cranberries.

ODE TO THE FAMILY, una canción hermosa y muy sugerente, no sólo en cuanto a su construcción musical, sino por el texto de su letra. Una canción que nos habla de la infelicidad cuando descubres que a nadie le importas y una referencia nostálgica a la familia. Dolores hizo un buen trabajo en esta versión acústica, que fue arropada por una orquesta de cuerdas. Veamos y escuchemos esta versión de "Ode to the family" en uno de sus conciertos.

El "BLUES CARICHI", el club de las canciones perdidas, de la música romántica y del viejo Rock and Roll, vuelve a abrir esta noche sus puertas. La artista invitada es EMILIE-CLAIRE BARLOW, una cantante de jazz de origen canadiense, además de actriz de doblaje. Con su impecable estilo y su excelente voz nos deleita hoy con su recital, interpretando un viejo tema de la "Chanson": "C´EST SI BON".

Emilie-Clalire Barlow, apenas conocida en nuestro país, hoy viene a poner magia en nuestro "Blues Carichi" con su elegante y sugerente estilo de cantar. La escucharemos en C´este si bon. El susurro de una palabra, el rumor de un suspiro, la caricia de un beso... pero en ese mágico rincón de París. Es lo que escucharemos en su canción.

La vemos en el Alexandre Dumas, en St. Germain, junto al Café en que, como aparece en la imagen de mi post, a la izquierda, estaré acompañado de mis pensamientos y recuerdos, y con esa tertulia conmigo mismo. La canción es "La belle dame..." (desolada).

Y una adaptación de aquel lejano tema de"The Mamas and the Papas" y que aquí lleva el título de "Les Yeux Ouverts”. ¡Impresionante canción... preciosa melodía!

El "BLUES CARICHI", el club de las canciones perdidas, de los blues olvidados y de los románticos empedernidos se complace esta noche en recibir a la cantautora guatemalteca... ¡GABY MORENO!, ganadora de un premio Latin Grammy el año pasado, aparte de otros muchos galardones. Su música está inspirada, precisamente, en el Blues, Soul, Jazz y R&B.

El vídeo corresponde a una actuación "muy acústica", en el que escucharemos los temas "Amapola" y "Quizás, quizás, quizás". Así podremos recordar esa famosa estrofa: "Siempre que te pregunto, que cuando, cómo y dónde, tú siempre me respondes: quizás, quizás, quizás".

Pediremos esta noche a Gabriela en su actuación que no se olvide de dedicarnos esos dos temas, ni de llevar la flor en el pelo, ni tampoco de dejar de darnos ese sonido tan bellamente acústico, como la "lindísima amapola".

"La lluvia tiene un vago secreto de ternura,

algo de soñolencia resignada y amable,

una música humilde se despierta con ella

que hace vibrar el alma dormida del paisaje"

"¡Oh lluvia silenciosa, sin tormentas ni vientos,

lluvia mansa y serena de esquila y luz suave,

lluvia buena y pacífica que eres la verdadera,

la que llorosa y triste sobre las cosas caes!"

Son dos de las estrofas de ese precioso poema, "Lluvia", de García Lorca, y que he extraído entre todos sus versos para dejarme acariciar por la nostalgia de mi sentimiento cuando escucho la lluvia y siento sus gotas cayendo sobre mi rostro, precisamente, ahora en primavera.

Cada vez que llueve, de forma tranquila y serena, en otoño o en primavera, cuando su ritmo se hace música, con el sonido de su goteo y de su roce a través del viento, pienso en aquellos versos con los que empezaba un viejo poema que escribí una vez: "Llueve, mi amada, llueve / caen empapadas las hojas / y los campos se han mojado / y hasta el sol se ha perfumado...".

Pero también, la dulce música que sus gotas componen cuando caen, me recuerda a una extraña pero maravillosa poesía de sonidos: la de "El ritmo de la lluvia". Y me recuerda a esa vieja canción, "Rhythm of the Rain", que un día, allá en el año 1963, cantaban "The Cascades" y que fue número 1 durante 12 semanas en las listas de éxitos de EEUU.

"El ritmo de la lluvia", protagonista musical, hoy en mi sentir y en mi blog, ha sido un tema versionado por innumerables intérpretes de la música y de la canción. Una de las mejores adaptaciones, para mí, fue la Chris de Burg, quien incluyó su "Rhythm of the Rain" en un álbum que grabó en 2008.

Sin embargo, quizá por una razón sentimental, la que me llevó a adorar siempre a mi dama de “la Chanson”, me quedo con la versión de Sylvie Vartan, mi musa de la música de los años 60. Aquel tema fue uno de sus primeros éxitos, de los más conocidos cuando se dio a conocer en el Olympia de París. “El ritmo de la lluvia” de Sylvie, grabado en 1963, cuando aún "The Cascades" mantenían su gloria en EEUU, puso una nota romántica para los que ya empezábamos a sentir el ritmo del rock de aquellos años. En el enlace siguiente, vemos la versión francesa de Sylvie, "En Ecoutant la pluie", en la grabación de una actuación en televisión que hizo años después.

"Mi alma tiene tristeza de la lluvia serena,

tristeza resignada de cosa irrealizable,

tengo en el horizonte un lucero encendido

y el corazón me impide que corra a contemplarte"

(Federico García Lorca)

Como un "bis" final y definitivo de "mis 20 mejores canciones de la historia de la música", cuya crónica tengo publicada al margen, en portada, he querido incluir en este espacio, un tema y un grupo que no pertenecen a mi universo musical de "entonces", pero que nos obstante, por el mensaje de su canción y la nostalgia de su música, me parece el más acertado, al menos para mí.

“NO FRONTIERS”, de The Corrs. Un grupo irlandés con mucho carisma, con mucha sensibilidad en la interpretación de sus canciones. Los hermanos Andrea, Sharon, Caroline y Jim, que comienzan su andadura a principios de los 90, cosechan sus mayores éxitos entre 95 y 96 y graban su último disco en el 2005. Su estilo original, único en esa década, no solo en esa interpretación que tanto nos fascinaba, sino en la puesta en escena de sus trabajos, nos ha hecho ahora sentir nostalgia al recordar algunos de sus mejores temas. Su desaparición ha sido para mí una de las mayores pérdidas de la música pop.

The Corrs se movían entre la música tradicional irlandesa y el rock contemporáneo. Pero siempre hubo un toque romántico y emotivo en algunas de sus composiciones, como “No frontiers”, una de las más conocidas de su discografía. No sólo su música, sino el mensaje de su letra, me han hecho convertirla en una de mis mejores canciones. Por ello se merece en este “bis”, como “broche de despedida”, su mención y, muy especialmente, su admiración por sus hermosos versos: “Si la vida es un río y tu corazón una barca, y como el agua, cariño mío, nacidos para flotar. Y si la vida es un viento salvaje que sopla en lo alto, y tu corazón es inmenso, muriéndose por volar, el cielo no conoce fronteras, yo lo he visto en tus ojos… Solo importa ¡AMAR!”. Algunos años más tarde, el mismo mensaje…“los mismos recuerdos y los mismos colores de un instante. Quizá es un canto… a aquel azul, aquella imagen; “no hay fronteras”, solo magia y muy brillante”.

Ángel González "Rusty Andecor"

Como un “bis” final, dentro de este homenaje musical que hice a “mis 20 mejores canciones de la historia de la música”, cuya crónica aparece en portada, aquí en mi blog, he querido añadir una canción nostálgica, de esas que dejar buena sabor para una despedida; una canción muy hermosa, al menos para mí. Un tema que interpreta Bonnie Tyler, la cantante galesa que se convirtió en una estrella internacional del rock allá en el 1977 a causa, curiosamente, del problema de unos nódulos en sus cuerdas vocales y de una operación que no dio los resultados deseados. Sin embargo, su voz rasgada y ronca fue lo que le dio la característica más exclusiva y atrayente para su público, al que seducía con algunos de los pasajes más “desgarradores” en sus canciones. Lo cierto es que su voz cambió hace unos años, después de someterse a otra cirugía, y la “limpieza” de su sonido ya no ha sido capaz de fascinarnos como antes.

No importa; para mí, Bonnie Tyler siempre será una de las mejores y una de mis hadas del rock, con su estilo, su eterna simpatía, “aquella voz”, su fuerza y también, sus maravillosas canciones. “If I Sing you a Love Song” no es precisamente uno de sus poderosos rocks, ni siquiera de las canciones más conocidas, pero es una excelente balada, a la que Bonnie solía darle sentimiento y confesar que le tenía mucho cariño, pues solía dedicarla en sus conciertos a sus fans más enamorados. Esta es una de esas versiones "en vivo", grabada en la UK TV en 1978 (haciendo clic en el título de la canción que antecede), por cierto, cuando ella tenía solo 27 años y nosotros teníamos algunos más.

Quizá era ese enternecedor mensaje de su canción lo que más le atraía a ella misma: “Si yo te cantara una canción de amor ¿la recordarías siempre? ¿la escucharías en la soledad de tus noches cuando yo ya no estuviese? Y si yo te cantara una canción de amor, desde muy lejos, y tú no pudieras verme ¿estarías conmigo, muy cerca, desde allí?".

Así era nuestra Bonnie Tyler, potente, impetuosa e irresistible en sus rocks, pero tierna, romántica y seductora en sus baladas.

Me disponía a publicar un pequeño artículo musical, en este mismo espacio del "Homenaje a la canción", y quería ofrecérselo, para completar ese tributo que estoy haciendo desde hace un par de meses, a "mis diez mejores canciones de la historia". Sin embargo, no he podido concentrar mi inspiración en lo que quería decir en esa crónica; porque algo me inquietaba y perturbaba mi sosiego mental. No podía dejar de pensar en aquel final del verano de entonces, después de acabar las vacaciones para incorporarme a mi antiguo trabajo, habiendo pasado ya dos años desde mis últimas "vacaciones".

Y recordaba esta situación como una anécdota, pensando en un gran amigo de esos que, además de un buen compañero de trabajo, fue cómplice de avatares y aventuras, en todo momento; porque este pasado mes se ha jubilado. Recordaba a esa gran persona: mi amigo Pedro, "el de Trujillo". Él, tampoco tendrá que incorporarse a su tarea porque llegó "en hora buena" (nunca mejor bien dicho) a "su júbilo".

Siento ahora la nostalgia de mis recuerdos, de quien fue un compañero generoso con nosotros, sus amigos; porque nos infundió optimismo con su sentido del humor y el ingenio de sus chistes, dedicados, a veces, en los peores momentos y para levantarnos el ánimo, y porque con su calor y sus atenciones, a todos los que le rodeaban y le querían, siempre fue uno de los mejores "amigos con alma sensible".

Pedro, si llegas a ver este humilde homenaje; para ese sentimiento de bondad que siempre tuviste, te quedo el sentimiento de una virtuosa del violín: el de la artista húngara Katica Illenyi, que "te regala" las “Csardas de Monti”. Para la agudeza de tu sentido del humor, el “Romance”, porque su música también alegra el alma. Y para llenar toda una maravillosa vida que empiezas, la guapa Katica te interpreta su “Vals” y una selección de algunos de sus temas. Y como el mejor adiós, lleno de sentimiento de cariño para ti, el emotivo "Schindler´s List". (Clic en la imagen y en los 4 títulos resaltados).

Por cierto, Pedro; si alguna vez te llaman viejo, aunque de forma cariñosa, recuerda los primeros versos de aquel poema que yo escribí y que decían: “Pues no soy viejo, solo mayor / de desencantos y de suspiros / y de rutinas y de ilusiones / las que me turba, quizá el amor”.

Ángel González “Rusty Andecor”

La cantautora británica Adele, con solo 24 años, ganadora de 9 premios Grammy, 1 Óscar, 1 Globo de Oro y 7 Awards más, es la que hoy nos ocupa con su tema "Melt my heart to stone" en la "Canción de la semana". Una de las mejores voces del panorama musical de la actualidad. Su voz, en contralto, ha sido discutida por expertos, que afirman que está dentro de la mezzosoprano; es decir, un poco más aguda que la gravedad del contralto, tal y como nos recuerda a aquella insuperable y genial Janis Joplin de los viejos años 60.

La canción "Fundir mi corazón en piedra"... ¡IMPRESIONANTE! Y soberbios registros de voz. Da la impresión que no necesita acompañamiento de instrumento musical alguno. Quizá, solo ese piano en esta versión "in live". O, tal vez, un "Melt my heart to stone" con el acompañamiento rítmico y refrescante de una guitarra. (Clic en los títulos resaltados)

Y la versión de estudio con el apoyo de un teclado eléctrico, que la convierte en un temazo que podríamos escuchar en ese imaginario concierto de "aquella sala de jazz"...: "Fundir mi corazón en piedra".

Adele nos canta "Yo te perdono / una vez más / Sin que yo supiera / tú has quemado / mi corazón de piedra".

Rusty Andecor

viernes, 15 de enero de 2021

Últimos reportajes: "20 canciones nacionales que marcaron 1970 - "Historias de una canción"

No hay comentarios:

Publicar un comentario

Ángel González es "Rusty Andecor"

ÍNDICE GENERAL DE ENTRADAS PUBLICADAS (Clic ene títulos):

El perfil de Rusty Andecor

Mis blogs, web y contactos

Índice de los espacios literarios (Cuentos, poemas, reflexiones, cartas y otro tipo de ensayo)

Hacer clic en el título del espacio literario que interese:

Citas literarias sobre "el paso del tiempo" (Un hito que en estos último años... me obsesiona)

Las entradas más visitadas en este blog durante la última semana

Se muestran las entradas más recientes según su ETIQUETA seleccionada

Panorama de actualidad - Prensa - Cine - Enlaces

ACTUALIDAD MUSICAL

Direcciones útiles

Curiosidades y páginas culturales

Mis utilidades

A MIS AMIGOS VISITANTES DE ESTE BLOG

Rusty antes de ser aprendiz de poeta era aprendiz de pianista

Mi musa de inspiración

Debajo, Rusty con sus amigos del Jazz Vitoria, junto al Celedón.

Homenaje a mis "amigos con alma sensible"

Último encuentro en Trujillo con mis amigos con alma sensible el 17 mayo 2010

Érase una vez, hace ya mucho tiempo, los cuñados David, Rusty, y Luis, trataban de poner orden...

PARA SUGERIR

MIS PELÍCULAS FAVORITAS

Las canciones más hermosas:

Café Concierto

DIANA KRALL. La sugerente "estrellona" del Jazz nos regala "doce rosas"

Café de Paris

What A Wonderful World (¡Qué mundo maravilloso!)

Son algunos de los que aparecen en mis conmemorativos musicales (hacer clip en los enlaces)

Concierto año nuevo

ARCHIVO DE ESPACIOS

Contador de visitas (En prueba)

Seguidores del blog

Páginas